ASESINATO POR CONTRATO

Intro.

Como seres humanos estamos acostumbrados a especializarnos en un trabajo y hacerlo de manera más correcta y eficaz posible. El tiempo y la experiencia intensificarán dicho trabajo, que en algunos casos será el único medio de vida mientras que para otros será el devenir de una labor agradable. Personificar a una persona cuyo trabajo es arduo, inclusive con tantos años de experiencia, es interpretar el cansancio bien llevado, el stress bine resuelto y el dinero, sobretodo el dinero. Cuando un trabajo es prácticamente un arte es necesario el financiamiento. Perdurar significa perfeccionar… y enriquecerse.

Cuerpo.

Asesinato por Contrato no fue una película reconocida en su tiempo. Su distribución y exposición fue baja, pero con el paso de los años la película ha sabido colocarse como una de las más peculiares formas del film noir. Reconocida por un estilo agradable dentro de su propia tónica, la vida de un asesino a sueldo es mostrada como una existencia de peculiares tonalidades, mostrando un lado simpático del personaje y su profesión. La película dirigida por Irving Lerner cuenta con guión original de Ben Simcoe y con la colaboración de Ben Maddow, quien había sido nominado al Oscar por su guión en La Jungla de Asfalto. La película sería filmada en siete días. Parte de su posterior fama se debe a Martin Scorsese, quien la calificaría como la película de mayor influencia en su carrera.

Vince Edwards es el personaje principal. Su labor en el cine es en contadas apariciones, sobretodo en algunos film noirs. Su estrellato empezaría en la televisión cuando hiciera de doctor en el programa Ben Casey (1961-1966). La popularidad de la serie lo llevó a volver al cine en contadas películas e inclusive a realizar varias producciones musicales con cierto éxito.

La psicología empleada dentro de  la película es notable. El personaje principal es un asesino a sueldo por necesidad, entendiendo que ante una labor convertirse en especialista es sinónimo de mayores dividendos. Es así como empieza a ser un asesino de sueldo atípico. Sus contratos los finaliza de maneras peculiares teniendo como regla no portar un revolver o no matar mujeres bajo la creencia que son impredecibles y por tanto muy complicadas para matar, a diferencia de los hombres. Este extraño personaje encaja dentro de una atmósfera propicia producida por el juego de cámaras, la música y el tratamiento de escenas así como también la metodología del personaje tomando en cuenta sus propias reglas.

Datos.

Título Original: Murder by Contract

Dirección: Irving Lerner

Año: 1958

País: Estados Unidos

Intérpretes: Vince Edwards, Phillipe Pine, Michael Granger, Caprice Toriel, Herschel Bernardi

Duración: 81 min.

GENEVIEVE

Intro.

Los caminos del amor son muy similares a los caminos de la carretera. La voluntad de un hombre con su vehículo provoca senderos peculiares, como si recorrer una ciudad se tratara de recoger todos los rostros que tu velocidad no puede vislumbrar. Pero cuando no es solamente tu vehículo, es una carrera de dos hombres con sus maquinas, entonces es allí donde se embarcan en una lucha que es más el poder de un vehículo sobre otro, es más la determinación de un hombre sobre otro… son dos niños tratando de sacarse la lengua.

Cuerpo.

Henry Cornelius solo hizo cinco películas durante toda su carrera, pero estuvo envuelto en el cine mucho antes de su debut como director. Trabajó al lado de René Clair y de Alexander Korda, antes de embarcarse a la creación de documentales en Sudafrica, su país de origen. Al volver a Inglaterra, su amigo Alberto Cavalcanti le consiguió un contrato en los Estudios Ealing, donde fue guionista y productor, debutando como director en 1949 con Pasaporte a Pimlico. El éxito de la película lo llevó a pedir un mejor salario y al serle denegado renunció a Ealing. Para la Organización Rank hizo Genevieve volviendo a la popularidad. Sus otras películas no tendrían resonancia alguna y moriría filmando Ley y Desorden (1958), siendo terminada por Charles Crichton.

Genevieve trata sobre una carrera entre dos amigos y sus respectivas parejas. John Gregson y Dinah Sheridan son Alan McKin y Wendy McKin, mientras que Kenneth More y Kay Kendall son Ambrose Claverhouse y Rosalind Peters. Ambas parejas se enfrentarán por ganar una carrera que contiene mucha historia. La película fue enormemente popular en el Reino Unido y consagró a sus cuatro actores principales, aunque en algunos casos como el de Kenneth More ya contaban con experiencia y fama en su haber. Aún así la película guarda no solamente recuerdos gracias al recorrido que hacen, mostrando las costumbres y los lugares de Inglaterra sino también a la carrera en sí, un particular evento que es el recorrido más largo en motor del mundo.

El recorrido de autos antiguos desde Londres a Brighton es la denominación de esta particular competencia iniciada en 1896. La competencia estipula que participan automóviles creados antes de 1905 y recorre una distancia de 187 km teniendo los carros como velocidad máxima 32 km/h. En sí, no hablamos de una competencia ya que no hay ganadores, se les otorga una medalla a todos los que acaban antes de las 4:30 p.m. (la carrera empieza al amanecer). Durante los siguientes años la carrera cobraría gran fama incluyendo entre sus participantes a famosas celebridades (entre ellos el Príncipe Raniero y Grace Kelly en 1968). Genevieve, creada en 1953, fue un homenaje a dicha carrera y el recorrido y vivencias durante la película son recreadas anualmente como parte de un circuito turístico. Así mismo, los autos utilizados en la película son preservados para dichos eventos.

Datos.

Título Original: Genevieve

Dirección: Henry Cornelius

Año: 1953

País: Reino Unido

Intérpretes: John Gregson, Dinah Sheridan, Kenneth More, Kay Kendall

Duración: 86 min.

DARLING

Intro.

En los momentos previos de la fama, un personaje puede sonreír y llorar en total privacidad. Un personaje es un signo de humanidad ante todos los rostros, y todos los rostros se mantienen caminando sin detenerse ante el despliegue de emociones. En los momentos previos. Es así como surge el amor por la soledad. Ya después cuando tu vida es arrebatada y tus actos son hechos públicos y donde ni siquiera tu nombre te pertenece, podemos hablar de la increíble llegada de un ser comparado con una estrella y cuyos triunfos y caídas nos pertenecen… nos pertenecen para husmear, manosear y pisotear.

Cuerpo.

Uno de los mejores representantes de la generación de los sesenta en Inglaterra responde al nombre de John Schlesinger. Surgido como una respuesta inmediata de los conflictos e interrogantes de su época, Schlesinger crearía producciones de alto nivel, lanzando a futuras estrellas del cine a carreras espléndidas. Siendo los años sesenta su mejor época, Schlesinger cobró rápidamente reconocimiento por su labor en la dirección de documentales, para después anclar en la ficción donde también cautivó y cosechó triunfos. Darling sería su tercera película cosechando grandes críticas y galardones, permitiéndole así entrar al cine de Hollywood.

Darling de 1965 sería nominada a seis premios BAFTA ganando en cuatro categorías. Mejor Actriz (Julie Christie), Mejor Actor (Dirk Bogarde), Mejor Dirección Artística (Ray Simm), Mejor Guión (Frederic Raphael). En su camino a los Oscar sería nominada en cinco aspectos, ganando tres. Mejor Actriz (Julie Christie), Mejor Diseño de Vestuario (Julie Harris), Mejor Guión (Frederic Raphael). Las otras dos nominaciones fueron como Mejor Director y Mejor Película. Junto a la mano de Schlesinger encontramos la capacidad actoral de un trío remarcable: Julie Christie, Dirk Bogarde y Laurence Harvey.

Julie Christie comenzó su carrera en 1962 y ya con Darling tendría fama internacional. Christie se convertiría en una actriz talentosa pero paulatinamente sus apariciones en la pantalla grande irían desapareciendo. Aún así logró cosechar el clamor público en sus apariciones en Dr. Zhivago, Fahrenheit 451, Lejos del Mundanal Ruido, entre otras. Christie mantiene hasta nuestros días su vitalidad cosechando nuevos premios y admiradores. Por su parte, Dirk Bogarde es uno de los grandes actores ingleses de su tiempo. Durante los años cincuenta hizo innumerables roles contando siempre con el favor del público y siendo un éxito de taquilla. Su exploración como actor lo llevó a interpretar personajes controversiales y enfermizos, que fueron plasmados con gran calidad gracias a una técnica bastante estilizada. Bogarde pasaría de un joven actor de taquilla asegurada a un actor serio de exquisita técnica, conservando en ambos casos su profesionalismo y éxito. Por último, Laurence Harvey se convertiría en un éxito a finales de los cincuenta con su participación en Un Lugar en la Cumbre (1959). La carrera de Harvey sería glamorosa pero solamente se mantendría estable hasta mediados de los sesenta. En esa etapa se le recuerda por Buttefield 8 (1960), The Alamo (1960), Darling, y sobretodo El Candidato de Manchuria (1962), su mejor rol.

Darling cuenta la historia de Diana Scott, una mujer de vida ordinaria que terminaría convirtiéndose en una estrella. Christie sería la gran sorpresa de la producción que ya encontraba en Bogarde y Harvey a actores maduros y consolidados. Ayudada por una historia atrayente, calculando detalles de vestuario y locación, la película de Schlesinger es una sátira calibrada de la sociedad inglesa de su tiempo. Con una comedia ácida y momentos de total dramatismo, Darling busca estructurar la forma de pensamiento de una sociedad que le importa poco sus preocupaciones, y que ante los cambios sus actitudes parecen tan vagas y tan faltas de madurez. Las grandes interpretaciones logran enfatizar dicho efecto, valiéndole todos los premios que obtuvo y lanzando a todas sus estrellas a futuras colaboraciones de gran aporte artístico.

Datos.

Título Original: Darling

Dirección: John Schlesinger

Año: 1965

País: UK

Intérpretes: Julie Christie, Dirk Bogarde, Laurence Harvey, José Luis de Vilallonga, Roland Curram, Basil Henson, Marika Rivera, Alex Scott, Brian Wilde, Pauline Yates, Trevor Bowen

Duración: 128 min.

LOS CAUTIVOS

Intro.

El salvaje oeste no es un lugar de héroes renombrados y de villanos encasillados. El salvaje oeste es un lugar sin ley donde el más fuerte aprovecha su poder para inutilizar a la ley y para contribuir con el caos. Sus ramificaciones oponen cualquier sentido de humanidad y las balas son la única respuesta que lleva algún tipo de significado. Morir o vivir oculto parece no guardar diferencia y aquellos rápidos con el gatillo son el resultado de una infancia violenta.

Cuerpo.

En el cine del western podremos encontrar asociaciones gloriosas entre directores y actores que dejan de lado un estilo específico para convertirse en creaciones artísticas de alto nivel. Entre dichas asociaciones tenemos a John Ford con John Wayne y a Anthony Mann con James Stewart. En lo que se consideró el western de serie B tenemos la asociación del director Budd Boetticher y el gran actor Randolph Scott que se encargaron de brindar una calidad inesperada a este tipo de producciones.

Budd Boetticher fue un director en la sombra, siempre confinado a películas de bajo presupuesto y cuya carrera nunca tuvo el esplendor deseado. Las mismas películas que realizaría con Scott serían olvidadas en su tiempo, a pesar de las críticas positivas por parte de los cineastas franceses, y no tendrían relevancia hasta su redescubrimiento por posteriores generaciones. Aún así, trabajaría en la época dorada de Hollywood y sus colaboraciones con otros directores y producciones lo mantendrían en este círculo, aunque después de su colaboración con Scott no podría mantener una línea de trabajo siendo cada vez mínimo su aporte al cine.

Por su parte, Randolph Scott fue una de las figuras más emblemáticas del western. Con una carrera que vio en sus comienzos todo tipo de papeles, Scott pasó por dramas, comedias, musicales, horror y demás, hasta anclar en el western, donde sería un símbolo. Dirigido por aclamados directores, Scott mostraría dos facetas en cuanto a sus personajes: en su juventud sería el héroe impulsivo, de rasgos poco delineados y preparado para la acción, mientras que como actor maduro sería requerido como la imagen fuerte, del héroe de muchas batallas y decepciones. Fue a mediados de sus cincuenta que podría mostrar este tipo de personaje. En 1956 a sus 58 años comenzaría su asociación con Boetticher que se extendería en siete películas. Scott y su asociación con el western lo convertirían en una gran estrella, siendo muy querido y recordado por muchas generaciones.

El ciclo Ranown sería la denominación para la asociación de Boetticher y Scott. El estilo de las siete películas muestra a un héroe maduro, marcado por sus batallas y con una sed de venganza que se debate en el misterio. Un seguidor de la ley en su pasado, ahora es un renegado que busca justicia por sus propias manos. La interpretación de Scott en estos papeles es lo mejor de su carrera y serían posteriormente aclamadas como uno de los más grandes ciclos del western. Los Cautivos de 1956 sería su segunda colaboración y basándose en los temas ya señalados encontramos la maduración de dos personajes que se convertirían en leyenda por nombre propio. Las intrigas y el misterio resuelto por Boetticher y por el guionista Burt Kennedy son el fondo perfecto de las interpretaciones de Scott que delinea en una cercana semejanza con la asociación de Mann y Stewart a un héroe de condiciones propias que nutre al western gracias a su individualismo.

Datos.

Título Original: The Tall T

Dirección: Budd Boetticher

Año: 1957

País: Estados Unidos

Intérpretes: Randolph Scott, Richard Boone, Maureen O’Sullivan, Arthur Hunnicutt, Skip Homeier, Henry Silva, John Hubbard

Duración: 78 min.

DIVORCIO A LA ITALIANA

Intro.

En los intrínsecos caminos del amor las miradas entre un hombre y una mujer sufren una curiosa metamorfosis. Mientras alguien piensa con tristeza que su mirada al bien amado va a cambiar, termina sometiéndose ante su asombrosa constancia. Y mientras que la otra persona con alegría aseguraba que su mirada se mantendría incorruptible, ahora asoma con cólera al saber que tiene que mantenerse observando. Entre estas dos virtudes, o vicisitudes, reina el incólume silencio, aquel que devora pasiones y que imita asesinatos de los más demostrativos. Aún así, una línea nunca cambia y el desayuno, almuerzo y cena pueden variar solamente por un minuto antes o un minuto después, sobre la noticia de hoy día o sobre el acontecimiento de ayer, sobre un traje antiguo o un vestido moderno, pero jamás apuntado hacia donde todo el mundo quiere correr.

Cuerpo.

Pietro Germi fue un hombre entregado al cine. Actor, guionista y director, el polifacético Germi alcanzaría su más aclamada forma en la dirección. Acoplado por el neorrealismo de su país, como gran parte de los directores italianos de su tiempo, Germi empezaría así su travesía como director con dramas sociales, muchas veces asociados con la ciudad de Sicilia. El neorrealismo italiano de gran fuerza y trascendencia mundial tendría una existencia plena y es uno de las pocas corrientes cuyo inicio y final están claramente marcados según el consenso de la mayoría de críticos. Obsesión de Luchino Visconti en 1943 y Umberto D. de Vittorio de Sica en 1952 son estos límites casi perfectos asumiendo así que la necesidad de la guerra y sus consecuencias al pueblo italiano provocaron su primera respuesta con la producción de 1943 y que con la película de De Sica en 1952 se dio por concluida esta corriente, habiendo expresado todo lo necesario.

La siguiente etapa del cine italiano nos muestra un cambio en cuanto a la sombría y cruel realidad de la guerra. No tanto como una antítesis del primero, pero sí como un ligero cambio de tono, los dramas fueron dejados de lado y empezó a florecer una suerte de sátira envuelto en comedia que se conocería como neorrealismo rosa, lo que desembocaría en la comedia italiana, nacida a finales de los años cincuenta y de gran popularidad en las siguientes dos décadas. El nombre de la Comedia Italiana (Commedia all’italiana) es derivado de la película de Germi, Divorzio all’italiana.

Marcello Mastroainni, uno de los más grandes actores italianos de todos los tiempos, sino el mejor, ha mostrado su versatilidad a lo largo de su carrera y tanto en dramas como en comedias ha destacado enormemente. Si bien es más recordado por sus colaboraciones con Federico Fellini, estableciendo un rigor incontrastable en el cine mundial, su capacidad para desarrollar todo tipo de personajes lo ha hecho acreedor de numerosos reconocimientos y en cuanto a la comedia también se ha mostrado como parte activa del movimiento surgido en Italia a finales de los años cincuenta. Bajo el mando de Mario Monicelli aparece en Los Desconocidos de Siempre (1958), la primera película de la llamada comedia italiana y aparecería en muchas más compartiendo escena con las más grandes actrices italianas de su tiempo.

Divorcio a la Italiana nos muestra los enredos de la vida de Ferdinando Cefalù mientras trata de resolver sus inquietudes de amor y sus constantes contradicciones con respecto a su matrimonio. A través de la sátira dentro de las convenciones sociales, Germi nos muestra un mundo posible pero desde el tono irónico de alguien que busca abrirse de las leyes y las costumbres pero no en transgresión sino adecuándolas a sus propios intereses para poder gozar de una vida plena ante los correctos ojos de la sociedad.

Datos.

Título Original: Divorzio all’Italiana

Dirección: Pietro Germi

Año: 1961

País: Italia

Intérpretes: Marcello Mastroainni, Daniela Rocca, Steffania Sandrelli, Leopoldo Trieste, Odoardo Spadaro, Margherita Girelli, Angela Cardile, Lando Buzzaca, Pietro Tordi, Ugo Torrente, Antonio Acqua

Duración: 108 min.