OJOS SIN ROSTRO

Intro.

Un espejo es un cuerpo vacío cuando el reflejo no es tu reflejo. Un rostro no es un rostro cuando en cualquier momento puedes observar a alguien más ocupando tu sonrisa y tus lágrimas. Hoy puedo observar que no tienes ninguna expresión en tu rostro, que no sabes y que no entiendes que es la caricia del viento o las patas de una mosca sobre tu faz.

Cuerpo.

Una inusual entrada en el cine francés de los 60, Ojos sin Rostro representa uno de los primeros intentos del cine francés en el género de terror. Con la popularidad tanto en Estados Unidos como el Reino Unido y otros países europeos, el productor Jules Borkon decidió escoger a Georges Franju para dirigir esta película. Franju fue en sus comienzos un realizador de documentales, y uno muy crítico al respecto, tocando temas bastantes difíciles y de una perspectiva totalmente chocante, como es su célebre documental sobre un matadero en Francia titulada La Sangre de las Bestias (1948).

Ojos sin Rostro presentó un problema desde un comienzo. Ante la óptica de penetrar en el género del horror debían tratar con la censura, no solamente de su país sino de los principales países en donde podía recaer esta obra. Eso significa evitar el uso excesivo de sangre, el abuso de animales (donde Franju ya había tenido problemas) o la demencia de personajes. Para ello se contrato a dos escritores, Pierre Boileau y Thomas Narcejac, quienes adaptarían la novela de Jean Redon. Boleau y Narcejac eran conocidos en el ambiente del cine por sus adaptaciones de Las Diabólicas (1955) de Henri-Georges Clouzot y Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock.

La película tuvo numerosas críticas negativas por ser demasiado nauseabunda y porque la naturaleza de todo el proyecto no está totalmente basada en las películas de terror de simples tendencias, sino en una suerte de profundidad poética y de constantes referencias psicológicas de sus personajes. La trama es una fuente de los profundos rasgos anormales de los personajes, remitiendo una vez más a los controversiales documentales del director. Entender la situación en que se encuentran y del porqué de sus actos parece indicar personas normales movidas por las circunstancias. Junto a ello, el juego en contra de la censura provocó respuestas agradables en el sentido que ciertas escenas fueran tratadas con una simpleza inusual y en otras circunstancias cierto exceso era utilizado, como dos elementos distantes desentendiendo una armonía. A pesar de las críticas iniciales, la película se ha vuelto una joya de su género y es señalado como gran influencia para diferentes directores, entre ellos, John Carpenter quien dice que la idea del rostro de Michael Myers en Halloween proviene de la película de Franju.

Datos.

Título Original: Les Yeux sans Visage

Dirección: Georges Franju

Año: 1960

País: Francia

Intérpretes: Pierre Brasseur, Alida Valli, Edith Scob, François Guérin, Juliette Mayniel

Duración: 84 min.
 

CARACORTADA
 

Intro.

Los grandes imperios se hacen a partir de nombres memorables que formarán parte de la leyenda de la humanidad. Mas no así los imperios del terror. Los imperios del terror se hacen con miedo, sangre, muerte… y balas. Una vida consagrada a oponerse a la ley solamente conlleva a una continua persecución y cacería, dejando que cualquier cuestionamiento sea reemplazado por el desmedido uso de la violencia.


Cuerpo.

Howard Hughes fue un icono de la aeronáutica y un héroe nacional para Estados Unidos. Su genialidad para concebir lo inconcebible en su tiempo lo ensalzó en toda la nación, pero sería sus enfermedades y excéntrica vida lo que marcarían su destino. En el momento en que se decidió a probar suerte en Hollywood tuvo un estilo innovador pero la mayoría de estas producciones estarían en confrontación con los censores. Desde vuelos de considerable riesgo con explosiones en pleno aire hasta creación de sostenes especiales para Jane Russell, la mayoría de sus películas se veía envuelta en dificultades técnicas basadas en su propia búsqueda de la perfección. Su paso por el cine fue esporádico pero muy ejemplar para muchos directores.

Caracortada tampoco fue una producción sin controversia. Al igual que El Pequeño Cesar (1931) y El Enemigo Público (1932), la película tocaba la vida de los gangsters, lo cual era un tema delicado ya que la censura no permitía mostrar este tipo de vida de manera normal: se exigía que dentro de todo momento se indicara lo erróneo en la vida de un gangster, que se mostrará una advertencia antes de la película señalando estos malos ejemplos, que la violencia no fuera extrema y que al final la justicia prevaleciera. La primera presentación de la película no fue aceptada por los censores exigiendo numerosos cambios, como en el título sugerido de Caracortada: la Vergüenza de la Nación, editando la violencia y cambiando el final. Hughes siendo un multimillonario se podía dar la ventaja de estos cambios pero aún así los censores no aceptaron, retrasando su presentación por casi un año. Hughes mortificado presentó su primera versión en ciudades de Estados Unidos donde la censura no estuviera tan arraigada. La película fue un éxito total.

Paul Muni es Antonio “Tony” Camonte, en una suerte de vida de Al Capone (cuyo apodo era Caracortada), en uno de sus papeles más fundamentales. Muni era un actor de extraños rasgos interpretando durante su carrera roles inusuales pero que le valieron el estandarte de estrella. Nominado a cinco Oscar (ganando uno por La Vida de Louis Pasteur) durante el corto recorrido de 25 películas, Muni fue un actor serio compenetrado con su trabajo, con su origen y su dedicación al arte, desempeñando también una labor importante en el teatro. Junto a Muni aparecen roles acertados de George Raft (otro favorito en las películas de gangster) y Ann Dvorak en su rol más importante como Cesca, la hermana de Tony. Obsérvese la relación entre estos dos hermanos, que más parece un tributo del director Howard Hawks a las películas alemanas mudas en donde las referencias de incesto, o de lesbianismo en otros casos, eran bastante populares.

 

 

Datos.

Título Original: Scarface
Dirección: Howard Hawks
Año: 1932
País: Estados Unidos
Intérpretes: Paul Muni, George Raft, Ann Dvorak, Karen Morley, Boris Karloff, Osgood Perkins, C. Henry Gordon, Vince Barnett, Edwin Maxwell
Duración: 93 min.
 

LA SAGA DE GOSTA BERLING

Intro.

La vida de un hombre no se detiene ante sus problemas. Aunque a veces parece que sí. A veces parece que no podemos dar un paso más. Y todo lo que sigue son errores y caer, caer, caer. Ahora todos te señalan y te conocen como alguien errado. Un estigma que sigue tus días. Eres un hombre con un rostro, un nombre y actos mundanos.

Cuerpo. 

La Saga de Gösta Berling es una producción sueca de 1924. Esta es la época dorada del cine sueco en donde sus películas contaban con grandes directores y actores, que paulatinamente irían formando carreras importantes. Estas producciones no solamente se apoyaban en su calidad artística, sino también en el reconocimiento internacional, lo que llevaría más tarde a Hollywood a ser parte de esta experiencia.

Lars Hanson es Gösta Berling en una película de proporciones épicas no solamente por la extensión de la película, sino también por las diferentes tomas en exteriores que no se habían concebido antes en el cine sueco, como la persecución en el hielo o un incendio de grandes proporciones. Para el momento Lars Hanson era uno de los actores más reconocidos de Suecia y al igual que Gerda Lundequist, gozaba de una gran popularidad. Una joven Greta Garbo hace su primer rol estelar en lo que sería el comienzo de una carrera fructífera y espectacular, convirtiéndose en uno de los grandes iconos y misterios del cine mundial. La Saga de Gösta Berling es en sí una super producción de Mauritz Stiller que buscó adaptar la primera novela de Selma Lagerlöf, la primera escritora en ganar el premio Nobel. A pesar de ser su primera novela, La Saga de Gösta Berling se hizo muy popular. Stiller decidió hacer una adaptación fidedigna del libro, lo cual contó con un numeroso reparto y con una extensión a partir de la meticulosidad del director. La película se encontró perdida por mucho tiempo hasta que diversos elementos surgieron a la luz y en el 2006, la película fue restaurada por la Svenska Filminstitutet con una duración de tres horas y cinco minutos, y aún se cree que un metraje importante de la película se encuentra perdido.

La vida del personaje principal es una travesía cambiante en donde los sucesos parecen enaltecerlo… y a veces hundirlo en su propia miseria. Como toda producción de grandes escalas todos los elementos son cuidadosamente tratados: escenarios, vestuarios, actores principales, gran reparto, extras y hasta un audaz juego de cámaras para la época en momentos claves. Uno de los grandes logros del cine mudo sueco fue también una de las últimas producciones de gran valor artístico. Los dos más grandes directores del medio, Victor Sjöstrom y Mauritz Stiller, junto a Greta Garbo y otras estrellas, irían a Hollywood a mediados de los años veinte. La industria en Suecia quedaría estancada entre el reclutamiento de Hollywood y el intercambio del potencial económico por el artístico, haciendo que el interés internacional disminuya. Apenas algunos bosquejos de genialidad con directores como Gustaf Molander o Alf Sjöberg se hicieron ver, hasta entrar a una época totalmente única de un desconocido que responde al nombre de Ingmar Bergman.

Datos.

Título Original: Gösta Berlings Saga
Dirección: Mauritz Stiller
Año: 1924
País: Suecia
Intérpretes: Lars Hanson, Greta Garbo, Sven Scholander, Gerda Lundequist, Ellen Hartman-Cederström, Mona Martenson, Torsten Hammarén, Jenny Hasselqvist, Sixten Malmerfelt, Karin Swanström, Oscar Byström, Hugo Rönnblad, Knut Lambert, Svend Kornbench, Otto Elg-Lundberg
Duración: 183 min.

UVAS DE IRA

Intro.

La fuerza de los seres humanos en ocasiones se ve forzada contra su propia naturaleza de evolución, de amparo, de vivienda, de la jungla en donde el más fuerte prevalece. Dentro de la total injusticia y la dura realidad, la condición humana consigue aquello que parece no existir: la fuerza de la fe. Seguir luchando hasta que algún día los cambios aparezcan, seguir luchando porque todos los hombres y mujeres que conocemos tienen nombres y apellidos, y ellos merecen el respeto del tiempo y del espacio. Ellos caminan junto a nosotros como sombras del sufrimiento humano que siempre se levantan para extender su voz.

Cuerpo.

La galardonada novela de John Steinbeck, Las Uvas de la Ira (1939), necesitaría poco tiempo para ser adaptada a la pantalla grande. La historia de la familia Joad es ya un hito en la configuración de la época de Depresión de los años 30 en Estados Unidos. La problemática política y social dentro de la novela no es graficada en toda su fuerza debido a la controversia que pudo haber creado, pero aún así mantiene una vitalidad sin precedentes basado en su guión adaptado, su dirección y actuaciones claves.

El guión corre a cargo de Nunnally Johnson, escritor y productor cuando decidió hacerse cargo de Uvas de Ira, y sería posteriormente director. Por este trabajo sería nominado al Oscar. En la dirección encontramos al genio de John Ford, uno de los directores americanos más grandes de todos los tiempos cuyo nombre está ligado con un género que él mismo descubrió: el western. Su enorme contribución a este género le permitió gozar de un status inigualable y a la vez demostró en sendas entregas su capacidad como director fuera del western, así tenemos Que Verde era mi Valle (1941), Ellos eran Prescindibles (1945), El Hombre Quieto (1952), entre otras.

En el caso de los actores, Ford ya contaba con un grupo habitual que rotaba de acuerdo a la producción. Así mismo, pudo hacerse gracias a su fama del servicio de grandes estrellas del cine. En Uvas de la Ira, las actuaciones son impecables pero dentro de ellas debemos destacar a tres. Henry Fonda interpreta a Tom Joad, el hijo. El representante de la familia Joad que encarna la tragedia en carne propia y que está a cargo de uno de los iconos americanos de la actuación. Fonda es un gran actor acostumbrado desde sus inicios a interpretar héroes americanos y figuras destacadas y que junto a Ford se hizo de un renombre total. Fonda podía pasar fácilmente de dramas a comedias, western a film noir, recorriendo casi todos los géneros y demostrando inclusive en su vejez que era capaz de seguir demostrando toda su sapiencia en el cine. Como la madre de la familia, Ma Joad, encontramos a Jane Darwell, ganadora del Oscar por este rol. Actriz de teatro y cine, comenzó a avanzada edad su periplo por Hollywood pero fue bastante gratificante recordándose este su rol más representativo. Fue gracias a Fonda que obtuvo el papel en Uvas de Ira. Finalmente, en el rol de Casy, un ex predicador se encuentra en formidable entrega John Carradine, el padre del futuro clan de actores. Carradine siempre demostró versatilidad en sus personajes y aunque nunca obtuvo papeles totalmente principales destacó gratamente en relucir a sus personajes secundarios, participando en diez películas con Ford. Su labor también se destaca en el teatro y en la televisión teniendo triunfos tanto por su voz, como por sus apariciones en el género del terror y en televisión.

Datos.

Título Original: The Grapes of Wrath
Dirección: John Ford
Año: 1940
País: Estados Unidos
Intérpretes: Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Shirley Mills, John Qualen, Eddie Quillan, Charley Grapewin, Doris Bowdon, Russell Simpson, O. Z. Whitehead, Zeffie Tilbury, Darryl Hickman
Duración: 128 min.

KANAL

Intro.

La guerra es un laberinto y un laberinto es una guerra. Luchar contra un ente invasor dentro de tu propio hogar es encontrar las ruinas de lo incomprensible y la muerte en un idioma que no conoces. Balas que no ves te destruyen. Bombas que no ves te destruyen. Tanques que no ves te destruyen. Una invasión en tu propia mente.

Cuerpo.

Kanal es la segunda parte de la trilogía de guerra de Wajda, siendo la primera Una Generación (1955) y la última, Cenizas y Diamantes (1958). Kanal relata la resistencia de Varsovia en contra de la invasión nazi, siendo ganadora del premio especial del jurado de Cannes en 1957. Wajda es un director comprometido en exponer la situación política y social de Polonia después de la Segunda Guerra Mundial. En un comienzo, muchas de sus películas fueron censuradas pero debido a su sensibilidad, al mismo tiempo que la crudeza de reflejar la resistencia polaca, Wajda fue reconocido en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Esto lo convirtió en uno de los más reconocidos directores de Polonia, creando al mismo tiempo la informal escuela de cine de Polonia en donde se convertiría en el director más importante. Así, Wajda llegaría a influir en el futuro desarrollo del cine de su país poniendo las bases para directores como Polanski o Kieslowski, entre otros.

Kanal es una película de fuerza propia. Como una orquesta bien dirigida, la película configura la situación y los personajes a través de la faceta de la guerra con un prólogo que define la situación de los polacos, “obsérvalos detenidamente, porque estos son las últimas horas de su vida”. A partir de estas palabras el espectador está en advertencia, mas ello no previene de ninguna manera los sucesos a seguir. La película mantiene un ritmo voraz, ganando en intensidad cuando el laberinto de la guerra se vuelve literalmente en uno. Con un grupo de actores conocido por el director, cada elemento de la película cumple con su labor y como una buena representante europea de su época, no nos encontramos ante puntos de álgido drama, sino ante una continúa línea de tensión, culminada una vez más como una sinfonía: cuando el sonido de la música disminuye y el silencio rodea nuestros corazones.

Datos. 

Título Original: Kanal
Dirección: Andrzej Wajda
Año: 1956
País: Polonia
Intérpretes: Teresa Izewska, Tadeusz Janczar, Wienczyslaw Glinski, Tadeusz Gwiazdowski, Stanislaw Mikulski, Emil Karewicz, Vladek Sheybal
Duración: 95 min.

LO QUE NO SE PERDONA

Intro.

La familia es lo más importante en tu vida. La familia es el lugar donde has nacido, es la fuerza dentro de ti mismo y es el amor que te representa. Pero a veces tu familia es un conjunto de extraños con muchos secretos, de extraños muy bien amados y de tantas puertas que nunca hubieras pensado en abrir... porque no tenías la mínima idea de que pudieran existir. la familia es lo más importante en tu vida, pero tu vida se decide en pocos segundos, en cambios que tu pequeña mente no puede entender.

Cuerpo.

Una gran película en el género del western, Lo Que no se Perdona estuvo opacada por los problemas alrededor de ella. John Huston, el gran director norteamericano, estuvo muy entusiasmado por mostrar el racismo como tema central de la película pero los productores buscaban un móvil más comercial llevando esto a una disputa que terminó sin satisfacer a ninguno. A todo ello se le suma la inusual participación de Audrey Hepburn, siendo este su único western. Hepburn cumplió a cabalidad su rol pero un accidente en caballo terminó rompiéndole la espalda. En el momento de la filmación, Hepburn se encontraba embarazada y perdió a su hijo. Este hecho hizo que Huston y Lancaster (actor y productor con su compañía Hecht, Hill and Lancaster) se sintieran culpables, dejando la película de lado. La película se detendría por varios meses y Hepburn retornaría ya recuperada la filmación. Pero este hecho lamentable y otros más, harían la atmósfera de trabajo demasiado complicada, provocando roces y discusiones entre el equipo de filmación y la producción.

La película se desarrolla como la difícil conciencia del hombre contra el racismo, en este caso, el racismo en contra de los indios. Esta posición pondrá a debatir la decisión personal de los personajes junto a sus tragedias. Todo ello se encuentra envuelto en un halo de romanticismo y en el rol de la familia como una estructura básica de aquello que creemos firmemente poderoso. Errados o correctos, los miembros de una familia parecen mantenerse unidos por aquello que el tiempo no nos puede revelar: la experiencia de la convivencia. Esta cosmología está calibrada por la buena mano de Huston, que debido a los problemas de Hepburn indicó que este era su película menos satisfactoria. Después de la dirección se encuentra la habilidad de Burt Lancaster, un actor que cumple bien su trabajo, de vasta experiencia y gran inspiración, además de tener una gran química con la mayoría de sus directores. Lancaster es uno de esos actores con una firma independiente que desde muy temprano se dejó notar, inclusive en producciones que no contaban con una popularidad demasiado notoria. Además, Lancaster es una de esas pocas estrella de Hollywood que tiene el peculiar privilegio de haber sido un artista reconocido tanto en su país como en Europa, incertándose en diferentes producciones del viejo continente, sobre todo en Italia.

Otro de los puntos destacados en Lo que no se Perdona es la gran combinación que ejercen los actores secundarios, cada rostro puede remitirnos a distintas producciones y dentro de toda esta gama de grandes interpretaciones es necesario resaltar la actuación de Lillian Gish. La inmensa Lillian Gish es una dama del cine mudo y de pocas pero fructíferas y determinantes apariciones dentro del cine hablado. Su capacidad para fomentar fortaleza, tanto en dramas con las más complejas e intensas formas (Lirios Rotos) hasta actuaciones secundarias de espíritu combativo (La Noche del Cazador) nos dan toda una muestra de variedad durante sus 75 años de carrera. Gish es magistral, con un legado importante y con un reconocimiento total de todos aquellos que puedan compartir el amor por el cine clásico. Gish, en muchos sentidos, es cine, pues dedicó toda su vida a ello y nos dejó un excelente cuerpo de trabajo que no nos queda más que aplaudir y admirar.

Datos.

Título Original: The Unforgiven
Dirección: John Huston
Año: 1960
País: Estados Unidos
Intérpretes: Burt Lancaster, Audrey Hepburn, Audie Murphy, John Saxon, Charles Bickford, Lillian Gish, Albert Salmi, Doug McClure, Joseph Wiseman, June Walker, Kipp Hamilton, Arnold Merritt, Carlos Rivas
Duración: 125 min.

EN UN LUGAR SOLITARIO

Intro.

En un lugar solitario, en una soledad incomprendida. Ante el extraño temor de nuestra propia existencia, la línea entre la realidad y el dolor creado por nuestras decisiones nos lleva por extraños caminos. La ilusión del amor puede darnos la fuerza necesaria para dejar de lado todos estos oscuros bosques… o tal vez no. Somos los hermosos instrumentos de una interesante vida, de un interesante guion.

Cuerpo.

En un Lugar Solitario es, según muchos críticos, la actuación de Bogart que más lo acerca a su persona. Un ser humano irónico, con cambios múltiples de ánimo y de una tristeza interior sublime. La película aparecía como una más donde se mostrara la pareja de Humphrey Bogart y Lauren Bacall (esposos en la vida real y una gran combinación en pantalla), pero el estudio Warner Brothers no quiso prestarla. Es así como el director Nicholas Ray decidió que fuera su esposa, la actriz Gloria Grahame, quien ocupara el rol femenino. Ray controlaba todos los movimientos artísticos de Grahame, inclusive tenía un contrato al respecto. El uso de la actriz no podía ser más correcto y bien llevado. Grahame encontraría en este papel uno de los puntos más sublimes de su carrera. Su actuación es precisa, totalmente dedicada y de gran estética, definida con gracia por su realizador y una combinación con Bogart a la par con otras grandes actrices que compartieron pantalla con el ícono de Hollywood. Paradójicamente, después de terminar la película, Ray y Grahame se separarían.

La película se ha convertido en un film noir de culto con el devenir de los años apoyada por la exquisitez en la dirección, con un fuerte argumento y excelentes actuaciones. Uno de los encantos de En un Lugar Solitario es su cercanía con la industria del cine en sí. Bogart interpreta a un guionista de Hollywood venido para menos y Grahame cumple el rol de femme fatale. Ambos actores eran conocidos dentro del film noir y el género fue muy popular en Estados Unidos durante los años 40 y 50. La película es una inspiración total para diversos directores y críticos, un perfecto ejemplo en su género, que parece demostrar un cierto halo de misterio que envolvió a ambas estrellas en su vida real.

Todos los elementos del film noir parecen conjugarse a la perfección, sobre todo porque hay un sentido detallista en este tipo de producciones, todos esos pequeños detalles que eran bien llevados en las películas de estos años (y que se circunscribe en toda la generación de lo que se conoce como cine clásico), provocan un efecto de búsqueda de perfección que se puede notar por esa necesidad de no escatimar en medidas como los personajes constantemente redondos, la ubicación de los actores en escenas concretas, el preciso uso del diálogo, etc. En un Lugar Solitario es un gran ejemplo de ello y tomando en cuenta las producciones de Nicholas Ray (Johnny Guitar, Rebelde sin Causa), no podía ser de otra manera; un director dedicado, que maneja todos los elementos y cuya vida es dedicada a este gran número de emociones conocido como el séptimo arte.

Datos.

Título Original: In a Lonely Place
Dirección: Nicholas Ray
Año: 1950
País: Estados Unidos
Intérpretes: Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Carl Benton Reid, Art Smith, Martha Stewart, Jeff Donnell, Robert Warwick, Morris Ankrum, William Ching, Steven Geray, Hadda Brooks
Duración: 94 min.