YO SOY CUBA

Intro.

Escúchame. Soy un país. Escúchame. Me estoy presentando. Mi voz es la voz de todos los habitantes que gritan por su libertad y que claman perdón. Perdón a la naturaleza. Perdón ante sus semejantes. Escúchame. Grito a través de mis ríos, grito a través de mis calles, grito a través de cada pueblo, cada cosecha, cada nombre. Yo me presento y ante ti las pruebas de cada uno de mis rostros. Estamos ante el más ingenioso de los inventos, la vida. Y es allí donde debemos empezar a florecer cada una de mis facetas, cada característica que me hace llamarme país. País inquietante. País enigmático. País exótico. Soy un país. Yo soy Cuba.

Cuerpo.

Yo Soy Cuba es una asociación entre los gobiernos de la Unión Soviética y Cuba. Después de la Revolución Cubana y la toma de poder de Castro, la idea de crear una película como propaganda del socialismo se fue formando. Ambos gobiernos se pusieron de acuerdo y todos los recursos necesarios fueron empleados para la realización del filme. Así mismo, el director ruso Mikhail Kalatozov tuvo total libertad para representar el movimiento socialista en Cuba. La película fue hecha en español y doblada también al ruso, asegurando un estreno en cada uno de estos países, ya que había que considerar que la propaganda socialista era una forma de gobierno en desuso y que muchos países condenaban como obsoleta.

A pesar de todos los planes el proyecto final tendría resultados negativos según los gobiernos. El gobierno cubano se quejaba del uso de estereotipos para tratar a su gente, a sus costumbres y a su inacción contra “la amenaza americana”. El gobierno soviético no encontró reflejado el gran movimiento revolucionario cubano que ellos buscaban como propaganda. Eso y la imposibilidad de tener un estreno mundial debido al comunismo fue el punto final para enterrar la película, que quedaría fuera de circulación durante mucho tiempo. Al comienzo de los años 90 y con la ayuda de algunos estudiosos y directores, entre ellos Martin Scorsese y Francis Ford Copolla, Yo Soy Cuba fue restablecida y mejorada para una mejor apreciación de la obrade Kalatozov, recobrando así su importancia.

La técnica de Kalatozov y del cinematógrafo Sergey Urusevsky es notable. Ayudados por el apoyo económico y la total libertad creativa, Kalatozov y compañía hicieron uso de todo cuanto pudieron. Así, Yo Soy Cuba es una de las primeras películas en mostrar cámaras experimentales para la grabación bajo agua, sin que la cámara o la cinta sufrieran variación cuando se pasara de un medio a otro. También en las tomas áreas se contó con la construcción de diferentes rieles, que comúnmente se usan en tierra, para pasar por la parte superior de los edificios, inclusive traspasando algunas ventanas y mantener así tomas largas, una de las características del filme. Así mismo Kalatozov uso los primeros planos, los cuales tenían una forma peculiar de “encerrar” la perspectiva dada, en combinación con las tomas panorámicas que creaban un efecto de grandiosidad, ya que Kalatozov decidió hacer estos cambios sin cortes, manteniendo así una longitud considerable de las tomas y empleando a fondo la recreación de los diferentes contextos. La película se encuentra dividida en cuatro partes que explican de alguna manera la relación de Cuba con Estados Unidos así como la reacción de un pueblo frente al conflicto armado y su necesidad en la búsqueda del cambio. Así, Kalatozov tampoco tiembla ante temas crudos y controversiales, inclinando hasta cierto punto su preferencia por la parte artística sobre la posición política y condenando inconscientemente la distribución de su obra. En realidad, la película sí mantiene los preceptos del socialismo y del filme de propaganda pero esta tendencia es hasta cierto punto sutil en el ataque contra Estados Unidos y no tan desenfadado en promover los preceptos políticos de Cuba y la Unión Soviética. Tras la recuperación de la película, tanto la obra como su director han sido vanagloriados ante la muestra del talento inminente en esta joya del séptimo arte.

Datos.

Título Original: Ya Kuba
Dirección: Mikhail Kalatozov
Año: 1964
País: Unión Soviética/Cuba
Intérpretes: Sergio Corrieri, Salvador Wood, José Gallardo, Raúl García, Luz María Collazo, Jean Bouise, Albert Morgan, Celia Rodriguez, Fausto Mirabal, Roberto García York
Duración: 141 min.

AL SERVICIO DE LAS DAMAS

Intro.

Cuando debas ser un vagabundo, sé un vagabundo. Cuando debas serlo, ponte tus peores trajes y tu más elegante lenguaje y juega a ser un vagabundo. Huele mal, que tu ropa apeste y que tus amistades sean igual de hediondos que tú. Si no sabes ser un vagabundo al menos pretende ser alguien que esté lo más distante de aquello que no quieres ser. Bueno, no puedes ser un vagabundo, no sé, entonces dedícate a ser un mayordomo. Tú sabes, aquel que lleva los desayunos a las habitaciones y tiende las camas. Y a veces se emborracha. Y a veces enamora a las jóvenes. Y a veces es el placer de trabajar donde nada tiene sentido.

 

Cuerpo.

Uno de los más imaginativos géneros de Estados Unidos es sin duda la comedia de enredos (screwball comedy). Teniendo su furor en los años 30 hasta comienzos de los años 40, este tipo de comedia nos presenta las situaciones más estrambóticas y disparatadas en donde la lógica se ha quedado dormida. La popularidad de este género era la sátira total de situaciones tratadas comúnmente como serias: las clases sociales, el matrimonio, el trabajo, la pobreza, el enamoramiento, etc. Muchos ejemplos existen de este tipo de comedia destacando Sucedió una Noche (1934), La Fiera de mi Niña (1938), Tómalo o Déjalo (1938), Historia de Filadelfia (1940), Ser o No Ser (1942), Arsénico por Compasión (1944), entre otras.

Al Servicio de las Damas es un gran ejemplo del género. Adaptada de la novela 1101 Park Avenue de Eric Hatch y Morrie Ryskind, la película fue dirigida por Gregory LaCava. El director americano no tuvo una filmografía extensa y fueran pocas las películas que destacaron en su carrera. Dividido su trabajo entre el cine mudo y la animación, posteriormente se convertiría en productor, guionista y director teniendo su mejor etapa con las comedias de enredo. De allí sobresalen Al Servicio de las Damas y Damas del Teatro (1937). LaCava era conocido por ser muy excéntrico en sus producciones y por tener un ferviente cariño al alcohol.

El reparto de la película es ideal. En un principio se pensó en Constance Bennett o Miriam Hopkins como la actriz principal. A LaCava le importaba que el actor principal fuera William Powell, y Powell sólo aceptaría participar si su ex esposa Carole Lombard era parte del proyecto. A pesar de haberse separado hace tres años, Powell y Lombard llevaban una buena relación y la química en la pantalla era ineludible. A partir de allí, usuales y cumplidores actores de reparto en estas comedias fueron llamados. Gail Patrick, Alice Brady, Eugene Palette y Mischa Auer fueron parte de este hilarante reparto. La película recibiría seis nominaciones al Oscar: al director LaCava, al guión (Hatch y Ryskind), actores principales (Powell y Lombard) y actores secundarios (Brady y Auer). La película no ganaría ninguna estatuilla pero sería inmensamente popular.

Al Servicio de las Damas fue una comedia total alimentada por todos los involucrados. El excéntrico LaCava y Powell comenzaron a tener problemas de cómo definir el personaje de Godfrey, así que lo decidieron con una botella de Scotch. A la mañana siguiente LaCava esperaba a Powell, pero este nunca llegó. Solamente llegó un telegrama: “Creo que anoche encontramos a Godfrey… pero perdimos a Powell. Te veo mañana.” Por su parte, Lombard comenzó el rodaje con sus usuales bromas y sus constantes lisuras que repetía en medio de escenas cuando no se sentía totalmente confiada con el producto final. A ello se le sumó los constantes cambios en medio del rodaje, lo que provocaba la improvisación por parte de los actores y la búsqueda de frases hilarantes en pleno proceso de creación. Al Servicio de las Damas es la exploración de un producto genuino en sus propias bases, implicando las connotaciones sociales y los delirios de la llamada clase alta. Con notables escenas y frases que perduran, la película de LaCava logra imponerse como la autenticidad lograda por el valor de sus miembros.

Datos.

Título Original: My Man Godfrey
Dirección: Gregory LaCava
Año: 1936
País: Estados Unidos
Intérpretes: William Powell, Carole Lombard, Alice Brady, Gail Patrick, Eugene Palette, Alan Mowbray, Mischa Auer
Duración: 94 min.

CASABLANCA

Intro.

Todos van a Rick’s. Cuando estés en Casablanca no puedes quedarte en tu pequeña habitación. Porque cuando estés en Casablanca todos te señalarán un lugar a donde ir y ese lugar es Rick’s. Entra por las puertas de este club singular. Por un lado, tienes al dueño solitario jugando ajedrez. Sigue adelante y escucharás las notas del piano de Sam. Ya sabes que hay una melodía en particular que no le puedes pedir. Créeme, no la quieres pedir. Más adelante puedes ver al capitán de policía Renault. Ten cuidado porque si te ayuda es solamente porque puede sacar algo de provecho para él mismo. Algunos pensarían que él es el comienzo de una bella amistad, pero yo me lo pensaría dos veces. Por algún lado se encuentra Ugarte, pequeño sabandija, es mejor si no lo encuentras. Ahora camina lento porque estás a punto de ver una belleza sin igual. No preguntes por su nombre, Rick te puede oír. Simplemente obsérvala. Sí, es posible que la hayas visto antes, pero aún así pierdes la respiración al verla. Y hay tantos personajes más. Pero, bien, ya has llegado a tu mesa. Siéntate y disfruta de todo lo que Rick’s te pueda ofrecer. Y no te preocupes, cada vez que vuelvas las puertas estarán abiertas.

Cuerpo.

Casablanca empezó como uno de los tantos proyectos fílmicos a comienzos de los años cuarenta. Warner Bros. consideró un reparto estelar para la película, pero las expectativas eran mínimas, ya que el estudio estaba acostumbrado a hacer tantas películas del mismo tópico y con los mismos rostros. Ninguno de los implicados sospecharía que Casablanca se erigiría como la inmortal muestra de talento que es ahora. Solo Bette Davis vio en Casablanca una película de entera calidad y tuvo que convencer a su amigo Paul Henreid a que aceptara el rol de Victor Laszlo. Casablanca ha quedado inmortalizada como la película romántica por antonomasia y una de las mejores películas del cine americano. La película lanzó a Bogart al estrellato y toda su configuración reinterpretó el romanticismo en el cine.

Casablanca fue dirigida por Michael Curtiz y ganaría tres Oscar como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Adaptado. La química entre los tres actores principales fue desastrosa. Henreid exigió tener la misma ganancia económica que Bogart y Bergman, con los cuales tuvo una insípida relación. Bogart por su parte era el típico actor en las películas de gangster, con respetables actuaciones pero sin un ascenso de estrella. Con Casablanca conseguiría todos sus sueños. Entretanto, Bergman fue una gran actriz en su Suecia natal y eso le conseguiría su pasaporte a Hollywood. Con algunos roles destacados pero no suficientemente trascendentales, Bergman también se nutrió de Casablanca como su trampolín a la fama. Así, la película se convertiría en un cambio de actores destacados a mega estrellas para sus tres protagonistas, forjando carreras importantes.

Así mismo, Casablanca es una especie de película símbolo en Estados Unidos tanto por su diálogo, su música y sus emblemáticas referencias pacifistas. La película de Curtiz no solo ha trascendido en el tiempo sino que ha dejado numerosas referencias históricas, cuya mayoría sufren de inconsistencias, y también de símbolos perpetuos en el pensamiento americano. Casablanca se erige como uno de los pilares en los movimientos de liberación, específicamente en Francia y Europa. Esta fórmula de grandes resultados se copiaría en producciones muy similares e inclusive con la mayoría de los mismos protagonistas, pero ninguna tendría la importancia de Casablanca. La convocatoria de actores de diversas nacionalidades en el reparto funciona también como una muestra de las asociaciones que la guerra había dejado en el imaginario de la gente. Sus representaciones convirtieron en algunos casos a los protagonistas ligados con sus personajes en el imaginario popular, en algunos casos ligándolos aún más que en películas de mayor popularidad. La música también es un tema muy peculiar. Escrita por Max Steiner, el compositor de Lo que el Viento se Llevó, la música cobraría gran importancia en el desarrollo del filme, inclusive la canción As Time Goes By se convertiría en el tema romántico por excelencia, resumiendo el idilio entre los personajes de Rick e Ilsa. Así también, numerosas frases dentro de la película se han vuelto iconos culturales trascendiendo en diversas películas, libros y otros medios artísticos.

Uno de los grandes atractivos de Casablanca es el final de la película. Se dice que la producción manejaba ocho finales y que después de largo debate llegaron al final ya clásico. Esta decisión no fue comunicada a los actores hasta pocas horas antes de la filmación de la escena, creando así una especie de aura de misterio en la película. Muchas opciones se manejaron, pero el mismo Código de Ética fue un parámetro para determinar la suerte de los personajes. Así, la obra quedaría concluida como un ejemplo más de 1942, teniendo una módica recepción en su tiempo, pero con su recepción en el Oscar y con el tiempo, Casablanca fue tomando fuerza y colocándose como uno de los momentos cumbres del cine norteamericano y mundial.

Datos.

Título Original: Casablanca
Dirección: Michael Curtiz
Año: 1942
País: Estados Unidos
Intérpretes: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre
Duración: 102 min.

LA BESTIA HUMANA

Intro.

Un tren en nuestra mente se mueve hacia la irracionalidad. Cuando el tren llegue a la estación estamos todos condenados a observar actos muy lejanos a nuestra comprensión. A pesar de nuestras palabras, nuestras razones y nuestras conciencias, no podremos evitar que las causas de nuestros antecesores se vean replicadas en este melancólico escenario. Somos componentes de una realidad desalmada, que no perdona nuestros orígenes. Somos testigos de la tierra tragándose nuestro cuerpo porque no tenemos diferentes respuestas. Todo lo que sabemos hacer y decir es algo que el tiempo ya ha escuchado y hemos escuchado a nuestros padres caer.

Cuerpo.

Jean Renoir fue el hijo del gran pintor Pierre-Auguste Renoir y al igual que su padre, se convirtió en maestro de su propio medio. Jean Renoir es uno de los más grandes directores de Francia y una figura mundial reconocida. En 1937 creó La Gran Ilusión, uno de los himnos pacifistas más grande de todos los tiempos y dos años más tarde crearía Las Reglas del Juego, una película destruida en su tiempo y que ahora es vista como una joya imperdible, rivalizando con El Ciudadano Kane como uno de los ejemplos más excelsos del séptimo arte. La Bestia Humana sería el segundo éxito de Renoir que se encontraría entre las dos producciones antes mencionadas y que marcaría el último éxito de Renoir en Francia durante los años treinta.

Basada en la novela homónima de Émile Zola, La Bestia Humana es un medio de Renoir para demostrar las cualidades del realismo poético francés. Es así como Renoir “transforma” la novela a su propio territorio y crea uno de los momentos más trascendentales del género. La película se debe en parte por la necesidad de Gabin, en esos momentos una gran estrella capaz de pedir por sus siguientes proyectos junto con director y protagonistas, de querer hacer una película “con trenes”. Gabin fue la clave para la creación de la película debido a que su presencia lograba el dinero necesario y pudo escoger a Renoir para el proyecto. La figura de Gabin en la película duraría durante décadas, siendo un punto culminante en su carrera.

La Bestia Humana es el gran encuentro de Renoir y Gabin. Si bien ya habían trabajado en anteriores proyectos, de los cuales resalta a la vista La Gran Ilusión, en ninguno de ellos Gabin había sido la figura exclusiva de la película, siempre tuvo que compartir la importancia protagónico con otros nombres destacados. En esta película de 1938 Gabin es el héroe trágico por antonomasia recreando una de los grandes valores que le daba la actuación: sus continuos cambios emocionales con las mínimas expresiones faciales. Renoir decía de Gabin que ésa era su mayor virtud. Un rostro apacible que podía mostrar toda su furia en pocos segundos. Gabin es el más grande de todos los actores franceses y bajo la piel de Jacques Lantier lo podemos encontrar en su mejor naturaleza. A él se le suma una exquisita Simone Simon, una actriz de belleza y seducción incomparable que tendría en La Bestia Humana el renacer de su carrera y su futura consagración en Estados Unidos con películas como El Demonio y Daniel Webster (1941) y La Mujer Pantera (1942).

El estudio psicológico del personaje central en la película es remarcable. Un hombre apacible cuyos demonios interiores se formulan como “la enfermedad de sus antepasados”, hacen que sus actos se vuelvan irracionales y que la pasión dentro de su corazón se vuelve la ira de toda una generación. Pudiendo retratar esta conducta como el grito y la irracionalidad de una nación en un conflicto bélico, nos encontramos ante una historia sórdida dentro de dos hermosos rostros. No existe la moral, menos aún la explicación de cada acto y cuando lleguemos al punto en donde todo se ha acabado encontraremos que existe una gran melancolía compuesta en finos trazos, aquellos que delinean el cine como arte.

Datos.

Título Original: La Bête Humaine
Dirección: Jean Renoir
Año: 1938
País: Francia
Intérpretes: Jean Gabin, Simone Simon, Fernand Ledoux, Julien Carette, Blanchette Brunoy, Gérard Landry, Jean Renoir, Marcel Pérès, André Tavernier, Jenny Hélia
Duración: 100 min.