STALKER

Intro.

¿Qué esperas encontrar en lo desconocido? Tomar decisiones, buscar milagros, ser parte de aquello que es prohibido. Todos los movimientos deben ser exactos y todas las respuestas simplemente yacen en la profundidad del ser humano.

Cuerpo.

Andrei Tarkovsky, el genio ruso que sería un estandarte del cine como arte en los sesenta y setenta, había combatido los embates de la opresión de su país con respecto a sus filmes. Muchos esfuerzo hizo Tarkovsky para mantener la fidelidad de sus obras pero sufrió de la incomprensión, de la censura debido a las temáticas o a las lecturas subliminales, que era algo muy criticado en la Unión Soviética de esos tiempos. Aun así, Tarkovsky lograría ganar fama internacional y colocarse como uno de los grandes maestros de su tiempo, llegando también a inspirar a otros cineastas, entre ellos al gran Ingmar Bergman, y a retroalimentarse positivamente. Las continuas restricciones harían que su cuerpo de trabajo sea de pocas presentaciones, con tan solo siete largometrajes. Después de Stalker, Tarkovsky dejaría la Unión Soviética y produciría sus dos últimos filmes en Italia y Suecia respectivamente.

Para 1979, Tarkovsky había logrado reconocimiento con La Infancia de Ivan (1962), tuvo una lucha constante para estrenar y mantener cierta hegemonía con Andrei Rublev (1966), logró asumir con mayor control y con su propio lenguaje narrativo en los trabajos de Solaris (1972) y El Espejo (1975), lo que le provocaría una fama como artista pero al mismo tiempo cierta incomprensión por parte del público y un sector de la crítica. Su trabajo residía en buscar fuentes de su propio interés, del cual pudiera hacer un análisis concienzudo y analizar las posibilidades de transmitirlo a la pantalla grande.

Stalker proviene de la novela corta Picnic al borde del camino (llamada también Picnic Extraterrestre) escrita por los hermanos Arkadi y Boris Strugatsky. En un principio, Tarkovsky había recomendado el libro al director Mikhail Kalatozov para su adaptación, pero el director ruso no pudo hacerse con los derechos de la obra. Es así como empezaría a crecer en él, la idea de hacer el filme pero como base de sus propias ideas y mantener su ideología de planos largos, de lo metafísico, el simbolismo y demás tendencias. Para ello, la novela nos mostraba a un stalker, un individuo con ciertas capacidades que conducía a ciertas personas a la zona, un lugar donde se tiene conocimiento de actividad extraterrestre y donde existe un cuarto que permite a las personas obtener sus sueños.

Tarkovsky estuvo filmando un año para buscar escenarios para el filme, solo para darse cuenta que estas cintas no podrían ser utilizadas debido a un mal manejo en su tratamiento. Esto llevaría a un alejamiento de Tarkovsky con su cinematógrafo Georgi Rerberg, siendo reemplazado por Alexander Knyazhinsky. Parte de la película sería filmada en dos plantas de energía hidráulica abandonadas y en una de ellas, una planta de químicos despojaba sus desechos, por lo cual se cree que afectó la salud de muchos, ya que parte del grupo moriría de cáncer. Tarkovsky, su esposa Larisa y el actor Anatoli Solonitsyn, entre otros, morirían de esta forma.

En el rol de stalker, la persona que ayudará a otros a llegar a la zona y que tiene capacidades especiales para ello, se encuentra Alexander Kaidanovsky, un actor y futuro director que sería reconocido con la película En casa entre Extraños (1974) de Nikita Mikhalkov, pero cuya fama internacional se daría a partir de Stalker. Anatoli Solonitsyn hace el papel del escritor, uno de los hombres conducidos a la zona. Solonitsyn era uno de los actores favoritos de Tarkovsky, quien lo descubrió dándole el rol principal en Andrei Rublev y quien participaría en Solaris y El Espejo. Tarkovsky quería que el actor participara en sus siguientes dos filmes pero moriría en 1982.

Stalker no sería muy bien vista en su país, en este caso no por temas polémicos sino por el manejo de los tiempos de Tarkosky, quien buscaba crear tensión a partir de tomas largas, al poco movimiento de la cámara e incluso de los personajes. Estas técnicas no son extrañas en Tarkovsky, quien puntualizaba estos motivos ya de manera plena en Solaris y El Espejo, ahora combinado de mejor forma con el manejo del sonido. El crear un aspecto “extraterrestre” en la película propiciaba uso de locaciones particulares y se apoyo también en el sonido para crear este contexto. Para ello se apoyaría en música típica, siendo el laúd de Azerbaiyán (conocido como tar) y la música clásica de La India como sus mejores exponentes. La película lograría un culto importante con los años demostrando su validez como una obra de arte y parte esencial de la filmografía de Tarkovsky. 

Datos.

Título Original: Stalker

Dirección: Andrei Tarkovsky

Año: 1979

País: URSS

Intérpretes: Alexander Kaidanovsky, Anatoli Solonitsyn, Alisa Freindlich, Nikolai Grinko, Natasha Abramova, Faime Jurno, E. Kostin, Raymo Rendi, Vladimir Zamansky

Duración: 161 min.

EL CIRCO

Intro.

El entretenimiento garantizado a partir de las performances de un solo hombre. Y en cuanto a reír mientras el payaso llora es tan cierto como su inversión y es que este artista es tan representativo porque es tanto un payaso como el creador de toda una obra en muchas de sus variantes y el mayor confidente de cualquier espectador.

Cuerpo.

El Circo es una superproducción que encuentra a Chaplin en su apertura para los largometrajes. Chaplin haría de productor, director, guionista, compositor y actor del filme, llegando a ser una de sus películas más logradas y aclamadas. Para 1928, el genio inglés ya había destacado en varias compañías con sus cortos y la presentación del personaje del vagabundo, y en 1925 había lanzado La Quimera de Oro, logrando así un estrellato aún mayor. Pero El Circo lo calificaría como un maestro en su arte, siendo nominado como productor, director, guionista y actor para el Oscar. Inexplicablemente, Chaplin sería sacado de estas competencias para darle un Oscar especial por “escribir, actuar, dirigir y producir El Circo”. La Academia no ha tomado este Oscar como parte de su lista oficial.

La idea en El Circo era explotar el personaje del vagabundo pero en un medio que se presta más para la comedia física y situacional. Si bien las mismas temáticas se mantienen en cuanto a las producciones de Chaplin, este filme ha quedado en cierta forma no tan celebrado como La Quimera de Oro, Luces de la Ciudad o Tiempos Modernos, por nombrar algunas, debido a ciertos factores, ya sea por una parte por la falta de crítica social, o por una mejor y más desarrollada relación entre la comedia y el drama. Aún así, la película sería uno de los éxitos más grandes de 1928 y solamente agrandaría la imagen de Chaplin que, a pesar de ciertas dificultades fuera de las cámaras, se convertiría en un ícono de la comedia.

El Circo es protagonizado como de costumbre por Chaplin en el rol principal. La doncella en cuestión sería Merna Kennedy. Gracias a su amistad con Lita Grey, la segunda esposa de Chaplin, Kennedy obtendría el papel aunque tendría pocas apariciones en el cine mudo y su transición al cine hablado no sería de lo más alentador. A su lado, Ernest García actuaría como el director del circo, un habitual de Chaplin con el cual trabajaría en seis producciones. Harry Crocker, mayormente conocido como periodista, actuaría en este filme gracias a su cercanía con Chaplin como su asistente personal. Otro gran socio de Chaplin sería George Davis, quien también actuaría en muchas de sus películas, en este caso como un viejo payaso. Otros frecuentes en las producciones de Chaplin serían Tiyn Sandford y John Rand.

La producción de la película sería difícil para Chaplin debido a los muchos roles a desempeñar, pero estaba decidido a hacer una película con respecto a  un circo. Inspirado en Max Linder, Chaplin desarrolla algunas temáticas del genio francés, incluso se señala que hay similitudes entre esta y la última obra de Linder. Pero la producción desde un comienzo se vio en problemas con la casi pérdida de los negativos, un incendio en los estudios que obligó a parar la producción por un mes, su tan escandaloso y publicitado divorcio con Lita Grey y la muerte de su madre. Otros problemas de índole monetaria obligarían a que el filme se estrenara un año después de lo planeado pero su espera sería totalmente galardonada.

La crítica y el público adorarían la película, aunque se encontraría cierto desencanto en comparación con La Quimera de Oro debido a un mayor apego a las técnicas de Chaplin utilizadas fuera de un contexto conocido para la comedia como lo es un circo. Para estos momentos el mundo del cine se encontraba en recambio debido a la implementación del sonido, algo que solo Chaplin desafiaría con creces siendo su última producción muda en 1936. El Circo se mantendría en una lista de éxitos personales para el comediante inglés pero decepcionado debido a todas las problemáticas que tuvo que encarar en esos momentos, sobre todo su tan publicitado divorcio. Olvidado todo, Chaplin buscaría desafiar el tan moderno acto de hablar en el cine preparando lo que sería su inmortal Luces de la Ciudad.

Datos.

Título Original: The Circus

Dirección: Charles Chaplin

Año: 1928

País: Estados Unidos

Intérpretes: Charles Chaplin, Al Ernest Garcia, Merna Kennedy, Harry Crocker, George Davis, Henry Bergman, Tiny Sandford, John Rand, Steve Murphy

Duración: 70 min.

KURONEKO

Intro.

En la noche, el silencio y el misterio se conjugan para ocultar aquello que nos contaban nuestros padres. Esas historias, las cuales tomábamos como mito, ahora se hacen realidad y nuestros ojos no pueden dar crédito a lo que sucede. Pero al igual que estas historias fantasmales, todo desaparece dejando solamente a  los hombres destruidos ante su propia crueldad.

Cuerpo.

El terror japonés parte de una línea muy directa con su folklore. Basados en algunos ejemplos de los años cincuenta y siendo más específicos en los años sesenta, el cine japonés incorporaría a personajes e historias que representarían ese peculiar sentido de lo oculto y lo que vive en el otro mundo. Las historias tradicionales japonesas nos hablan de demonios, fantasmas, espíritus malignos, almas en pena, entre otros. Unas historias en particular muestran como a través de animales, las almas en pena son representadas buscando venganza. Kuroneko se conoció como El Gato Negro, aunque la traducción literal sería un gato negro en el bosque de bambú.

Uno de los atractivos del horror japonés de estos tiempos en la habilidad de los realizadores para no mostrar monstruos o cosas impactantes sino basarse sobre todo en el terror psicológico, en la capacidad de crear terror a partir de lo que está cerca, no de lo que se encara. Para ello, el uso de la música, la cámara y en muchos casos, la fotografía en blanco y negro eran vitales para este logro. Es así que en los años sesenta, películas como Onibaba, Kwaidan, Jigoku o Kuroneko, entre otras, se hicieron muy populares.

La película sería dirigida por Kaneto Shindo, un director muy particular que destacó también como guionista. Un trabajador acérrimo cuya importancia en las historias detrás de los filmes era esencial, se iría desarrollando de la mano de varios directores pero sobre todo del que consideraba su maestro, el gran Kenji Mizoguchi. Shindo destacaba de él la perseverancia en el trabajo y es así como se abriría en el campo de guionista con altas y bajas hasta también incursionar en la dirección, no encasillándose en un género en específico pero sí mostrando la influencia de Mizoguchi a partir de sus personajes femeninos, aunque el poder de estas difiera en tónica. Su célebre La Isla Desnuda de 1960 lo pondría en el plano internacional y a partir de allí, tendría mayor control en cuanto a sus proyectos y contaría con un grupo de actores de los cuales podría apoyarse.

En Kuroneko encontramos algunos roles recurrentes en la filmografía de Shindo. Nobuko Otawa interpretaría a una de las apariciones en el rol de la madre. Otawa actuaría en el primer filme de Shindo como director convirtiéndose en su amante, lo cual le aseguraría estar en la mayoría de sus producciones. Otro habitual, Kei Sato, tendría una larga relación laboral con Shindo y sería conocido también en películas de Masaki Kobayashi. Taiji Tonoyama, otro gran colaborador, sería un gran amigo de Shindo con el cual crearía la compañía Kindai Eiga Kyokai y el director escribiría una biografía del actor, al igual que una película en su honor. Estos tres actores saldrían en las dos películas de terror más conocidas de Shindo, Onibaba y Kuroneko. La película entraría a concursar en el Festival de Cannes pero el evento sería cancelado debido a los disturbios de Mayo del 68. Kuroneko recibiría diferentes galardones en su país.

La película es un destello de propiedades técnicas reforzado con la historia folklorica. Shindo crea una historia de gran envergadura tomando en cuenta elementos del antiguo Japón y situándolo en el periodo Heian, muy propio de estas historias, antagonizando a los samurái y construyendo algo original para su cine también al hacer crítica política y social. Ante esto la historia de misterio se ve no solamente justificada sino que es parte del planteamiento de la problemática. Aquello que entendemos como una venganza es ahora un dilema y entendemos un poco más de lo sobrenatural pero desde argumentos casi humanos y la conquista de lo que alguna vez se anhela se vuelve aún más compleja. Es así como la película funciona desde diferentes niveles y que muestra una conclusión casi lógica, aunque no deja de ser terrorífica en sus elementos.

Datos.

Título Original: Yabu no Naka no Kuroneko

Dirección: Kaneto Shindo

Año: 1968

País: Japón

Intérpretes: Kichiemon Nakamura, Nobuko Otowa, Kiwako Taichi, Kei Sato, Hideo Kanze, Taiji Tonoyama, Yoshinobu, Ogawa, Rokko Toura

Duración: 99 min.