EL INVENCIBLE

Intro.

Eres invencible cuando puedes desaparecer y cumplir todos tus sueños. Eres invencible cuando puedes escuchar la voz de tus padres y sabes en que dirección tu futuro se dirige. Eres invencible y aún así no puedes distinguir acciones que caen en tus manos. Podemos intervenir y cambiar el rumbo de todo aquello alrededor tuyo y podemos cambiar todas las palabras para hablar en tantos idiomas… pero recuerda, eres invencible.

Cuerpo.

No solamente el más grande director de India pero uno de los más reconocidos realizadores de todos los tiempos, Satyajit Ray fue un ícono para el cine, al mismo tiempo que demostró sus aptitudes como ilustrador, escritor, compositor, diseñador, entre otros. Gracias a su encuentro con Renoir e influenciado por El Ladrón de Bicicletas de Vittorio de Sica, Ray lograría plasmar en el cine su sensibilidad y armonía, logrando en su primera película la fama total. La Canción del Camino se convertiría en una de las películas más logradas de la historia del cine y no solamente cambió la óptica del cine hindú sino que contribuyó al movimiento paralelo del cine en India, que contrastaba con las grandes superproducciones de dicho país. Este cine introducido por Ray estaba influenciado por el neorrealismo italiano y sería predecesor de la nueva ola del cine hindú de los años sesenta.

La Canción del Camino no solo abrió las puertas a Ray sino también creo un valor simbólico de la historia de su personaje, un niño llamado Apu. Un año después de realizada la película, Ray presentó El Invencible, la segunda parte de lo que se conocería como La Trilogía de Apu. Al igual que la primera parte, Ray se basa en las novelas homónimas de Bibhutibhushan Bannerjee, pero esta vez utiliza la última parte de la primera novela y el comienzo de la segunda. A diferencia de la primera entrega, Ray expone más su ardor cinematográfico al sugerir cambios y apartarse un poco de la novela, algo que había hecho fielmente en la primera entrega. Esto llevaría a ciertas críticas dentro de su país, pero internacionalmente la película volvería a ser un triunfo aplastante en público y crítica, logrando numerosos galardones e imponiendo aún más la leyenda de Ray con tan solo dos películas en su haber.

El Invencible nos lleva a la juventud de Apu y su alejamiento de su hogar para ir a estudiar a Calcuta. Debido a cuestiones de producción, fue difícil encontrar la actriz perfecta para la compañera de Apu ya que al proponer a una actriz ideal no pudo ser utilizada porque el novio de la actriz no le permitió ser parte de la película, llevando a Ray a que tuviera que eliminar el personaje y concentrar en otras influencias las decisiones del personaje principal. Así mismo, la relación de Apu con su madre es bastante dura, demostrando una diferenciación de pensamientos y generaciones no muy visto en India en donde la familia es una unidad, pero ello sí fue muy aclamado en exteriores debido a esa demostración de como el cambio generacional es importante en muchas culturas demostrando así el contraste en estas y la necesidad de adaptarse a los tiempos modernos. La película sería tan importante y popular como la primera y Ray solo consentiría a hacer una entrega más de Apu después que El Invencible ganara el León de Oro en el Festival de Venecia.

El Invencible es una vez más la poética de Ray desplegada estilísticamente por su camarógrafo Subrata Mitra. A la edad de 21 años, Mitra había ayudado a Ray en la filmación de la primera entrega de Apu, sin previa experiencia. Para esta segunda película, Mitra lograría crear una técnica pionera en el uso de la luz: la iluminación de rebote. Esta técnica la utilizó debido a los problemas con el clima debiendo grabar en interiores pero necesitando la luz del día. A partir de ello decidió crear una especie de techo diseñado para reflejar la luz de los reflectores y crear el efecto de luz natural. Las películas serían creadas un año después de otro, algo que no ocurriría con la tercera entrega, El Mundo de Apu, que vería la luz en 1959 y también se convertiría en un hito ganando numerosos premios y prestigio, haciendo de esta una de las trilogías más importantes en el mundo del cine.

Datos.

Título Original: Aparajito

Dirección: Satyajit Ray

Año: 1956

País: India

Intérpretes: Pinaki Sen Gupta, Smnaran Ghosal, Kanu Banerjee, Ramani Ranjan Sen, Charu Prakash Ghosh, Subodh Ganguly

Duración: 113 min.

LA COMISARIA

Intro.

Muchas veces nos dicen que no pertenecemos. Nos dicen que nuestro hogar es ficticio, que no importa donde intentemos crear raíces, no perdurara. Y no podemos más que pensar que están equivocados. Porque debemos poder tener raíces, debemos poder crecer en cualquier tierra, debemos poder ser y existir sin ninguna restricción. Ello es libertad y mientras la entendamos podemos crecer en cualquier lugar del mundo.

Cuerpo.

La Comisaria de Alexander Askoldov es una tragedia en todo el sentido de la palabra. El director soviético había surgido paulatinamente a través de estudios realizados desde joven, en donde fue aprendiendo la técnica y tuvo un rol como actor. Todo el proceso lo llevaría a la realización de La Comisaria en 1967, su primera y última película como director. El filme sería tomado como un proyecto anticomunista, que buscaba quebrantar el espíritu del régimen, siendo prohibida durante 20 años. Askoldov fue despedido de su puesto, no permitiéndole volver a dirigir nunca más. Fue también echado del partido comunista y exiliado de Moscú. Los actores del filme tuvieron que interceder por él para que su destino no fuera aún peor.

La Comisaria cuenta con dos actores principales muy importantes: Nonna Mordyukova y Rolan Bykov. Mordyukova era una favorita del pueblo. Sus dotes actorales le permitieron trabajar junto a los directores y actores soviéticos más renombrados de su época. Sus interpretaciones, sobre todo de personajes campesinos y del pueblo lograron cautivar al público soviético, viendo en ella a una actriz nata y cuyo porte no era superficial como el de las típicas divas del séptimo arte. Nonna, llamada cariñosamente pues su nombre real era Noyabrina, tuvo la oportunidad de ser dirigida por Gerassimov, Pudovkin (en su última película), Chukhrai, Konchalovsky, Mikhalkov, entre otros. Su papel más memorable y el cual más amo sería el de Klavdia Vavilova en La Comisaria. Este rol terminaría en un conflicto de amor y odio con Askoldov, debido a su admiración ante la sensibilidad del director pero su poca entrega para defender su filme y sus ideales, que se vería perdido por oposición del régimen.

Por su parte, Rolan Bykov fue un multifacético artista, desde actor, escritor, poeta y compositor, siendo también un favorito del pueblo por sus interpretaciones de personas sencillas pero con un talento descoyante. Ganaría múltiples reconocimientos dentro de la Unión Soviética como Artista Honrado de Rusia y Artista de la Gente en Rusia, entre tantos otros. Bykov también intercedió por Askoldov en su momento más álgido y debido a su influencia, al igual que la de Mordyukova, pudieron apoyar de alguna forma al director soviético, pero la película, al igual que muchas que el gobierno confiscó, fue simplemente archivada por dos décadas. A Askoldov se le dijo que toda copia había sido quemada.

La Comisaria nos plantea una situación inusual. Tomada de un cuento de Vasily Grossman, Askoldov recrea una película antibélica que construye las relaciones entre dos pueblos diferentes: uno sumido ante ciertas decisiones y otro que combate sus decisiones con otro frente. Las relaciones son notorias hasta que debido a ciertas circunstancias estos dos tipos de personas se involucran y los roles se confunden y se trastoca el tema de imágenes paralelas, aunque esto es más una ilusión que una realidad. Si bien Askoldov no busca crear temas concretos, hay líneas de pensamiento subyacente que intentan demostrar lo absurdo de la guerra, la necesidad de subyugar a una raza y el porqué un pensamiento político radical es simplemente ineficaz. Askoldov tiene una sensibilidad medida para las escenas, apoyándose en Mordyukova (a la cual había elegido antes de contratarla) y edificando su legado, una película que en su estreno ganaría el Oso de Plata en el Festival de Berlín de 1988, entre otros galardones.

Datos.

Título Original: Komissar

Dirección: Alexander Askoldov

Año: 1967

País: Unión Soviética

Intérpretes: Nonna Mordyukova, Rolan Bykov, Lyudmila Volynskaya, Vasily Shukshin, Raisa Nedashkovskaya, Lyubov Kats, Pavel Lebin, Dmitri Kleyman, Marta Bratkova

Duración: 110 min.

LA RUEDA

Intro.

Mientras todo el progreso se mueve, la modernidad nos sigue haciendo daño. Mientras meditamos en la quietud de nuestros hogares, las ruedas de evolución se siguen moviendo y mientras aplastan a todo aquello que es sinónimo de paz y silencio, seguimos meditando sabiendo que el tiempo se nos acaba…

Cuerpo.

Napoleón de Abel Gance es un hito en la historia. Su capacidad de experimentación y sofisticación es algo único e irrepetible. Gance demostró ser un maestro en el cine mudo, lo cual terminaría afectando su desempeño en el cine hablado. Pero Napoleón no es el único de los triunfos del maestro francés. El director es recordado también por dos películas previas a Napoleón y que ya dejaban ver su gran talento para películas épicas: Yo Acuso (1919) y La Rueda (1923). Estas tres producciones son Gance en su punto culminante, desplegando con arrojo y determinación técnicas que influenciarían decididamente a la mayoría de futuras obras importantes y sería, junto a D. W. Griffith, uno de los directores más originales de su época.

Como sucediera posteriormente con Napoleón, La Rueda fue una producción de grandes proporciones, lo que equivalía en Gance a crear un filme de extensa duración. La Rueda en su versión original tenía una extensión de casi nueva horas, las cuales tuvieron que ser reducidas para poder estrenarse. La producción en sí sería un viaje emocional para Gance, quien se recuperaba de gripe en esos momentos y que una compañera, Ida Danis, estaba muriendo por tuberculosis, algo que ocurriría con su amigo y el actor principal de La Rueda, Séverin-Mars, cuando terminaron de hacer el filme. En su juventud, Abel Gance había sido diagnosticado con tuberculosis, enfermedad mortal en su tiempo, pero milagrosamente pudo recuperarse y esto era una carga emocional aún mayor para el director de 34 años.

La Rueda fue la siguiente producción a tomar por Gance después de la antibélica producción de Yo Acuso, creada en 1919. Yo Acuso fue una película que comenzó a fomentar la leyenda del genio galo, quien había iniciado técnicas que aún de manera rudimentaria impactaban en la pantalla. Ello le abriría una perspectiva interesante para su siguiente proyecto. Yo Acuso le había tomado un año para filmar. Finalizada en 1923, La Rueda fue un paso más dentro de las técnicas de iluminación, edición y desenfoques por parte de Gance. La primera escena del filme en donde se muestra la volcadura de un tren es un ejemplo del dominio del director por las tomas rápidas y la búsqueda de acción, algo que terminaría cristalizando a la perfección en Napoleón. Parte del dominio de Gance en estas producciones se debe también a su habilidad como escritor, ya que él era también guionista de estas obras, manteniendo así un control total en cuanto al desarrollo de la obra.

Su infortunio provenía de la longitud de dichas obras. Gance no escatimaba en filmar todo aquello que consideraba necesario, lo cual lo dejaba con horas y horas de filmación que debían ser editadas y reducidas sustancialmente para su proyección. Ese trabajo, con sus tres obras maestras, fue algo que perduró durante toda la vida del polifacético director, ya que los continuos cambios simplemente lo dejaban con pérdidas de material o cortes por parte de productores internacionales. En sus tres películas principales, una versión definitiva es inexistente, pero la mayoría del material ha sido reunido y restaurado bajo la idea original del maestro francés.

La Rueda es un nostálgico drama sobre las relaciones de familia y como el tiempo afecta nuestros pareceres. Séverin-Mars, en su última gran actuación, representa un tiempo antiguo en el cual  basándose en el sacrificio logra forjar una familia disfuncional y que debido a su carácter la conduce torpe pero honradamente. Hay muchos aspectos psicológicos en los personajes que resaltan la idea de amor exacerbado, que proponen un idealismo falso, confundido por el mismo aislamiento del hombre. El objeto de deseo representado por Ivy Close es el típico arquetipo de doncella femenina de la etapa muda: inocente, dependiente e incapaz de entender la realidad en la que se sumen los hombres. Gance logra embellecer esta historia con aspectos técnicos de notoriedad y por los cuales se convertiría en un director exquisito y referente. La Rueda se convertiría en un triunfo más del director francés y lo embarcaría en su monumental versión de Napoleón.

Datos.

Título Original: La Roue

Dirección: Abel Gance

Año: 1923

País: Francia

Intérpretes: Séverin-Mars, Ivy Close, Gabriel de Gravone, Pierre Magnier, Max Maxudian, Georges Térof, Gil Clary

Duración: 273 min.

LOS OLVIDADOS

Intro.

Todos los nombres están borrados. Sus rostros los puedes recordar, pero de alguna manera escapan de tu memoria. Eran niños y seguirán siendo niños cada vez que no puedas observar la violencia en las calles, cada vez que no descubras la máscara en tu rostro y no trates de removerla.

Cuerpo.

Buñuel siempre tendría muchos problemas de censura en su carrera, debido a la temática y a ciertos extremos que se permitía en sus producciones. La búsqueda de originalidad y arte en sus producciones lo aislaron de Francia por L’Age d’Or (1930), una película que “atacaba” a la religión y las buenas costumbres, y que sería prohibida por más de cuarenta años. Después, Las Hurdes: Tierra sin pan (1933) sería duramente criticada y prohibida en España por las muestras de pobreza, siendo considerada antirevolucionaria. Todos estos problemas y la falta de adaptación a los modelos hollywoodenses hicieron que Buñuel terminara en México, en donde permanecería el resto de su vida.

México se encontraba en la llamada era dorada del cine, en donde la industria era una de las más rentables del país, contando con estrellas de todo calibre y se abría paso al cine internacional. Buñuel estaba en contactos con el productor ruso Óscar Dancigers para hacer su primera película en México. El resultado sería Gran Casino (1947) y a pesar de contar con las estrellas de Libertad Lamarque y Jorge Negrete sería un fracaso de taquilla. El siguiente proyecto fue El Gran Calavera de 1949 y sería exitosa, probando mayor credibilidad al director español y dándole la ventaja de escoger su siguiente proyecto con cierta libertad. El resultado sería la polémica Los Olvidados.

Dancigers estaba buscando crear una película sobre la pobreza en México pero de una perspectiva seria y critica. Buñuel accedió a ello, a pesar de tener otras ideas en mente, y junto a Jesús Camacho idearon un guion para un drama realista, pero que también contenía mucho de las temáticas de Buñuel, sobre todo el surrealismo. Como era usual en el director del español, las convenciones de como crear un drama no se ajustaban a las usuales y esto también formaría parte de controversia. La película no sería muy bien tomada desde un inicio. Varias personas conectadas con el filme tuvieron que ser separadas o renunciaron debido a que entendieron que Buñuel mostraba un México pobre y ruin, y ello no proyectaba los valores o la mejor faceta del país. Al momento de su estreno, muchos detestaron lo que vieron en pantalla e incluso hubo intentos de agresión en contra de Buñuel. Este continuo malestar provocó que Dancigers sacara la película de circulación tras tres días de exhibición.

Uno de los más grandes admiradores de Los Olvidados sería el escritor Octavio Paz y sería gracias a él que la película obtendría mayor exposición, logrando que fuera admitida como selección de México para el Festival de Cannes en 1951. Su incesante labor logró que muchos surrealistas y artistas europeos vuelvan su mirada hacia el proyecto de Buñuel, convirtiéndolo en una celebridad y restaurando su calidad y confianza en México. Buñuel sería galardonado como mejor director en Cannes y con el Premio Internacional de los Críticos del Fipresci. La película sería un ejemplo de la desolación y la crueldad provocada por la pobreza, siendo en el 2003 una de las películas, junto a Metropolis, en ser elegida como parte del Programa Memoria del Mundo de la Unesco al ser considerada patrimonio histórico mundial.

Los Olvidados nos centra en la realidad de niños en las calles siendo parte de la miseria. Debido a la falta de roles paternos ideales y de la arraigada pobreza que afecta a las familias de cada uno, si es que cuentan con una, estos seres humanos simplemente responden a sus instintos primarios y a convertirse en parte de una jungla que entiende que el más fuerte o el más astuto debe sobrevivir a costas de los demás. Esta ejemplificación nos muestra grupos definidos pero nada funcionales en cuanto a soluciones se trata: están aquellos que quieren ayudar pero que no son suficientes, aquellos que tratan de cambiar pero el medio no se los permite y aquellos cuyos actos erróneos no pueden ser enmendados y peor aún, se multiplican cada vez más. Si bien parecemos estar ante un filme sin esperanza, nos encontramos sobre todo ante un filme de reflexión. El ser humano es víctima porque su sociedad es víctima al no buscar la solución totalitaria. Ante esta incomprensión por desarrollarse como conjunto muestra carencias individuales cuyas desigualdades existen debido a una realidad inamovible: el ser humano en muchas de sus variantes no se permite coexistir con su par. Ese es exactamente el dilema. Ernesto Alonso sería parte de la película con una voz en off que nos remite a un final devastador, algo que trataron de corregir con un “final feliz”, pero que se mantendría más como anécdota que como parte del resultado final. Buñuel se mantendría en México explotando sus temáticas y paulatinamente el mercado internacional también formaría parte de sus futuros logros.

Datos.

Título Original: Los Olvidados

Dirección: Luis Buñuel

Año: 1950

País: México

Intérpretes: Stella Inda, Miguel Inclán, Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina, Jesús Navarro, Efraín Arauz, Jorge Pérez, Javier Amézcua, Mário Rámirez

Duración: 80 min.