LA NUEVA BABILONIA

Intro.
 
Teatro. Guerra. Revolución. Caos. La excentricidad de las siguientes imágenes son el resultado de crear lo antes no creado y de imaginar aquello que no nos han enseñado. El conjunto de pares creativos nos llevará al resultado esperado: complejidad en todo el transcurso idealista. Inclusive con tantos años de preparación podemos admitir que algunas líneas narrativas pueden mostrarse opacas pero solamente porque el objetivo del producto visual debe escupir arte por todas sus vertientes.

Cuerpo.

 
La Nueva Babilonia es un producto artístico complejo en los últimos años del cine mudo. La obra es una colaboración importante entre los directores Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg prosiguiendo con sus propias ideas del arte y el cine. A través de su propia compañía de actores y con diversas influencias de otros medios, sobre todo la música, ambos colaboradores buscarían un producto único, de difícil manejo sin algunas referencias previas pero que eran parte de sus procesos creativos refinados.

Ambos artistas eran amantes del teatro y sería a finales de 1921 donde llegarían a coincidir con su visión sobre lo que deberían hacer en el teatro y cine. Crearon junto a otros artistas El Manifiesto del Teatro Excéntrico y un año después crearían la Factoría del Actor Excéntrico (FEKS), donde se nutrieron de jóvenes talentos para sus producciones. Esta etapa de mediados de los años veinte se representaron a través de cortos y largometrajes en el cine creando una variedad de productos artísticos basados en sus ideas, las cuales llegarían a un punto clave con el gran éxito de El Capote (1926), siendo considerada una de los grandes filmes del cine mudo soviético. La asociación Kozintsev/Trauberg se mantendrían hasta 1946 dejando un legado apreciable, siendo Kozintsev quien posteriormente se mantendría en la cima del cine con sus adaptaciones de la literatura clásica.

La Nueva Babilonia llega después de varios triunfos del dúo soviético siendo una película histórica cuyo foco central es la Comuna de París de 1871 y sus consecuencias. La problemática con este movimiento es que la película no recalca nociones previas a la creación del grupo y si bien hay una historia romántica en medio del conflicto, la idea principal es mostrar dos bandos opuestos en una búsqueda de poder. La idea era trabajar a partir de influencias literarias sobre la guerra interna francesa, e incluir composiciones como la Marsellesa y obras de Jacques Offenbach. Para ello se sumó la colaboración del compositor Dmitri Shostakovich, quien era también parte del manifiesto creado.

El filme se nutriría del talento actorial de la Factoría. Entre estos destaca Sergei Gerasimov, quien sería también parte de El Capote y que posteriormente trabajaría como guionista y director. La esposa de Gerasimov, Tamara Makarova también compartía los mismos gustos que él y posteriormente enseñaría en una escuela de cine que debido a su relevancia se renombraría el Instituto Gerasimov de Cinematografía (VGIK). Otro talento que también es parte de varias producciones de Kozintsev/Trauberg sería Oleg Zhakov, quien tendría un papel en Ivan el Terrible de Sergei Eisenstein. Sofiya Magarill, la esposa de Kozintsev y graduada del FEKS tendría participación en esta y otras producciones de su esposo. Un breve rol le desarrolla el importante director Vsevolod Pudovkin, creador de obras como Madre (1926) y El Fin de San Petersburgo (1927).

El desarrollo del filme es particularmente atrayente. Una obra teatral relatando los conflictos bélicos que han sucedido ante la desinteresada mirada de una vendedora que posteriormente, y ante el énfasis popular, será parte del conflicto. Esto denotará la historia romántica dentro de la trama, dos personajes sin uan aparente relevancia o interés inicial sobre su contexto que se ven arrastrados ante la vorágine de sus pares para imponerse sobre el otro bando. El cuidado de detalles en cuanto a la escenografía y el uso efectivo de actores se debe a las raíces teatrales del par, que también con la cinematografía y el corte en las ediciones nos presentan un producto de impresiones fuertes, asociado con las técnicas de la propaganda soviética, pero también destacando por la fuerte apuesta de Kozintsev y Trauberg en el cine mudo.

Datos.
 
Título Original: Novyy Vavilon
Dirección: Grigori Kozintsev/Leonid Trauberg
Año: 1929
País: Unión Soviética
Intérpretes: Arnold Arnold, Sergei Gerasimov, David Gutman, Oleg Zhakov, Yanina Zhejmo, Andrei Kostrichkin, Elena Kuzmina, Sofiya Magarill, Tamara Makarova, Vsevolod Pudovkin, Lyudmila Semyonova, Pyotr Sobolevsky, Eugene Chervyakov
Duración: 93 min.

 
CON M DE MUERTE

Intro.
 
¿Cuan fácil o difícil es atender una llamada telefónica cuando todo es silencio? Dentro de los simples esquemas de la vida cotidiana se entrelazan misterios que no parecen responder a ningún orden obvio, pero dentro de los corazones de los hombres se crean rencores mucho más profundos que el simple desprecio de la caricia de una mujer.

Cuerpo.
 
El maestro Hitchcock necesitaba de dos elementos importantes en sus producciones: una historia atrayente y un reparto de gran calidad. Su proceso de transformación y de ángulos en la historia presentada pasaba por años de experiencias en cuanto al suspenso y la maldad de la mente humana, mientras que en el uso de actores siempre tuvo la buena óptica de escoger intérpretes de carácter, de muy buen desempeño en el teatro o en cualquier caso, que tengan un gran atractivo en pantalla. En el caso de Con M de Muerte, se aseguró tener los cinco roles más importantes cubiertos de mucho talento, una pareja de esposos interpretados por Ray Milland y Grace Kelly, el amigo cercano intepretado por Robert Cummings, el criminal bajo la piel de Anthony Dawson y el confiable inspector sería John Williams.

Para 1954, Hitchcock, ya era reconocido como un director de renombre con entregas mundialmente aclamadas desde los comienzos de los años cuarenta, aunque también con algunas detracciones de sus críticos ante entregas muy subordinadas a sus extremos en cuanto a la voracidad de mostrar asesinos calculadores. Es también conocida la necesidad de actores fetiches, sobre todo cuando se trata del apartado de actrices rubias. Esta constante lo llevó a obtener la colaboración de grandes mujeres de carácter y en este caso nos encontramos con la bellísima Grace Kelly.

La futura princesa de Mónaco tuvo un paso fulgurante pero importante en el cine dejando roles importantes en el camino. Hitchcock rápidamente la tendría bajo su radar y esta sería la primera de tres colaboraciones, siendo las otras La Ventana Indiscreta (1954) y Atrapa a un Ladrón (1955). Cualquier otra colaboración quedaría cortada con su matrimonio con el príncipe Raniero y su alejamiento del cine. Su última película sería en 1956. Por otro lado, Ray Milland era una gran adición al filme. Su versatilidad y su gran estima como un actor de carácter lo ponen en una plataforma ideal para brillar en una producción del maestro inglés. Su asociación con el film noir y películas de misterio lo harían un buen candidato en pantalla. Así mismo, Robert Cummings. El actor americano se desenvolvía muy bien en comedias y dramas, siendo incluso parte de Saboteur, película de Hitchcock de 1942. Esto le serviría para que Hitchcock lo llamara nuevamente para un rol en Con M de Muerte.

La película se desarrolla a partir de una obra teatral escrita por Frederick Knott, quien a su vez escribiría el guion de la película. La obra sería presentada en televisión antes de su lanzamiento a la gran pantalla y su éxito consiguió que tanto John Williams como Anthony Dawson, quienes habían formado parte del elenco en el teatro, fueran también llamados para la película. Williams era un actor querido y reconocido sobre todo en Inglaterra, con una gran fiabilidad en su trabajo de actor de carácter en roles menores. Por su parte, el escocés Dawson sería muy recordado por sus roles de villano, tanto en esta obra como en algunas entregas de James Bond, interpretando a Ernst Stavro Blofeld.

En un inicio, Con M de Muerte buscó ser un producto en 3D, pero por la caída de esta nueva tecnología y la falta de entusiasmo por parte del público se tuvo que rechazar esta novedad para la producción. La película sería todo un éxito, resaltando los valores del género que Hitchcock siempre dominó, con grandes actuaciones, tratamiento de la historia, motivos reveladores y un final acorde a las tendencias hitchcockianas. El uso del color también favorecía mucho a Hitchcock en esta década, con unos tintes que denotaban intensidad y que darían un gran beneficio a la figura de Grace Kelly. La película sería un triunfo después de la descolorida Yo Confieso (1953) y lo prepararía para subsiguientes años, con los otros dos proyectos con Kelly, el remake de El Hombre que Sabía Demasiado (1956), la incomprendida Vértigo (1958) y dos notables estandartes como Intriga Internacional (1959) y Psicosis (1960).

Datos.

 
Título Original: Dial M for Murder
Dirección: Alfred Hitchcock
Año: 1954
País: Estados Unidos
Intérpretes: Ray Milland, Grace Kelly, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson, Leo Britt, Patrick Allen, Robin Hughes, Martin Milner
Duración: 105 min.

 
PRIMAVERA TARDÍA

Intro.
 
La calma procede a la tormenta. Pero dentro de nuestra mente sobre lo inamovible, no entendemos cómo las variaciones ocurren aun cuando mantenemos nuestra mirada en los objetos. Conocemos los árboles, las hojas y sus procesos, pero quisiéramos mantenernos en una misma estación sin tener que analizar todos los cambios hasta que la próxima temporada nos dibuje el mismo rostro. No hay un sentido de justicia cuando queremos ser nostálgicos, cuando no queremos entender el proceso de la llamada modernidad y simplemente nos dejamos llevar por la monotonía de nuestros años. Ante esto, solo nos queda suspirar, cerrar los ojos por unos segundos y entender que los cambios se darán mientras seguimos caminando en este mundo.

Cuerpo.

 
En los años treinta y cuarenta tres nombres puntuales serían vistos como los pilares del cine japonés: Yasujiro Ozu, Kenji Mizoguchi y Akira Kurosawa. En ese orden eran vistos los grandes representantes del país asiático, pero ello iría cambiando no solamente con la diversidad en cuanto a los productos sino con los cambios de mentalidad surgidos tanto por la guerra como la misma sociedad japonesa. Es así como Kurosawa terminaría siendo el director más representativo del país por sus diversas e interesantes entregas mientras que Mizoguchi sería el creador de dramas muy emocionales y críticos. Por su parte, Ozu estaría algo relegado con sus dramas costumbristas, pero esto no demuestra la gran capacidad del realizador, ya que muchas de sus películas son consideradas como obras de arte mundial, creando su propio lenguaje, tratamiento de personajes y cinematografía.

Ozu fue un trabajador incansable desde finales de los años veinte, siendo parte del cine con comedias mudas, haciendo paulatinamente su transición al drama. A pesar de que varias de sus primeras entregas sean películas perdidas, los años treinta y cuarenta serían favorables en mostrar el crecimiento de Ozu por crear dramas familiares asociados con la tradición de su país y ciertos cambios en las nuevas generaciones. Esto se intensificaría a finales de los años cuarenta cuando un Ozu más maduro llevara al género del shomin-geki (dramas familiares de gente cotidiana) a puntos culminantes y esto empezaría con Primavera Tardía y su primera asociación con la actriz Setsuko Hara.

Setsuko Hara es muchas veces nombrada como la Greta Garbo japonesa. Una actriz de gran talento con una firma propia en sus entregas y con un alejamiento temprano de la gran pantalla. Una trabajadora incansable desde los quince años, Hara tendría diferentes roles bajo el comando de directores variados como Akira Kurosawa o Keinosuke Kinoshita, pero sería su asociación con Ozu lo que cambiaría la perspectiva de Hara en el cine. Rodeada de dramas familiares en donde ella representó al Japón tradicional ante los vientos de cambio, la actriz japonesa colaboraría en seis películas con Ozu, siendo mundialmente aclamada por ello y siendo considerada la actriz japonesa más grande de todos los tiempos. Pero la muerte de Ozu en 1963 marcó su final en el cine. Hara no volvería a actuar y saldría del ojo público, viviendo en Kamakura sin dar entrevistas o conceder fotografías. Las razones de su alejamiento nunca se esclarecieron. En su última entrevista señalaba que se retiraba porque en realidad nunca le gustó el cine, sino que lo hizo para apoyar a su familia. Muchos especularon un envolvimiento romántico con el director Ozu el hecho de su partida.

Primavera Tardía es la primera entrega de lo que se conoce como la Trilogía de Noriko, en donde Hara interpreta al personaje de Noriko en otras dos entregas, Principios de Verano (1951) e Historias de Tokyo (1953). Si bien el personaje de Noriko en estas tres películas no está relacionado, sí representa la imagen de la mujer soltera en una Japón de cambios. Otro punto importante en estas entregas de Ozu sería su asociación con el actor Chishu Ryu. Apareciendo en catorce de sus películas, Ryu mostraría mucha capacidad para interpretar a patriarcas de familias por lo general, siendo imagen de un Japón tradicional que debe aprender a sobrellevar los nuevos tiempos.

La trama del filme es simple: un viudo viviendo con su hija ante la creciente óptica de que su hija debe casarse pero ella piensa que no debe por no dejar solo a su padre. Ante esto, el padre decide crear un supuesto arreglo matrimonial entre él y una conocida para que su hija decida por fin casarse. Las temáticas de Ozu se repiten constantemente y podemos ver el juego de roles encontrados en Primavera Tardía. Nos encontramos ante el rol principal de la hija que representa la modernidad ligada con una tradición que no quiere dejar. El sentido de familia, de solidaridad, de amor filial la arrastra a un destino nada generoso, puesto que la soledad que quiere evitarle a su padre lo toma como condena pero al mismo tiempo es ella una Japón contradictoria a sus deseos, ya que no solamente es evitar romper los lazos con su padre sino entender el celo que tiene a aquello que siente que le pertenece. Por su parte, la imagen del padre es de una tradición más adepta a los cambios y más arraigada al sacrificio. A pesar de que buscan un bien común se muestran incomprensibles el uno del otro porque su armonía es un momento que debe difuminarse si entienden que deben comprender el rol de la naturaleza, por mucho que este no sea un final del todo feliz.

Datos.
 
Título Original: Banshun
Dirección: Yasujiro Ozu
Año: 1949
País: Japón
Intérpretes: Chishu Ryu, Setsuko Hara, Yumeji Tsukioka, Haruko Sugimura, Hohi Aoki, Jun Usami, Kuniko Miyake, Masao Mishima, Yoshiko Tsubouchi, Yoko Katsuragi, Toyoko Takahashi, Jun Tanizaki, Yoko Benisawa
Duración: 108 min.