BAJO LA MÁSCARA DEL PLACER

Intro.

Mientras estemos silentes no necesitamos máscaras. Nuestros actos hablan por nosotros y cada uno tiene un nombre propio. Somos lujuria. Somos decadencia. Somos codicia. Somos placer. Y entre tantos grandes defectos no podemos más que engañarnos y llamarnos virtudes, como si estuviéramos empezando una sencilla y humilde historia.

Cuerpo.

El gran director Georg Wilhelm Pabst no era solamente uno de los grandes renovadores del cine alemán durante su etapa muda sino fue también un gran director de grandes actrices y “descubridor” en cierto aspecto de estas divas, dándoles algunos de los roles más importantes y destacados de su carrera. Mundialmente conocido por su trabajo con Louise Brooks, convirtiéndola en un ícono para futuras generaciones, Pabst también se destacó por sus filmes a comienzos de los años treinta haciendo buen uso del cine sonoro y creando destacadas entregas en filmes bélicos, musicales y dramas. Dentro de su etapa con actrices reconocidas, Pabst tendría el honor de darle un papel principal a una de las futuras estrellas del séptimo arte: Greta Garbo.

Greta Garbo había conseguido su primer papel protagónico un año antes con La Saga de Gosta Berling de la mano de Mauritz Stiller, lo cual comenzaría a crear un interés denotado en la actriz sueca. Pabst culminaría la labor de Garbo en Alemania con Bajo la Máscara del Placer por la cual sería aún más aclamada y lo que la llevaría meses después a Estados Unidos forjando la leyenda que conocemos ahora. Una de las estrellas más enigmáticas, uno de los rostros más bellos en pantalla, Garbo capturaría el imaginario popular de la dama inalcanzable, del ser indomable y de la inmortal Garbo en pantalla. Tanto como su triunfo sería su ruina al no encontrar una diasociación de este ser que había creado y su persona. Garbo sería una estrella latente durante dos décadas y después como uno de los grandes misterios de Hollywood desaparecería en la oscuridad.

Bajo la Máscara del Placer también presentaría una de las divas más grandes de los años diez: Asta Nielsen. Llamada simplemente Die Asta (La Asta) por su increíble popularidad, el magnetismo y sexualidad de esta actriz danesa la coronaría como la primera estrella internacional del cine, haciendo de ella una de los rostros más reconocidos de Europa durante su época. Su llamativa sexualidad en pantalla fue la causa por la cual Nielsen no fue conocida en Estados Unidos, siendo sus películas censuradas y no teniendo cabida en Hollywood. Aún así, Nielsen a medida de los años fue descartando el cine e inclinándose más por el teatro, a pesar de poseer una voz gruesa y sensual para la llegada del cine hablado, pero consciente también del paso de los años prefirió alejarse de la pantalla grande. La incursión nazi también tendría efecto en ella. Habiendo desarrollado su carrera de actriz mayoritariamente en Alemania tuvo que volver a su país, evitando asociaciones políticas, incluso ante la exigencia de Hitler por verla de vuelta haciendo filmes de propaganda. Nielsen era considerada una actriz natural en pantalla, influenciando decididamente los futuros prototipos de actrices durante los siguientes años.

Bajo la Máscara del Placer nos encuentra con dos momentos: el comienzo de una leyenda y el ocaso de otra. Greta Garbo a punto de comenzar su odisea en Estados Unidos y Asta Nielsen en uno de sus últimos roles importantes en el cine. A ellas se les une el gran Werner Krauss, actor alemán de gran trascendencia en el cine mudo pero cuya asociación con el partido nazi terminaría su carrera. Todo ello envuelto en el talento de Pabst, quien también era relativamente nuevo en la dirección pero un gran talento y una gran capacidad para dirigir actrices, propuso un drama humano en donde la condición humana se ve en sus más bajos estratos y en donde la tragedia parece la simple concatenación de seres humanos incapaces de ayudarse unos a otros. Aún así, siempre en sus entregas, de formas a veces extrañas, una perspectiva de esperanza es parte también del proceso, para entender también que el sacrificio humano desprendido es también parte del proceso de vida y que es posible cambiar siempre que se encuentre un propósito.

Datos.

Título Original: Die Freudlose Gasse

Dirección: G. W. Pabst

Año: 1925

País: Alemania

Intérpretes: Asta Nielsen, Greta Garbo, Agnes Esterhazy, Werner Krauss, Henry Stuart, Einar Hanson, Gregori Chmara, Karl Etlinger, Ilka Grüning, Jaro Fürth
Duración: 142 min.

EL INVENCIBLE

Intro.

Eres invencible cuando puedes desaparecer y cumplir todos tus sueños. Eres invencible cuando puedes escuchar la voz de tus padres y sabes en que dirección tu futuro se dirige. Eres invencible y aún así no puedes distinguir acciones que caen en tus manos. Podemos intervenir y cambiar el rumbo de todo aquello alrededor tuyo y podemos cambiar todas las palabras para hablar en tantos idiomas… pero recuerda, eres invencible.

Cuerpo.

No solamente el más grande director de India pero uno de los más reconocidos realizadores de todos los tiempos, Satyajit Ray fue un ícono para el cine, al mismo tiempo que demostró sus aptitudes como ilustrador, escritor, compositor, diseñador, entre otros. Gracias a su encuentro con Renoir e influenciado por El Ladrón de Bicicletas de Vittorio de Sica, Ray lograría plasmar en el cine su sensibilidad y armonía, logrando en su primera película la fama total. La Canción del Camino se convertiría en una de las películas más logradas de la historia del cine y no solamente cambió la óptica del cine hindú sino que contribuyó al movimiento paralelo del cine en India, que contrastaba con las grandes superproducciones de dicho país. Este cine introducido por Ray estaba influenciado por el neorrealismo italiano y sería predecesor de la nueva ola del cine hindú de los años sesenta.

La Canción del Camino no solo abrió las puertas a Ray sino también creo un valor simbólico de la historia de su personaje, un niño llamado Apu. Un año después de realizada la película, Ray presentó El Invencible, la segunda parte de lo que se conocería como La Trilogía de Apu. Al igual que la primera parte, Ray se basa en las novelas homónimas de Bibhutibhushan Bannerjee, pero esta vez utiliza la última parte de la primera novela y el comienzo de la segunda. A diferencia de la primera entrega, Ray expone más su ardor cinematográfico al sugerir cambios y apartarse un poco de la novela, algo que había hecho fielmente en la primera entrega. Esto llevaría a ciertas críticas dentro de su país, pero internacionalmente la película volvería a ser un triunfo aplastante en público y crítica, logrando numerosos galardones e imponiendo aún más la leyenda de Ray con tan solo dos películas en su haber.

El Invencible nos lleva a la juventud de Apu y su alejamiento de su hogar para ir a estudiar a Calcuta. Debido a cuestiones de producción, fue difícil encontrar la actriz perfecta para la compañera de Apu ya que al proponer a una actriz ideal no pudo ser utilizada porque el novio de la actriz no le permitió ser parte de la película, llevando a Ray a que tuviera que eliminar el personaje y concentrar en otras influencias las decisiones del personaje principal. Así mismo, la relación de Apu con su madre es bastante dura, demostrando una diferenciación de pensamientos y generaciones no muy visto en India en donde la familia es una unidad, pero ello sí fue muy aclamado en exteriores debido a esa demostración de como el cambio generacional es importante en muchas culturas demostrando así el contraste en estas y la necesidad de adaptarse a los tiempos modernos. La película sería tan importante y popular como la primera y Ray solo consentiría a hacer una entrega más de Apu después que El Invencible ganara el León de Oro en el Festival de Venecia.

El Invencible es una vez más la poética de Ray desplegada estilísticamente por su camarógrafo Subrata Mitra. A la edad de 21 años, Mitra había ayudado a Ray en la filmación de la primera entrega de Apu, sin previa experiencia. Para esta segunda película, Mitra lograría crear una técnica pionera en el uso de la luz: la iluminación de rebote. Esta técnica la utilizó debido a los problemas con el clima debiendo grabar en interiores pero necesitando la luz del día. A partir de ello decidió crear una especie de techo diseñado para reflejar la luz de los reflectores y crear el efecto de luz natural. Las películas serían creadas un año después de otro, algo que no ocurriría con la tercera entrega, El Mundo de Apu, que vería la luz en 1959 y también se convertiría en un hito ganando numerosos premios y prestigio, haciendo de esta una de las trilogías más importantes en el mundo del cine.

Datos.

Título Original: Aparajito

Dirección: Satyajit Ray

Año: 1956

País: India

Intérpretes: Pinaki Sen Gupta, Smnaran Ghosal, Kanu Banerjee, Ramani Ranjan Sen, Charu Prakash Ghosh, Subodh Ganguly

Duración: 113 min.

LA COMISARIA

Intro.

Muchas veces nos dicen que no pertenecemos. Nos dicen que nuestro hogar es ficticio, que no importa donde intentemos crear raíces, no perdurara. Y no podemos más que pensar que están equivocados. Porque debemos poder tener raíces, debemos poder crecer en cualquier tierra, debemos poder ser y existir sin ninguna restricción. Ello es libertad y mientras la entendamos podemos crecer en cualquier lugar del mundo.

Cuerpo.

La Comisaria de Alexander Askoldov es una tragedia en todo el sentido de la palabra. El director soviético había surgido paulatinamente a través de estudios realizados desde joven, en donde fue aprendiendo la técnica y tuvo un rol como actor. Todo el proceso lo llevaría a la realización de La Comisaria en 1967, su primera y última película como director. El filme sería tomado como un proyecto anticomunista, que buscaba quebrantar el espíritu del régimen, siendo prohibida durante 20 años. Askoldov fue despedido de su puesto, no permitiéndole volver a dirigir nunca más. Fue también echado del partido comunista y exiliado de Moscú. Los actores del filme tuvieron que interceder por él para que su destino no fuera aún peor.

La Comisaria cuenta con dos actores principales muy importantes: Nonna Mordyukova y Rolan Bykov. Mordyukova era una favorita del pueblo. Sus dotes actorales le permitieron trabajar junto a los directores y actores soviéticos más renombrados de su época. Sus interpretaciones, sobre todo de personajes campesinos y del pueblo lograron cautivar al público soviético, viendo en ella a una actriz nata y cuyo porte no era superficial como el de las típicas divas del séptimo arte. Nonna, llamada cariñosamente pues su nombre real era Noyabrina, tuvo la oportunidad de ser dirigida por Gerassimov, Pudovkin (en su última película), Chukhrai, Konchalovsky, Mikhalkov, entre otros. Su papel más memorable y el cual más amo sería el de Klavdia Vavilova en La Comisaria. Este rol terminaría en un conflicto de amor y odio con Askoldov, debido a su admiración ante la sensibilidad del director pero su poca entrega para defender su filme y sus ideales, que se vería perdido por oposición del régimen.

Por su parte, Rolan Bykov fue un multifacético artista, desde actor, escritor, poeta y compositor, siendo también un favorito del pueblo por sus interpretaciones de personas sencillas pero con un talento descoyante. Ganaría múltiples reconocimientos dentro de la Unión Soviética como Artista Honrado de Rusia y Artista de la Gente en Rusia, entre tantos otros. Bykov también intercedió por Askoldov en su momento más álgido y debido a su influencia, al igual que la de Mordyukova, pudieron apoyar de alguna forma al director soviético, pero la película, al igual que muchas que el gobierno confiscó, fue simplemente archivada por dos décadas. A Askoldov se le dijo que toda copia había sido quemada.

La Comisaria nos plantea una situación inusual. Tomada de un cuento de Vasily Grossman, Askoldov recrea una película antibélica que construye las relaciones entre dos pueblos diferentes: uno sumido ante ciertas decisiones y otro que combate sus decisiones con otro frente. Las relaciones son notorias hasta que debido a ciertas circunstancias estos dos tipos de personas se involucran y los roles se confunden y se trastoca el tema de imágenes paralelas, aunque esto es más una ilusión que una realidad. Si bien Askoldov no busca crear temas concretos, hay líneas de pensamiento subyacente que intentan demostrar lo absurdo de la guerra, la necesidad de subyugar a una raza y el porqué un pensamiento político radical es simplemente ineficaz. Askoldov tiene una sensibilidad medida para las escenas, apoyándose en Mordyukova (a la cual había elegido antes de contratarla) y edificando su legado, una película que en su estreno ganaría el Oso de Plata en el Festival de Berlín de 1988, entre otros galardones.

Datos.

Título Original: Komissar

Dirección: Alexander Askoldov

Año: 1967

País: Unión Soviética

Intérpretes: Nonna Mordyukova, Rolan Bykov, Lyudmila Volynskaya, Vasily Shukshin, Raisa Nedashkovskaya, Lyubov Kats, Pavel Lebin, Dmitri Kleyman, Marta Bratkova

Duración: 110 min.

LA RUEDA

Intro.

Mientras todo el progreso se mueve, la modernidad nos sigue haciendo daño. Mientras meditamos en la quietud de nuestros hogares, las ruedas de evolución se siguen moviendo y mientras aplastan a todo aquello que es sinónimo de paz y silencio, seguimos meditando sabiendo que el tiempo se nos acaba…

Cuerpo.

Napoleón de Abel Gance es un hito en la historia. Su capacidad de experimentación y sofisticación es algo único e irrepetible. Gance demostró ser un maestro en el cine mudo, lo cual terminaría afectando su desempeño en el cine hablado. Pero Napoleón no es el único de los triunfos del maestro francés. El director es recordado también por dos películas previas a Napoleón y que ya dejaban ver su gran talento para películas épicas: Yo Acuso (1919) y La Rueda (1923). Estas tres producciones son Gance en su punto culminante, desplegando con arrojo y determinación técnicas que influenciarían decididamente a la mayoría de futuras obras importantes y sería, junto a D. W. Griffith, uno de los directores más originales de su época.

Como sucediera posteriormente con Napoleón, La Rueda fue una producción de grandes proporciones, lo que equivalía en Gance a crear un filme de extensa duración. La Rueda en su versión original tenía una extensión de casi nueva horas, las cuales tuvieron que ser reducidas para poder estrenarse. La producción en sí sería un viaje emocional para Gance, quien se recuperaba de gripe en esos momentos y que una compañera, Ida Danis, estaba muriendo por tuberculosis, algo que ocurriría con su amigo y el actor principal de La Rueda, Séverin-Mars, cuando terminaron de hacer el filme. En su juventud, Abel Gance había sido diagnosticado con tuberculosis, enfermedad mortal en su tiempo, pero milagrosamente pudo recuperarse y esto era una carga emocional aún mayor para el director de 34 años.

La Rueda fue la siguiente producción a tomar por Gance después de la antibélica producción de Yo Acuso, creada en 1919. Yo Acuso fue una película que comenzó a fomentar la leyenda del genio galo, quien había iniciado técnicas que aún de manera rudimentaria impactaban en la pantalla. Ello le abriría una perspectiva interesante para su siguiente proyecto. Yo Acuso le había tomado un año para filmar. Finalizada en 1923, La Rueda fue un paso más dentro de las técnicas de iluminación, edición y desenfoques por parte de Gance. La primera escena del filme en donde se muestra la volcadura de un tren es un ejemplo del dominio del director por las tomas rápidas y la búsqueda de acción, algo que terminaría cristalizando a la perfección en Napoleón. Parte del dominio de Gance en estas producciones se debe también a su habilidad como escritor, ya que él era también guionista de estas obras, manteniendo así un control total en cuanto al desarrollo de la obra.

Su infortunio provenía de la longitud de dichas obras. Gance no escatimaba en filmar todo aquello que consideraba necesario, lo cual lo dejaba con horas y horas de filmación que debían ser editadas y reducidas sustancialmente para su proyección. Ese trabajo, con sus tres obras maestras, fue algo que perduró durante toda la vida del polifacético director, ya que los continuos cambios simplemente lo dejaban con pérdidas de material o cortes por parte de productores internacionales. En sus tres películas principales, una versión definitiva es inexistente, pero la mayoría del material ha sido reunido y restaurado bajo la idea original del maestro francés.

La Rueda es un nostálgico drama sobre las relaciones de familia y como el tiempo afecta nuestros pareceres. Séverin-Mars, en su última gran actuación, representa un tiempo antiguo en el cual  basándose en el sacrificio logra forjar una familia disfuncional y que debido a su carácter la conduce torpe pero honradamente. Hay muchos aspectos psicológicos en los personajes que resaltan la idea de amor exacerbado, que proponen un idealismo falso, confundido por el mismo aislamiento del hombre. El objeto de deseo representado por Ivy Close es el típico arquetipo de doncella femenina de la etapa muda: inocente, dependiente e incapaz de entender la realidad en la que se sumen los hombres. Gance logra embellecer esta historia con aspectos técnicos de notoriedad y por los cuales se convertiría en un director exquisito y referente. La Rueda se convertiría en un triunfo más del director francés y lo embarcaría en su monumental versión de Napoleón.

Datos.

Título Original: La Roue

Dirección: Abel Gance

Año: 1923

País: Francia

Intérpretes: Séverin-Mars, Ivy Close, Gabriel de Gravone, Pierre Magnier, Max Maxudian, Georges Térof, Gil Clary

Duración: 273 min.