EL FIN DE SAN PETERSBURGO

Intro.

La lucha. La constante lucha. La interminable lucha de poderes que nos presenta la pobreza del alma y el hambre. Todo alrededor es producto del enriquecimiento y la desolación. Cada aspecto cuenta con dos rostros, uno que escupe al otro. La pobreza es el único diccionario para aquellos que no pueden pronunciar otra palabra. Estamos imaginando la igualdad en nuestras cabezas, pero nuestras cabezas son frutos maduros que ya llevan algunos años pudriéndose.

Cuerpo.

Vsevolod Pudovkin es uno de los grandes maestros rusos del cine durante su etapa muda. Para ese tiempo, la Unión Soviética había creado las películas de propaganda, que buscaban hacer un énfasis en su nacionalismo así como apoyar al gobierno vigente. Dentro de esta etapa, los nombres de Sergei Eisenstein y Pudovkin surgían por todo lo alto. Pero ambos grandes directores diferían en su visión sobre la temática de propaganda: Pudovkin glorificaba al individuo como el estandarte a seguir y así liberar a los pueblos. Por su parte, Eisenstein creía en la masa como la fuerza impulsadora del cambio. Ambos tuvieron mucha popularidad dentro del cine mudo, otorgándoseles diferentes distinciones. Ambos directores buscarían mayor experimentación con la llegada del cine hablado pero mientras Eisenstein se erigiría como un director de excelente calidad, Pudovkin se perdería, no pudiendo imitar sus clásicos silentes.

El Fin de San Petersburgo fue encomendada a Pudovkin por el Décimo Aniversario de la Revolución de Octubre y es vista como la segunda parte de su trilogía de revolución, junto a Madre (1926) y Tormenta sobre Asia (1928). Estas tres películas serían el testimonio más directo y contundente de Pudovkin, colocándose como grandes hitos dentro del cine mudo. Las representaciones del director ruso con la clase trabajadora es el compromiso innegable de los revolucionarios como la fuerza para el cambio en su país. Así, los diferentes realizadores rusos serían parte de conmemorar las luchas revolucionarias de su país, y a la vez de crear una propaganda del gobierno hacia otros países.

En El Fin de San Petersburgo, su película más lograda, Pudovkin expone de manera sencilla y rápida las dos partes enfrentadas: la clase trabajadora y los poderosos conformados por los empresarios, los políticos y la policía. Pudovkin también sigue el lineal desenvolvimiento del trabajador ignorante de su situación y su lenta pero decidida conversión a la revolución, que es en realidad, la única manera de saber vivir. Estas nociones ayudaban a inflar el espíritu de los espectadores, quienes podían agradecer estas películas al gobierno de Stalin, que otorgaba proyectos para su propaganda. Este “apoyo” sería en muchos sentidos contraproducentes, ya que las libertades permitidas eran en realidad restricciones y cada vez que el gobierno no deseaba algo era cortado. Aún así, Pudovkin logró hacerse de un nombre en la etapa muda, y al igual que Eisenstein, haría uso del montaje que perfeccionaría para sus propios beneficios.

Datos.

Título Original: Konets Sankt-Peterburga
Dirección: Vsevolod Pudovkin
Año: 1927
País: Unión Soviética
Intérpretes: Alexander Chistiakov, Vera Baranovskaya, Ivan Chuvelev, V. Obolensky
Duración: 80 min.

LAS NOCHES DE CABIRIA

Intro.

Una prostituta que no podemos olvidar. Se ha quedado en nuestra mente, en todos nuestros sueños. No es una prostituta con piernas o brazos que nos envuelven. No es una prostituta con senos o glúteos de seducción. Es una prostituta imitando a un payaso imitando a una mujer, es así como roba nuestras miradas y nuestros deseos. Su cuerpo es la interrogación fatal de la desdicha humana y su firma es aquella sonrisa acompañada de una lágrima.

Cuerpo.

Para 1957, Federico Fellini ya era un director consagrado gracias a La Strada (1954). Sus primeras colaboraciones en el cine lo suscriben al neorrealismo italiano y sus primeros trabajos como director estarían también influenciados en este género. Pero Fellini demostraría una influencia de diferentes corrientes, así como una técnica única basada tanto en la improvisación como en un perfeccionismo que en algunos casos llegaba hasta en el maltrato de actores y demás. Fellini era un inalcanzable realizador que encontraba en ciertos extremismos su mejor forma para hacer cine.

Las Noches de Cabiria cuenta con la excelente actuación de Giulieta Masina. Masina, esposa de Fellini, había demostrado tres años antes su increíble dote actoral en La Strada y sería galardonado con el Oscar por su actuación en Las Noches de Cabiria. Masina sería comparada con Chaplin por la manera de interpretar a sus personajes, con un tono tragicómico y la siempre aparente timidez que define la melancolía del personaje. Como Chaplin, Masina imprimía en sus personajes el modelo de un ser que pasa de la tristeza a la alegría como algo muy común, muy humano. La actriz italiana haría pocos roles en su carrera y sería recordada por todos sus proyectos al lado de su esposo.

Con La Strada y Las Noches de Cabiria, Fellini parece decirle adiós a sus últimos pincelazos con el neorrealismo. Y si en realidad podemos encontrar muchos rasgos del movimiento en estas dos películas, el director italiano ya está mostrando sus subsiguientes pasos. Asociaciones más cercanas con el surrealismo y el existencialismo exponen a un Fellini más maduro y en busca de otros ámbitos. Es por ello que estas dos producciones de los años cincuenta tienen un aspecto algo desconcertante con sus pares neorrealistas en el punto que Fellini puede encontrar momentos de total humor, inclusive en los estados más precarios y puede demostrar una mayor libertad de creación. Fellini se nutre del movimiento para encontrar su forma y eventualmente se convertiría en algo que llevaría a desconcertarlo, en el gran maestro de cine que crea obras inmortales para después no saber que más puede crear. El mejor Fellini, el único Fellini, el de comienzos de los años sesenta demolería y reinventaría el cine con su dulce vida acompañada de ocho razones y media más para seguir creando.

Datos.

Título Original: Le Notti di Cabiria
Dirección: Federico Fellini
Año: 1957
País: Italia
Intérpretes: Giulietta Masina, François Périer, Amedeo Nazzari, Franca Marzi, Dorian Gray, Aldo Silvani, Ennio Girolami, Mario Passante
Duración: 117 min.

 

UMBERTO D.

Intro.

Inmediatamente en un abrir y cerrar de ojos nos encontramos ancianos y débiles. Nuestros conocimientos acerca de la vida no parecen tan relevantes o tan poderosos como para poder seguir adelante. No tenemos respuestas. No entendemos más la diferencia entre el día y la noche. Aún así tratamos de protegernos, tratamos de imitar a alguien que se asemeje a nosotros, a nuestras esperanzas, a nuestros deseos. Un rostro definido por todas sus líneas de sabiduría.

Cuerpo.

Vittorio de Sica es uno de los grandes renovadores del cine italiano durante la etapa del neorrealismo. Durante este período creo algunos de los ejemplos más precisos del cine como arte, influenciado así por siempre la manera de crear y de ver el séptimo arte. De Sica variaría su trabajo entre la dirección y la actuación, bajo la consigna de actuar para poder financiar sus proyectos. Gracias a sus colaboradores impactó al mundo y junto a otros directores del género puso al cine italiano como uno de los grandes exponentes mundiales del cine.

Umberto D fue una colaboración en el guión entre De Sica y Cesare Zavattini. Zavattini fue uno de los grandes teóricos del cine, creando alrededor de ochenta películas en colaboración de los grandes directores de Italia. El dúo De Sica/Zavattini fue una de las colaboraciones más importantes del cine creando clásicos como Limpiabotas (1946) y Ladrón de Bicicletas (1948), entre otras. La dinámica entre estos dos grandes realizadores imprimió en sus películas la humanidad necesario para tocar al público y para demostrar la angustia del ser humano frente a la pobreza y a su realidad. Como parte del género, muchos de sus clásicos tenían como reparto a actores no profesionales, lo que también era un punto vital dentro del esquema de sus películas.

Umberto D es un homenaje del director hacia su padre. De Sica muestra la patética situación de un hombre viejo tratando de sobrevivir dentro de una sociedad que ya no lo necesita y cuya gente ya no desea apoyarlo. Siendo un magnífico ejemplo del neorrealismo, Umberto D no solo muestra la indiferencia de la sociedad frente al ser humano, sino también la enajenación misma del ser, quien enfrenta las respuestas vacías de los demás y sus propias inhibiciones que no le permiten salir de la situación en la que se encuentra. La película expone igualmente un toque de sensibilidad sobre el personaje, un entendimiento de la condición humana que es un toque personal del director italiano: la esperanza como uno de los males dentro de la Caja de Pandora y que se mantiene dentro de nosotros, recordándonos cuan fútiles somos ante la cruda realidad.

Datos.

Título Original: Umberto D.
Dirección: Vittorio de Sica
Año: 1952
País: Italia
Intérpretes: Carlo Battisti, Maria-Pia Casilio, Lina Gennari, Ileana Simova, Elena Rea, Memmo Carotenuto
Duración: 89 min.

LAS DAMAS DEL BOSQUE DE BOULOGNE

Intro.

Y cuando estés confundida, da un paseo por el bosque. Cuando estés afligida, deja pasar los minutos a través de tus pasos y lentamente déjate llevar por los senderos que evocan cualquier momento menos tus conflictos. Cuando estés enojada empieza a crear un bosque de intrigas y cuando desees tomar su cuello y destruirlo simplemente suéltalo, y procura que el tiempo sea un mejor asesino que tu propia venganza.

Cuerpo.

Las Damas del Bosque de Boulogne es el segundo largometraje de Bresson y el último en utilizar actores profesionales. A partir de este punto Bresson se convertiría en un director de culto, apoyado en sus temáticas realistas y religiosas, así como el uso de actores no profesionales y de técnicas de filmación básicas. Bresson es uno de esos directores con una firma propia, su estética para abordar una película es única, así como su incesante búsqueda de la perfección de sus ideas. Así también fue un director complicado y meticuloso cuya carrera se expandió en solo trece películas, muchas de las cuales son vistas ahora como obras maestras del cine.

Las Damas del Bosque de Boulogne es un ejemplo único de Bresson trabajando a partir de ciertos códigos dentro del cine que más tarde se extirparía. Esto en cierta manera no cobra el real calibre de la versatilidad de Bresson debido a su poco apego por trabajar con actores profesionales y a la aún no desarrollada técnica que lo convertiría años más tarde en un creador de culto. Aún así, es innegable el control del director en su obra, que en este caso se ve también apoyado por la excelente actuación de la actriz española María Casares. Casares actuó en el cine francés durante gran parte de su carrera y tendría una corta pero fructífera carrera en el cine trabajando al lado de Cocteau, Bresson, Carné y Christian-Jaque. Su carrera estuvo más ligada al teatro, siendo la primera extranjera en actuar en el teatro de la Comédie-Française.

Como futuros proyectos de Bresson, Las Damas del Bosque de Boulogne nos muestra a un director tomando un motivo y haciéndolo suyo. En este caso, nos encontramos ante una historia de venganza que paulatinamente empieza a crear toda una trama y toda una estrategia de calibrada calidad. Bresson propone los actos como la condición humana llevada por sus pasiones, así los actos de los protagonistas están basados por la razón, pero no pueden ser totalmente controlados cuando las sensaciones y los sentimientos se ven envueltos. La película es la placentera calma previa a los grandes eventos creados por el director. Sin sus obsesiones impregnadas sobre la existencia y la religión, podemos notar en Las Damas del Bosque de Boulogne los trazos que demarcarán sus futuras obras y un elemento muy particular de Bresson, el de mostrar la realidad como un conjunto de movimientos que parecen alejarse de la lógica humana pero que en realidad buscan motivar todo lo contrario: configurar al ser humano a partir de sus delirios, su problemática y su silencio.

Datos.

Título Original: Les Dames du Bois de Boulogne
Dirección: Robert Bresson
Año: 1945
País: Francia
Intérpretes: María Casares, Paul Bernard, Elina Labourdette, Lucienne Bogaert
Duración: 84 min.

SINFONÍA DE LA VIDA

Intro.

Nuestra vida es un secreto solamente compartido con el tiempo. Nuestros momentos quedan marcados como el inmortal viento observando futuras y futuras generaciones. En breves segundos observarás tu vida pasar y te preguntarás que pudiste cambiar, que decisión pudo haber sido diferente y cuantas veces debiste haber dicho te amo. En contados segundos todo aquello estará en ti como gotas de lluvia y cuando haya acabado sentirás tu existencia como la noción más extraña del mundo: todas las concepciones que pudiste reconocer en tu vida se definen en simples palabras.

Cuerpo.

Sam Wood fue un director que se desarrolló desde los comienzos del cine mudo siendo asistente de Cecil B. DeMille y tomando las riendas de la dirección en 1919. Wood tendría una carrera fructífera en diferentes estudios dirigiendo siempre a las grandes estrellas del momento y realizando películas destacadas que ya son parte del imaginario de Hollywood.

La fórmula de los melodramas expone una trama simple pero efectiva. Las emociones y la nostalgia son las principales fuentes de donde se nutre el estilo hollywoodense y que se ve caracterizada por la personalidad de su director. Así, Hollywood nos ha brindado momentos memorables dentro de la historia del cine, creando una infinidad de razones por las cuales la predominancia de talentos puede brindar resultados totalmente aceptados por el público y por los críticos. Los melodramas han mantenido su vigencia por esa asociación con una realidad muy particular, hombres simples y mujeres simples hacen frente a sus problemas y dentro de todo logran superarlos, con esfuerzos, con sacrificios e inclusive cuando el final feliz no es siempre esperado si es esperado aquello que hace del ser humano algo muy especial: su voluntad como su mayor insignia ante un mundo que no parece comprenderlo.

Sinfonía de una Vida es un sensible tratamiento sobre la vida de un pueblo, relatando sus vivencias de una manera poco ortodoxa, pero cuyo encanto reside en el tipo de narración, que es una copia fiel de la obra teatral de Thorton Wilder. La película sería nominada para diferentes Oscar, entre ellas a la de mejor película. Sinfonía de una Vida sería bien recibida y su construcción melancólica probaría ser un fuerte mensaje dentro del público. El reparto, entre los cuales se encuentra un joven William Holden, también sería parte importante de la película. Muchos de los actores tenían vasta experiencia dentro de Hollywood y sus rostros eran muy familiares para toda la audiencia. La armonía dentro de la película se ve resaltada por los elementos atípicos ante los cuales nos enfrentamos y que transcurren como parte del delicado tratamiento de una película que si bien mantiene todos los aspectos formales de un melodrama, imprime la fuerza de indagar en un nivel más sofisticado nuestras dudas con respecto al amor, la vida y la muerte.

Datos.

Título Original: Our Town
Dirección: Sam Wood
Año: 1940
País: Estados Unidos
Intérpretes: William Holden, Martha Scott, Fay Bainter, Beulah Bondi, Thomas Mitchell, Guy Kibbee, Stuart Erwin, Frank Craven, Doro Merande
Duración: 40 min.

EL NAVEGANTE

Intro.

Cuando estés navegando, ten cuidado que se hunda tu barco. Si se hunde tu barco, ten cuidado con ahogarte con una expresión tonta en tu rostro porque las fotografías no perdonan. Cuando tengas tu barco, considera en decir que no es tu barco y te verás navegando algo que no conoces y de repente el mar es más desconocido aún y tú eres una persona que ya me olvide su nombre. Antes de salir a tomar un paseo en tu barco solamente te digo algo: ten cuidado que te hundas… en grandes pensamientos.





Cuerpo.

Uno de los comediantes más grandes de Estados Unidos, Buster Keaton, fue también una de las grandes figuras del cine mudo. Es considerado el cómico más importante de esta etapa del cine después de Charles Chaplin. Su humor y su ingenio le valieron numerosos reconocimientos y su particular acercamiento a la comedia fue uno de los tantos logros del cine mudo. Keaton había desarrollado un personaje, al igual que Chaplin había hecho con el vagabundo, en el cual sus expresiones faciales eran mínimas o nulas en algunos casos. Sus historias derivaban de la simple fórmula del joven enamorado, o del hombre tratando de ser un héroe o venciendo las adversidades. Gracias a ello, y con la ayuda de diferentes directores, Keaton logro desarrollar un cuerpo de trabajo que sería esencial para la comedia física e intelectual.

Keaton siempre contó con el apoyo de diferentes realizadores y escritores que le ayudaron a crear sus películas. En el caso de El Navegante, el guión corre a cargo de Clyde Bruckman, uno de los más cercanos colaboradores de Keaton con quien trabajó en diferentes películas e inclusive codirigió El Maquinista de la General (1927). Bruckman tiene un extenso cuerpo de trabajo al lado también de El Gordo y el Flaco, Los Tres Chiflados, W. C. Fields, Abbott y Costello, y Harold Lloyd. El Navegante fue codirigida por Donald Crisp, uno de los actores más respetados de Hollywood cuya influencia era innegable en cuanto a la realización de muchos de los proyectos en los cuales estaba envuelto. Gracias a su colaboración con el genio del cine mudo, D. W. Griffith, aprendió las técnicas de dirección y rápidamente se desarrollo como director y actor. Crisp filmaría alrededor de setenta películas, ganaría un Oscar por mejor actor secundario y tendría un legado innegable dentro de Hollywood.

El Navegante es una comedia de enredos típica de Keaton, en donde nuestro “héroe”, ese hombre común y corriente, decide formalizar su compromiso con el amor de su vida, interpretada por Kathryn McGuire. McGuire sería una actriz que trabajaría en el cine mudo y cuyas dos películas más importantes vendrían de la mano de Keaton, siendo la segunda Sherlock Jr., también de 1924. Keaton y McGuire probarían ser una pareja interesante dentro de estas dos producciones y ambas serían alabadas por público y crítica. Keaton realizaría sus más elaboradas maniobras físicas en El Navegante disfrutando así su mejor éxito comercial y demostrando ser este su punto fuerte, ya que en cada producción Keaton exponía su físico a pruebas cada vez más arduas y audaces.

Datos.

Título Original: The Navigator
Dirección: Buster Keaton/Donald Crisp
Año: 1924
País: Estados Unidos
Intérpretes: Buster Keaton, Kathryn McGuire, Frederick Vroom, Clarence Burton, H. N. Clugston, Donald Crisp, Noble Johnson
Duración: 59 min.