LARGA ES LA NOCHE

Intro.

Un largo camino empieza con un conflicto. Una interioridad se encuentra zanjada en todo aquello que cree y que ahora parece significar nada. Un largo camino y una mente que empieza a trabajar de manera diferente y como un desesperanzado ser cree que todo aquello que vive es una mentira y una larga caminata es una verdad. Durante mucho tiempo los rostros se mueven dispares. Durante mucho tiempo su cuerpo suda y sangra. Pero se mantiene, se mantiene, porque alguna razón te dice que allá afuera hay algo, que todavía se puede luchar por algo. Y tal vez no. Y tal vez sí. Quizás llegando al final de su recorrido entenderá todo aquello que compone la fragilidad humana.

Cuerpo.

El director Carol Reed se hizo conocido mundialmente por su obra El Tercer Hombre (1949), con guión del escritor Graham Greene. Reed comenzaría su carrera a mediados de los años treinta y en los años cuarenta llegaría su consagración. Con un uso inusual de cámaras y una manera muy particular para contar sus historias, Reed fue un director exquisito que pudo encontrar en diferentes etapas grandes logros que ayudaron a mantener su carrera a flote. Ganaría en 1949 La Palma de Oro en Cannes por El Tercer Hombre y en 1969 ganaría el Oscar a mejor director por el musical Oliver!

Larga es la Noche es uno de los primeros trabajos de Reed con reconocimiento absoluto debido a su temática y a su atrevimiento. Basada en la novela homónima de F.L. Green, la película nos presenta a un joven pero ya reconocido James Mason en un conflicto entre el bien y el caos dirigido a través de una peculiar odisea. La película fue buen recibida a pesar de cierta crítica creada por supuestas relaciones políticas y sociales. En esos tiempos, las relaciones entre Inglaterra e Irlanda eran tensas y algunas asociaciones liberales y políticas vieron en el filme una suerte de foco sobre el problema y no una simple lucha entre policías y ladrones. Fuere este o no el caso, la película tiene un valor creativo ante la exploración del ser humano y su interioridad. Reed ofrece un ángulo surrealista y asimétrico que no busca revelar los lados definidos por la ley, sino la capacidad del ser humano por sobrevivencia e importancia dentro de su propio contexto.

La película obtendría el premio BAFTA a mejor película de 1947 y sería nominada para el León de Oro en el Festival de Venecia. James Mason se convertiría en una de las grandes estrellas del cine y al director Reed le espararían aún más grandes desempeños. Muchos de los participantes de Larga es la Noche se convertirían en actores de moderado éxito dentro del Reino Unido, al igual que algunos asesores técnicos de Reed que se mantendrían con él durante la mayoría de su carrera. La película también sería señalada como parte del film noir fuera de Estados Unidos, en donde tanto Inglaterra como Francia tomarían ciertos aspectos del género pero transcendiendo en solamente las referencias y creando producciones que no se ataran insistentemente a estas particularidades.

Datos.

Título Original: Odd Man Out
Dirección: Carol Reed
Año: 1947
País: Reino Unido
Intérpretes: James Mason, Robert Newton, Cyril Cusack, Kathleen Ryan, F.J. McCormick
Duración: 116 min.

 

SOLARIS

Intro.

En el medio del espacio no puedes oír nada. En el espacio, las naves, los transportes y la complejidad con la cual has creado todos tus aparatos modernos parecen ser nada. La inmensidad del universo te convierte en un punto ínfimo dentro de toda la concepción. Y aún así, abres tus ojos y las emociones humanas nacen, y todo aquello que puedes asociar con la belleza y con la fealdad parece similar… y a la vez, totalmente distinto. Caminas, respiras, sientes, pero nunca como lo has hecho antes y te preguntas si todas estas sensaciones y emociones son humanas. Te preguntas donde estas y quienes son todas estas personas a tu alrededor. Cuanta paciencia debe tener el género humano para llegar a la profundidad de su propio ser y de su ambiente.

Cuerpo.

Andrei Tarkovsky es uno de los más grandes directores del cine ruso y mundial. Su capacidad para crear sus propias técnicas y para desarrollar un lenguaje propio es una de las más esmeradas cinematografías de los años sesenta y setenta. Con apenas ocho largometrajes y tres cortometrajes de su etapa de estudiante, Tarkovsky se ha convertido en un director de culto originando las más gloriosas apreciaciones en todas partes del mundo. Como todo un obrero en su arte, Tarkovsky era meticuloso en los proyectos que tomaba y consideraba cada detalle en la creación de éstos. Esto llevaría a tomar bastantes años a la realización de sus películas y también a una difícil relación con la política de su país. Como es sabido, la Unión Soviética se caracterizó durante mucho tiempo en la represión y censura en contra de sus artistas. Tarkovsky sufriría este abuso y sus últimos proyectos serían hechos en el extranjero, tomando en cuenta también que algunas de sus primeras películas no fueron estrenadas en su país hasta después de su muerte.

Solaris sería producida en 1972, seis años después de su última película, Andrei Rublev, que no sería estrenada bajo múltiples censuras. La necesidad de realizar otro proyecto llegó como una suerte de respuesta ante la monumental obra de Kubrick, 2001: Una Odisea en el Espacio (1968), e incluso Solaris es llamada la versión rusa de esta película. Tarkovsky comentaría que la película no le impresionó y que difería de esta ya que a su parecer el espacio no debería ser definido en un solo concepto, sino que debido a nuestro poco conocimiento sobre él mismo debería ser una especie de libro abierto. Así, Tarkovsky tomó el libro homónimo de Stanislaw Lem y junto al escritor como asesor comenzó a construir su película. Como un teórico del cine, Tarkovsky no buscó la reproducción fiel del libro, lo cual terminaría enojando al escritor, sino que tomó la idea para profundizar en los propios temas de su interés. La relación del hombre con la naturaleza y el arte como la fundamentación total de sus inciativas encuentran a un Tarkovsky desafiando los límites de la ciencia ficción en la búsqueda de romper barreras y colocar a Solaris como un híbrido de su propia firma.

La construcción de Solaris resultó prometedora. Tarkovsky quería a su ex esposa y actriz Irma Raush como la protagonista, pero después de ver en una actuación a Bibi Anderson decidió que sería ella su actriz. Por alguna razón la musa de Bergman no estuvo disponible y ante una primera negativa sobre la actriz Natalya Bondarchuk (hija del gran director Sergei Bondarchuk), Tarkovsky decidió que ella sería perfecta. Tomando Rusia como principal lugar de filmación, y algunas escenas en Japón, Tarkovsky comenzó a construir sus esquemas teóricos y de profundización con respecto a los personajes y a la trama. Como era de esperarse las sinfonías tomadas eran calculadas en detalle y sus siempre gustos por tratar de reproducir algunas pinturas dentro de las escenas se hizo presente. Tarkovsky mantuvo la trama general del libro pero desde un enfoque diferente y basado en lo que él creía del espacio: ante la falta de conocimiento humano, el espacio se nos presenta como desconocido, extraño e inexplicable.

Solaris es, como todas las realizaciones de Tarkovsky, una pieza de estudio. Tal vez no tan enfocada a sobrepasar diferentes rangos como su posterior Stalker, Solaris si entrega un brillante esquema de posibilidades tanto en el uso de cámaras como en el uso de motivos. Confinado a pocos espacios y a un estilo parcialmente claustrofóbico, el director ruso no escatima en presentar las acciones en una quietud y silencios intuitivos prolongándolos por casi tres horas. Con dos partes no tan visiblemente diferenciadas, la tierra y el espacio parecen representar estados de ánimo de personajes dolidos, traumatizados y expectantes de un nuevo inicio. En la estación espacial el ser humano es érroneo. Con sus incomodidades y falencias busca interpretar aquello que no tiene lectura pero que como seres humanos necesitamos leer. Así, también el espectador puede encontrarse ante un libro abierto, pues ésa es la consigna de Tarkovsky: liberar sus dudas y su desconocimiento a partir de los símbolos de la naturaleza conocidos y tomarlos como aquello que no se conoce realmente si es que no se lleva a una profundización.

Datos.

Título Original: Solyaris
Dirección: Andrei Tarkovsky
Año: 1972
País: Unión Soviética
Intérpretes: Natalya Bondarchuk, Donatas Banionis, Juri Jarvet, Vladislav Dvorzhetsky, Nikolai Grinko, Anatoli Solonitsyn, Olga Barnet, Sos Sargsyan
Duración: 165 min.

EL MAGO DE OZ

Intro.

¿Dónde está el mundo que conoce nuestras sonrisas? ¿Dónde está el lugar dónde somos más inalcanzables que nunca? Podemos tratar de encerrarnos en un pequeño cuarto y tener todas las respuestas del mundo para así poder crear los colores donde no existen. Podemos viajar alrededor del globo como si no buscáramos nada y así lograremos algo. En un lugar muy particular donde nuestros rostros y nombres son diferentes debemos tener sueños y esperanzas porque todo aquello que conocemos como amor está por encima de una nube.

Cuerpo.

El Mago de Oz es una de las películas más reconocidas de todos los tiempos. Tiene el honor de ser la película más vista en la historia del cine y su influencia se mantiene ante su descubrimiento por parte de las nuevas generaciones. Así como la película, todo el proceso creativo se ha tornado una gran historia de colaboraciones y decisiones acertadas que llevaron a muchos personajes a ser parte del filme. Si bien la película no fue muy popular en su tiempo, si fue un moderado éxito de taquilla y ganó diferente premios y apreciaciones, sobretodo en las nominaciones al Oscar. Su éxito total sería a mediado de los años cincuenta con su difusión en televisión llegando a convertirse en un programa esencial, convirtiéndose en una difusión anual aumentando así su popularidad.

El director designado fue Victor Fleming, quien ese mismo año dirigiría Lo que el Viento se Llevó, las dos más grandes producciones de 1939. Pero era difícil pretender que un solo director pudiera manejar dos grandes películas en tan corto tiempo, así ambas películas tendrían diferentes asociaciones en la dirección. Estos directores no llegarían a los créditos finales pero fueron sin duda, una importante herramienta en todo el proceso creativo. El guión fue una colaboración de muchas manos, comenzando como un pequeño bosquejo de cuatro hojas y durante el tiempo de preproducción el guión se fue transformando gracias a las diferentes indicaciones y cambios, en pro de mantener la idea original del libro de L. Frank Baum. Con el guión completo gracias sobretodo a la coordinación de Mervyn LeRoy, que se modificaría en plena grabación y posteriormente, la dirección corrió por parte de Norman Taurog, quien sería rápidamente reemplazado por Richard Thorpe. Con dos semanas de grabación y ante la ausencia de uno de los protagonistas, la filmación quedó en receso. Cuando el trabajo fue retomado Thorpe estaba fuera del proyecto y en su lugar ingresaría George Cukor. Cukor cambiaría el foco de la película, dejando de lado una glamurosa bruja (basada en Blanca Nieves y los Siete Enanos) y una Dorothy rubia en demasía artificial para mostrar los resultados que conocemos ahora. Así, desmanteló casi todo el trabajo de Thorpe para un nuevo comienzo, pero a finales de 1938 fue llamado para dirigir Lo que el Viento se Llevó y su lugar lo ocupó Victor Fleming. La mayoría de la película fue filmada por Fleming pero ante el despido de Cukor, sería él quien tomaría las riendas de Lo que el Viento se Llevó. Así, King Vidor terminaría la película siendo él quien filmaría la escena de Garland cantando Over the Rainbow.

Conseguir el reparto fue también difícil. Shirley Temple era la primera opción pero por cuestiones monetarias y ante otras aspirantes de no tanto calibre, se eligió a Judy Garland, una joven actriz que ya estaba mostrando sus talentos en diferentes producciones. Una de las más llamativas ausencias sería la de Buddy Ebsen (quien más tarde sería conocido por su rol en la serie Los Beverly Ricos), que encarnaba al hombre de hojalata. Ebsen comenzó la producción con sus colegas pero una mala reacción al químico puesto en el maquillaje casi acaba con su vida, sacándolo de la película y siendo reemplazado por Jack Haley. Muchas de las primeras opciones para los roles serían descartadas debido a problemas monetarios o de contrataciones y el reparto final se embarcaría en todo el difícil proceso de una película tan fantasiosa y a la vez, con toques realistas tratando así, de captar diferentes tipos de audiencia.

El Mago de Oz es una película singular. No solamente cuenta con temas musicales reconocidos y reinterpretados por generaciones, sino que también lanzaría a la fama a Judy Garland, haciendo de Over the Rainbow parte de su repertorio hasta finales de su carrera. La canción ganaría el Oscar y la composición de la película sería tomada como el soundtrack más reconocido en el mundo del cine. Debido a la fidelidad a la versión de Baum, la película es una combinación entre temas juveniles y maduros, mostrando en ciertas partes una fina línea en cuanto al tratado de las escenas. La decoración y escenografía en cuanto al bien y el mal se encuentran bien definidas pero la astucia de todo el equipo de producción demuestra una profundidad inusual para este tipo de fantasía. El Mago de Oz es así, una película entrañable, de coordinación perfecta y de un lema de ensueño, aquel que busca cualquier ser humano cuando los problemas parecen encerrarnos, cuando solamente buscamos un lugar donde no existan dificultades.

Datos.

Título Original: The Wizard of Oz
Dirección: Victor Fleming
Año: 1939
País: Estados Unidos
Intérpretes: Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Billie Burke, Margaret Hamilton, Charles Grapewin, Clara Blandick
Duración: 103 min.

AVARICIA

Intro.

Cuando tienes en tu mano una moneda todo parece desolador, todo parece soledad, todo parece tu mano con una sola moneda. Cuando tienes dos monedas en tu mano todo parece tan simple, como si la filosofía de los objetos perdiera significado y tu persona fuera alguien aburrida. Y así ocurre también con tres monedas, cuatro monedas, cinco monedas y con todas las subsiguientes. Hasta que llegas a un número en el cual sientes satisfacción. Llegas a un momento en el cual puedes esbozar una sonrisa. Y cuando llegas a ese momento te das cuenta que solo hay una manera de seguir viviendo: dejando que el olor de ese metal y de esos billetes y de esas propiedades hagan de ti una estatua invaluable, un ser que no puede ser tocado. Ahora tu vida ha olvidado que es tener una moneda en la mano. Y cuando entiendes el significado de una moneda en la mano entiendes el significado de una moneda cayendo de tu mano y el significado de una mano recogiendo una moneda.

Cuerpo.

Avaricia es la película “perdida” más importante de todos los tiempos. Su elaboración y la disputa entre dos figuras eminentes del cine la han vuelto una de las leyendas de Hollywood, considerándose ésta, la pérdida más grande del cine mundial. Construida bajo la atenta dedicación de su director, el austro-húngaro Eric von Stroheim, Avaricia es una de las creaciones realistas más apreciadas destruyendo cualquier convención de la época pero al mismo tiempo, siendo destruida por la poca recepción de esta obra maestra. Von Stroheim se haría conocido en Hollywood por varios dramas que tocaban el tema de las relaciones matrimoniales y el poder, creando en él una fama no solo como director sino también como protagonista de sus propias creaciones. Así mismo, la fama de Von Stroheim sería notable por su difícil carácter como director. Una especie de tirano dentro de sus producciones, Von Stroheim no permitía alteraciones en sus proyectos y trataba de gobernar con puño de hierro dentro del set. Fue así como la relación con los estudios y los productores sería muy tensa, llevándolo en varias oportunidades al despido.

Irving Thalberg fue uno de los grandes productores de Hollywood. Su corta carrera lo erigiría como una de las personas más importantes dentro de la industria, ganándose el apelativo de Boy Wonder (Chico Maravilla). Lamentablemente Thalberg tendría desde joven problemas con el corazón y sucumbiría a sus tempranos 37 años. Muchas fueron sus glorias dentro del cine y también fue conocido su carácter de evitar siempre estar en los créditos de sus películas. Su relación con Von Stroheim empezaría con la película Esposas Frívolas (1922), dando inicio a los roces de una tensa relación.

Avaricia es la película más representativa del director austro-húngaro. Adaptada de la novela McTeague de Frank Norris, Von Stroheim se trazó el objetivo de no dejar escapar un detalle y así lo hizo. Con una duración de alrededor de 10 horas y un costo de 500 mil dólares, Avaricia se transformaría en un proyecto totalmente ambicioso y desmedido, lo que provocaría la furia de Thalberg. El productor estaba dispuesto a demostrar su valor y negó cualquier ofrecimiento de Von Stroheim. Más aún, ordenó reducir la película. Junto a su amigo director Rex Ingram y al editor Grant Whytock, un enojado Von Stroheim redujo la película a cuatro horas. Aún no complacidos por los resultados, las cabezas de Metro Goldwyn Mayer le quitaron total poder al director sobre la obra, reduciéndola aún más a dos horas y veinte minutos. Una desastrosa versión de Avaricia fue presentada al público y culminó en total fracaso, siendo archivada y guardada por mucho tiempo. Los recortes del filme fueron quemados y la película prácticamente olvidada.

Durante toda su vida, Eric von Stroheim aseguraría que su obra maestra se le fue arrebatada y que esa sería su mayor decepción. Avaricia es una película de alta calidad en donde el tema explora a profundidad las raíces humanas y su condición subordinada frente al dinero. La capacidad del director para recrear inmensa epopeya es inconmensurable y se puede apreciar gracias a las fotografías encontradas y a una futura reconstrucción con todo el material disponible, logrando así un trabajo de más de cuatro horas. Von Stroheim, al igual que sus más populares dramas, muestra su poderío como un hacedor del séptimo arte. Los notables contrastes ideológicos a partir de los personajes y a la profundidad imprimida en ellos es uno de sus más notables rasgos. Detallista hasta el final, no hay cabo suelto en sus trabajos, y sí Avaricia con todos sus problemas ha logrado surgir del olvido se debe justamente al temple y dedicación de su director. Von Stroheim no vería nunca el renacimiento de su obra, pero sí tendría un reconocimiento en vida en Europa donde su trayectoria fue conocida y admirada.

Datos.

Título Original: Greed
Dirección: Erich von Stroheim
Año: 1924
País: Estados Unidos
Intérpretes: Gibson Gowland, Zasu Pitts, Jean Hersholt, Dale Fuller, Tempe Pigott, Jack Curtis, Silvia Ashton, Chester Conklin, Joan Standing
Duración: 239 min.