LOS NIBELUNGOS: LA VENGANZA DE GRIMILDA

Intro.

Una mujer busca venganza. Una mujer busca sangre en sus manos y poder terminar con todo su dolor. Una mujer y sangre, fuego, destrucción, muerte, redención. Una mujer tras una venganza pondrá fin con todas sus preguntas y respuestas. Mientras se sienta en su trono y la sangre recorre la ciudad, su alma busca la paz que le fue arrebatada y mientras tanto solo puede pensar en Siegfried. El amor de Siegfried con sus pies llenos de sangre.


Cuerpo.

Los Nibelungos: La Venganza de Grimilda es la segunda parte de la película épica dirigida por Fritz Lang y escrita por él junto a su esposa Thea von Harbou. Ambos serían importantes en el desarrollo del cine alemán y del expresionismo en la etapa del cine mudo que los llevaría a un reconocimiento mundial y a una colaboración legendaria. De 1921 hasta 1933 estuvieron juntos creando algunas de las películas más espectaculares de su tiempo como Metropolis (1927), M, El Vampiro de Düsseldorf (1931) o El Testamento del Dr. Mabuse (1933), entre otras. Lamentablemente la llegada del nazismo pondría a cada uno en bandos diferentes, en donde von Harbou se mostraría partidaria del movimiento de Hitler y Lang terminaría huyendo de Alemania.

La adaptación del poema lírico de Los Nibelungos escrito aproximadamente en el año 1200, llevo a Lang y von Harbou a embarcarse en un proyecto inconmensurable con un total de más de cuatro horas de filmación dividida en dos partes. La primera parte, Los Nibelungos: Sigfrido, gozaría con unos efectos especiales muy avanzados para su época y con una destreza en cámara a partir de la colaboración de Carl Hoffman, Günther Rittau y Walter Ruttman. Al igual que todos los proyectos de la pareja Lang/von Harbou la precisión de detalles y un cuidado en la elaboración de la historia aseguraban el éxito y la aceptación por parte de público y crítica de estas cintas con tonos expresionistas.






Para esta segunda parte, Los Nibelungos: La Venganza de Grimilda, nos encontramos ante la antesala de una de las luchas más intensas del cine mudo. Grimilda planea su tan esperada venganza a partir de elaborados pero bien pensados movimientos. Lang utiliza los últimos sesenta minutos de incesante lucha, sin tregua y con una rigurosidad impresionante. Las escenas correspondientes a la batalla fueron muy difíciles de filmar ocasionando algunos accidentes y con el necesario apoyo de muchísimos extras y bastantes cámaras. En algunos casos las tomas solamente podían filmarse una vez así que se tuvo mucho cuidado en ello. Los Nibelungos: La Venganza de Grimilda es un ejemplo de la seriedad con que Lang abordaba sus proyectos y como exigía el mayor esfuerzo por parte de todo su equipo. Tres años después Lang demostraría toda su sapiencia creando algo tan inmortal como Metropolis.

Datos.

Título Original: Die Nibelungen: Kriemhilds Rache
Dirección: Fritz Lang
Año: 1924
País: Alemania
Intérpretes: Margarete Schoen, Hanna Ralph, Hans Adalbert von Schlettow, Bernhard Goetzke, Theodor Loos, Rudolf Klein-Rogge, Rudolf Rittner, Georg August Koch
Duración: 143 min.

FUERZA BRUTA

Intro.

Dentro de tu celda nadie puede escucharte gritar. Durante horas y horas de observar tus pecados existen partes de la conciencia humana que no pueden simplemente soportar el encierro. Entre el debatir de una condena y la continua injusticia dentro de cuatro paredes lo único que a veces uno puede pensar es en el amor. El amor que es muy diferente del infierno y que gradualmente nos aleja de éste. Pero cuando volvemos a abrir los ojos entendemos que inclusive el infierno tiende solamente a un fin: destruir tu alma y entender que tu existencia no significa nada para aquellos que lanzan los dados.

Cuerpo.

El director Jules Dassin se hizo rápidamente conocido por un número de film noir creados en los años 40 y gozando de gran popularidad. Lamentablemente Dassin sería objeto de la lista negra de Hollywood en la época de McCarthy, lo que lo llevaría a abandonar el país y revivir su carrera en Europa.

Fuerza Bruta es la muestra visceral de la vida dentro de prisión bajo el yugo de crueles carceleros y de una total falta de justicia. La película ganó notoriedad por su cruda violencia, algo que en 1947 no era habitual y que el manejo del director, junto con las grandes actuaciones hicieron posible. Burt Lancaster, muy relacionado con el film noir, es el perfecto retrato del hombre en busca de su libertad bajo la única recompensa que puede entender: el amor de una mujer.

Dassin hizo la película basándose en algunos incidentes en Alcatraz que terminaría con la muerte de algunos prisioneros y guardias. La crudeza de algunas escenas haría reaccionar a muchos críticos que rescatarían este aspecto como positivo en el sentido de novedad, pero al mismo tiempo como demasiado brutal y bajo lo cual el público debería prepararse para ver una película capaz de herir susceptibilidades.

Datos.

Título Original: Brute Force
Dirección: Jules Dassin
Año: 1947
País: Estados Unidos
Intérpretes: Burt Lancaster, Hume Cronyn, Charles Bickford, Yvonne de Carlo, Ann Blyth, Ella Raines, Anita Colby, Whit Bissel, Sam Levene, Jeff Corey, John Hoyt
Duración: 98 min.

MUERTE DE UN CICLISTA

Intro.

Un día, un accidente. Un día, un momento de total desentendimiento con una realidad y con todo aquello que nos rodea. En el momento más extraño de nuestras vidas decidimos callar y pretender que aún somos seres humanos, con normales hábitos y con normales ímpetus. Y todo aquello que está a nuestro alrededor gira como lo hace todos los días. Un día, un accidente. Todo lo bueno que haces lo borras con total olvido.

Cuerpo.

Juan Antonio Bardem fue un director español que comenzó su carrera al asociarse con Luis García Berlanga. Ellos serían vistos como la nueva corriente del cine español en los años 50 y tanto sus éxitos colectivos como personales no se hicieron esperar. A pesar de ello, las tendencias políticas de Bardem siempre le impidieron tener total libertad y sus proyectos casi siempre reconocidos no alcanzaban la total majestuosidad alrededor del planeta. Es por ello que ejemplos como Muerte de un Ciclista y Calle Mayor se muestran como invaluables joyas.

Muerte de un Ciclista es la película más consagrada de Bardem ganando el premio FIPRESCI en el Festival de Cannes de 1955. El reparto se compone de la bella Lucia Bosè, ganadora del premio de belleza Miss Italia en 1947. Bosè fue una actriz de pocos roles y de ausencia notable durante ciertos períodos por su prioridad de formar una vida y dedicarse a ello. Aún así, Lucia Bosè es recordada por roles importantes y emblemáticos. Junto a ella, se encuentra Alberto Closas, un prolífico actor español cuya carrera se divide tanto en España como en Argentina.

Muerte de un Ciclista es una película que parece inscribirse dentro de las temáticas de Hitchcock. Una película llena de misterios, de la conciencia humana, de los chantajes y de los finales inesperados. Bardem nos muestra una interesante propuesta en donde desde un comienzo sabemos cuál es la situación donde nos encontramos y cuál es el centro principal de todo el desarrollo de la película. La película gana en profundidad a medida que avanza y el director mantiene la tensión hasta un final siniestro. Muerte de un Ciclista es una pequeña joya del cine español que parece rememorar una situación social y política del país en ese período y que Bardem mantiene latente en esta y otras entregas.

Datos.

Título Original: Muerte de un Ciclista
Dirección: Juan Antonio Bardem
Año: 1955
País: España
Intérpretes: Lucia Bosè, Alberto Closas, Otello Toso, Bruna Corra, Carlos Casaravilla, Manuel Alexandre
Duración: 88 min.

BEAU GESTE

Intro.

Los juegos de niños nos llevan a consolidar amistades que no necesitan mayor explicación. Nuestros juegos de niños nos llevan explorar territorios infestados de realidad con la misma mirada inocente de otros tiempos. Al momento de convertirnos en hombres, las decisiones son fundamentales y en nosotros reside el poder para convertir todo nuestro alrededor en aquello que siempre hemos soñado.


Cuerpo.

Beau Geste es un remake de la película del mismo título de 1926. La película muda de ese año fue dirigida por Herbert Brenon y nos presentaba a Ronald Colman como principal atractivo dentro del reparto. En este caso, la dirección corre a cargo de William A. Wellman con un reparto por demás atractivo. Gary Cooper como la principal figura, comparte el rol con Ray Milland y Robert Preston como los tres hermanos Geste. El reparto lo completan rostros conocidos por sus continuos trabajos en Hollywood o por su posterior fama. Entre ellos tenemos a Brian Donlevy (nominado al Oscar por esta película), Susan Hayward, Albert Dekker y Broderick Crawford. Esta es la versión más popular de Beau Geste, que tendría varias adaptaciones en el cine y televisión.

Basada en la novela de P. C. Wren, Beau Geste es una película de aventuras muy bien concebida y muy popular en su tiempo. Las películas de aventuras datan desde la época muda siendo siempre recurrentes en todas las etapas. La popularidad de las mismas alcanzaría picos altos en los años 30 con figuras como Errol Flynn y sus constantes personajes heroicos como en Las Aventuras de Robin Hood (1938). Así muchas figuras se sumarían al género y muchas producciones de esta época quedarían como grandes ejemplos. Así tenemos Las Vidas de un Lancero Bengalí (1935), La Carga de la Brigada Ligera (1936), Las Minas del Rey Salomón (1937), El Prisionero de Zenda (1937) o Gunga Din (1939), entre tantas otras.

Beau Geste nos nuestra las aventuras de tres hermanos basados en la solidaridad y el espíritu de lucha. Así nos encontramos ante tres personajes de gran simpatía, llegando el espectador a identificarse con su lucha y su valentía. Con los roles conocidos dentro del género, nuestros aventureros pasan diversos infortunios con los claros rostros de la maldad y mezquindad bajo la búsqueda de un objeto de deseo bajo la forma de un zafiro que dará pie a toda esta gran travesía. Directa y precisa, Beau Geste es un fiel retrato de las películas de aventuras de los años 30, que encandilaron a tantas generaciones.

Datos.

Título Original: Beau Geste
Dirección: William A. Wellman
Año: 1939
País: Estados Unidos
Intérpretes: Gary Cooper, Ray Milland, Robert Preston, Bryan Donlevy, Susan Hayward, J. Carrol Naish, Albert Dekker, Broderick Crawford
Duración: 112 min.

REY DE REYES

Intro.

La vida de Jesús es el ejemplo que miles de interpretaciones han querido poner en nuestros ojos. Su vida y su pasión son conocidas prácticamente por todo el mundo y dentro de estos misterios del tiempo y de la fe siempre hay un momento en los cuales contemplamos los hechos como algo propio y ajeno, como algo que no pertenece al mundo que vivimos porque somos humanos, demasiado humanos.


Cuerpo.

Cecil B. DeMille es uno de los grandes constructores del cine en su primera etapa. Creador de sagas épicas y de comedias que rompían cualquier molde, DeMille fue dueño y señor de su tiempo imponiendo estilos, forjando estrellas y dejando una marca única. De Mille sabía lo que le gustaba al público y lo ponía en práctica. Majestuosos set y un apoyo económico importante eran necesarios en sus producciones que en la gran mayoría de casos reportaban una gran taquilla.

Rey de Reyes se sitúa dentro del cine mudo y en un momento sublime para DeMille. Sus películas en blanco y negro, con alguna que otra experimentación en color, eran muy bien apreciadas y su sensibilidad para acercarse al tema lo hacían un elemento esencial para este tipo de megaproducciones. Ya antes había dirigido una producción de Los Diez Mandamientos con gran popularidad y Rey de Reyes no sería la excepción.

 

La película se basa en las últimas semanas de la vida de Jesús hasta la crucifixión y su resurrección. DeMille, bastante comprometido con el tema, impuso que todos los concernientes a la producción firmaran contractos en los cuales prometían no cometer actos inmorales para estar de acuerdo con el tono de la película. Este contrato se extendía por el período de cinco años. Si bien se hizo dicho contrato, en la práctica no se pudo mantener. Pero esto indicaba la visión del director para con sus proyectos, a lo que sumaba sus tendencias de “tirano” en plena filmación donde exigía el máximo de sus protagonistas.

Una película como Rey de Reyes está basada en la sensibilidad con la cual el director se acerca al tema. Proveniente de una familia creyente y con un estilo artístico único, DeMille muestra los hechos en la vida de Jesús con total sinceridad, ayudándose con intertítulos sacados de las escrituras y con una simple ley: el bien es el bien y el mal es el mal, sin mayores asociaciones políticas o sociales, sin la búsqueda de controversia y con la temática de la fe moviendo montañas.

Datos.

Título Original: King of Kings
Dirección: Cecil B. DeMille
Año: 1927
País: Estados Unidos
Intérpretes: H. B. Warner, Dorothy Cumming, Ernest Torrence, Joseph Schildkraut, Jacqueline Logan
Duración: 115 min.

LA NOVIA DE FRANKENSTEIN

Intro.

Siempre jugamos a ser Dios. Siempre jugamos a crear a partir de nuestras propias manos y de dar nombre a todo a aquello que nos rodea. Y solamente cuando observamos todo aquello que nos pertenece es que nos damos cuenta que jugar a Dios es corromper nuestra alama y crear aquello que habita en nuestras pesadillas. ¿Cómo revertir estos procesos? ¿Cómo evitar convertirnos nosotros en los mismos monstruos? Imposible consulta para el doctor Frankenstein.


Cuerpo.

La Novia de Frankenstein es una de las pocas películas de terror cuya grandeza se basa en estar influenciada por diferentes géneros y ser incluidos de manera brillante por la mano de su director, James Whale. En 1931 Whale había dirigido Frankenstein con un gran éxito, lo que llevaría inmediatamente a los estudios Universal a hacer una secuela, pero problemas con respecto al guión y dirección hicieron que la película se retrasara hasta 1935.

La Novia de Frankenstein tiene muchas peculiaridades no antes intentadas en otras películas, menos aún en el género de terror. Desde Mary Shelley junto con Lord Byron y Percy Shelley hasta personajes en miniatura nos muestra en pantalla un director Whale, quien no creía en la secuela debido a la excelencia de la primera parte pero su tenacidad permitió elevar la calidad de esta segunda parte llena de controversias y censuras. Los códigos de ética dentro de Estados Unidos y posteriormente en otros países reclamaron insistentemente por las muchas muertes presentadas y por las alegorías con el cristianismo siendo la más saltante la referencia de Frankenstein siendo simbólicamente crucificado cuando los aldeanos deciden atraparlo. Cambios fueron hechos y a pesar de ciertas desaprobaciones la película fue distribuida, lidiando después con ciertos recortes.

Si Whale había hecho un excelente trabajo en Frankenstein, en esta secuela iba a mostrar todo su potencial. El director británico tuvo que volver a filmar el final de la primera parte para encontrar así su continuación. Los roles volvieron a recaer en Boris Karloff como el monstruo, Colin Clive como el doctor Frankenstein y Valerie Hobson reemplazaría a Mae Clark como la prometida de Frankenstein debido a problemas de salud. Junto a ellos se sumó Elsa Lanchester con el doble papel de Mary Shelley y la novia del monstruo, así como Ernest Thesiger como el doctor Septimus Pretorius. Toda la imaginativa de la película tiene esa carga de las películas de terror con un toque de sarcasmo y con el encanto al público de que en esta oportunidad el monstruo hablaría. A pesar de la negativa de Karloff todo el proceso fue bien calibrado. En los efectos especiales, Jack Pierce hizo algunas modificaciones con respecto al rostro de Frankenstein de la primera parte, cambiando algunos aspectos como su rostro después del fuego y su lenta recuperación durante todo el filme. Muchos elementos de la primera entrega fueron utilizados y otros mejorados.

Elsa Lanchester sería la novia del monstruo y todos los aspectos de su doble rol también fueron tratados. Su apariencia fue a partir de Nefertiti y tuvo que estudiar los sonidos hechos por los gansos para su inventivo grito. El reconocido compositor Franz Waxman haría un tema musical propio para tres personajes: para el monstruo, la novia y el Dr. Pretorius. La suma de todos estos elementos hace de La Novia de Frankenstein una película muy refinada y de alta aceptación ya que no se determina por los valores conocidos del terror, sino que está en la constante búsqueda de desafiar nuestras expectativas.

Datos. 

Título Original: Bride of Frankenstein 

Dirección: James Whale 

Año: 1935 

País: Estados Unidos 

Intérpretes: Boris Karloff, Colin Clive, Valerie Hobson, Ernest Thesiger, Elsa Lanchester, Una O’Connor 

Duración: 75 min.