EL HOMBRE QUE LE DISPARÓ A LIBERTY VALANCE

Intro.

El pasado nos muestra jóvenes luchadores con sus armas de fuego tratando de forjar un nuevo Oeste. El pasado nos muestra valentía, coraje y desafío ante el mal común. Y todos aquellos que sudaron sangre para construirlo son ahora simples monumentos para un tiempo que nadie recuerda. Las balas siguen sonando en sus cabezas pero ya nadie sabe utilizarlas, ya a nadie le importa reconstruir el mundo con sangre. Ahora todo se ha entregado y nadie es responsable de lo que pueda suceder. Pero en esas cabezas siguen sonando las balas y nadie parece detenerlas.

 

Cuerpo.

 

Para finales de los cincuenta, Ford había logrado prácticamente todo. Un héroe en el western, había pasado del cine mudo al hablado con gran confianza, logrando distintivas entregas, colocando a John Wayne en el centro de su universo y creando dramas de gran calidad, siendo venerado como uno de los grandes directores de todos los tiempos. El Hombre que le Disparó a Liberty Valance sería su último gran western y la primera película de dos gigantes juntos: John Wayne y James Stewart.

La película, basada en un cuento de Dorothy M. Johnson, era una visión nostálgica del viejo Oeste, algo que Ford ya había tratado de capturar en sus últimas entregas y la cual nos muestra un capítulo en la vida de nuestros protagonistas vista como un recuerdo aislado en la memoria de pocos y que es algo muy importante para el desarrollo de la historia. La filmación sería bastante difícil, teniendo el carácter impositivo de Ford, algo que se incrementaría con los años y su poca afición por algunos actores. La película tendría variadas dificultades, comenzando por un presupuesto bajo y un cambio de perspectiva a lo que Ford trató de hacer inicialmente, teniendo en cuenta otro tipo de apoyo económico por parte de la compañía.

Uno de los grandes atractivos del filme era su reparto. A la cabeza la representación máxima del western, el gran John Wayne. Una leyenda bajo propio mérito, el gran actor no era uno con su yo político y era algo que Ford tomaba como un punto necesario a picotear. Junto a Wayne se encontraba el gran James Stewart. La avanzada edad de ambos, de 54 y 53 respectivamente, era una crítica, sobre todo cuando parecían que los roles eran para actores más jóvenes. A su lado, una versátil Vera Miles completa un trío de grandes actuaciones, lo cual será el punto fuerte junto a una gran historia. En los roles secundarios una gran labor por parte de Lee Marvin como Liberty Valance, Andy Devine como el rol cómico y en otros roles, John Carradine, Woody Strode, Edmond O’Brien y Lee Van Cleef.

La idea de nostalgia hacia un mundo perdido se basa desde una gran cinematografía en blanco y negro, y de una puesta de escena basada en los detalles. Junto a  una actuación metódica y una historia que no busca presentar grandes misterios, la película se desarrolla sin vértigo pero con una complacencia bastante sensible, cubriendo la historia por partes y develando la simpleza de algo que no queremos aceptar: el paso del tiempo y la caída del viejo Oeste. Con una idea de romances fallidos y de concepciones erróneas, la película desarrolla una contradicción en las entregas de Ford. Primero como un filme de baja calidad, a pasar como una entrega nostálgica fallida hasta convertirse en un clásico debido a la diferenciación con sus primeras entregas y que terminaría en convertirse en un clásico total y una de sus películas más memorables, aunque aún con cierta discusión sobre si está a la misma altura que otras obras.

En un principio, El Hombre que le Disparó a Liberty Valance sería un gran éxito y una de las películas más populares en su estreno. La película tiene ciertos honores fuera de su director y sus intérpretes, basado en su vestuario y su composición musical. La disputa posterior sobre su calidad se debatía en los grandes directores admirándola y algunos críticos no entendiendo la pasividad del filme. La película es sin duda un atípico western para Ford pero es una gran conclusión a sus épicas aventuras. Una apuesta junto a dos grandes monstruos del cine es la estrategia perfecta para una despedida. Ford todavía tendría unas cuantas películas bajo su brazo pero como la despedida de muchos grandes directores sus últimas entregas no tendrían tanto brillo pero su despedida ya estaba entregada con este filme.

Datos.

Título Original: The Man who Shot Liberty Valance
Dirección: John Ford
Año: 1962
País: Estados Unidos
Intérpretes: John Wayne, James Stewart, Vera Miles, Lee Marvin, Edmond O’Brien, Andy Devine, Ken Murray, John Carradine, Jeanette Nolan, John Qualen, Willis Bouchey, Carleton Young, Woody Strode, Denver Pyle, Strother Martin, Lee Van Cleef, Robert F. Simon

Duración: 123 min.

DOBLE VIDA




Intro.

Tengo una vida pero debajo de una mascara siento ser otro hombre. Bajo la fuerza interpretativa de evocar la vida de alguien más a través del maquillaje, los trajes, la iluminación y la caracterización, puedo comprender terrenos que no pude haber tocado antes en mi mortal existencia. Ahora puedo comprender como ser un hombre mundano y en un instante, me levanto como un Dios. Ahora puedo soñar con aquello que sueñan los ángeles para después dormir como un anciano que apenas puede llegar a su tálamo. Ahora puedo despertar como un joven ambicioso para contemplar una vez más como soy el dueño de este mundo. Ahora puedo provocar cualquier movimiento o cualquier sensación de un público que desea más y más de mí porque desea todo aquello que no puede ser.

Cuerpo.

Una de las entradas más interesantes dentro del film noir es esta película dirigida por George Cukor y magistralmente caracterizada por Ronald Corman. El momento es uno de los más álgidos dentro del terreno del film noir, con diversos ejemplos bombardeando los años cuarenta y seduciendo a un público ávido de nuevos ejemplos del género. A pesar de no ser un especialista en el noir, el director George Cukor sí es especialista en producciones teatrales y en un amplio trabajo durante los años treinta dirigiendo películas condecoradas y actores de alto nivel. Su participación en la película cobra fuerza a la gran asociación con diferentes especialistas.

 

Por un lado, tenemos a la pareja de esposos de Ruth Gordon y Garson Kannin. Ambos hacen un trabajo excepcional dentro del guión basados en su empatía y en sus diferentes capacidades dentro del mundo del cine. Gordon haría guiones para cine y teatro, siendo también actriz en posteriores años. Por su parte, Kanin fue primero director para después ser guionista. Ambos realizaron algunos proyectos con Cukor como La Costilla de Adán (1949) y La Impetuosa (1952). En el teatro, Kanin tendría los triunfos de Nacida Ayer (que después Cukor convertiría a película), El Diario de Ana Frank y Funny Girl. A ellos se les suma el compositor Miklós Rózsa, uno de los más grandes compositores de películas de todos los tiempos, siendo partícipe en películas como Recuerda (1945), Quo Vadis (1951), Ben-Hur (1959) y Rey de Reyes (1961), entre tantas otras.

Un punto aparte merece la actuación de Ronald Colman. Un actor surgido del teatro y del cine mudo, Colman se convertiría en toda una sensación y aunque el traspaso del cine silente al hablado no le fue totalmente favorable pudo salir adelante con su aparición en películas importantes que lo establecieron como un actor recurrente. Es así como Colman se mantendría activo durante toda su carrera, inclusive al momento de su muerte mantenía un contrato para participar en una película. En Doble Vida, Colman toma posesión de un actor teatral cuyos personajes son muy intensos y cuando el papel para Othelo le es ofrecido encuentra en ello una inexplicable fuerza y obsesión que lo llevará por los más oscuros senderos de la inconsciencia. Un trabajo redondo y bien definido lo llevó a ganar el Oscar y el Globo de Oro por esta actuación. La película también ganaría un Oscar para Rózsa, siendo habiendo nominada para mejor director (Cukor) y mejor guión (Gordon y Kanin).

 

Datos.

Título Original: A Double Life
Dirección: George Cukor
Año: 1947
País: Estados Unidos
Intérpretes: Ronald Colman, Signe Hasso, Edmond O’Brien, Shelley Winters, Ray Collins, Phillip Loeb, Millard Mitchell, Joe Sawyer, Charles LaTorre, Whit Bissell
Duración: 104 min.

 

 

LA PANDILLA SALVAJE

Intro.

Lentamente el cuerpo envejece y el tiempo condena nuestros actos. Pero mientras exista la fuerza dentro de uno, aún podemos concretar un golpe más. Un golpe más y abandonar el mundo para que nuestro nombre sea borrado por el viento. Y cuando tu anciana mano coge una pistola una vez más, entonces probaremos que no somos tan diferentes y una vez más, mis palabras serán balas.


Cuerpo.

Sam Peckinpah fue un director que buscó en los años sesenta revivir el género del western y es posiblemente el último director en lograr dicho hecho. A partir de su crudeza, violencia y cortes rápidos combinados con tomas lentas en la edición, Peckinpah demostró un nuevo y último aliento a un género que fue parte del génesis de la historia del cine en Estados Unidos. Peckinpah es el creador de un nuevo tópico de un oeste salvaje y de antihéroes como parte exclusiva de su contexto. A pesar de su problemático paso por el género, Peckinpah dejado marcada decisivamente su firma como un amante del western y como un constructor original de la nostalgia del crudo y solitario paraje de los cowboys.

El reparto de La Pandilla Salvaje también fue un logro del director que barajó varios nombres antes de llegar a conseguir a sus protagonistas. Después de varias propuestas y ante el retiro de Lee Marvin por una cuestión económica, William Holden fue elegido como Pike Bishop. Tanto Robert Ryan como Ernest Borgnine fueron elegidos por su actuación en Los Doce del Patíbulo (1967), después de barajarse varios nombres. Por su parte, Jaime Sanchéz sería elegido por su labor en El Prestamista (1964), mientras que Emilio “El Indio” Fernández era amigo cercano de Peckinpah y formó parte del reparto.

La película en sí, es un logro dentro del cine mundial, cambiando la concepción de cómo se harían las películas a partir de ese momento. Peckinpah utilizó diferentes técnicas y cámaras basándose en la búsqueda de un acercamiento del público con la violencia a través de su tecnicismo. Peckinpah creía que al presentar la violencia crudamente pero sin una linealidad con respecto a las tomas podría crear un efecto de purgación, como si se mostrara la violencia como un elemento más del Oeste y no como un efecto sensacionalista. Tomando en cuenta diferentes métricas, cámaras y diseños de tomas, Peckinpah fue un revolucionario y detallista del cine. A partir de él fue que las pistolas no volvieran a sonar todas iguales, respetando los calibres, la fuerza y demás componentes logró que cada arma tuviera un sonido singular, como se presentaría en la realidad. Concentró también su sapiencia en la calidad de imagen al comprobar que diferentes cámaras a distancias cortas podrían mantener imágenes en primer y segundo plano totalmente nítidas y no como ocurría en muchas películas en donde siempre uno de los planos se encontraba desenfocado.

La Pandilla Salvaje no solo fue un hito como película del Oeste sino que erigió a Peckinpah como un director completo, de exquisita y original técnica, implantando así nuevas fronteras dentro del mundo del cine y dentro de la experimentación. Esto llevó a muchas controversias en cuanto a las temáticas y a la crudeza de imágenes que para su tiempo eran vistas como excesivas. Muchas veces, como en el caso de La Pandilla Salvaje, sus películas sufrirían alteraciones y cortes, haciendo que la visión total del director se perdiera. Esto también crearía un culto alrededor del director y poco a poco sus películas serían restauradas a partir de la idea original, dejando así un legado incontrastable como parte de su obra de trabajo.
 

Datos.

Título Original: The Wild Bunch
Dirección: Sam Peckinpah
Año: 1969
País: Estados Unidos
Intérpretes: William Holden, Robert Ryan, Ernest Borgnine, Edmond O’Brien, Warren Oates, Jaime Sánchez, Ben Johnson
Duración: 145 min.

 

AL ROJO VIVO

 

Intro.

Perseguido. Acorralado. Engañado. Dentro de todos los tiempos, los símbolos a los cuales nos mantenemos apegados parecen no desaparecer. Un hombre rudo, la voz rápida y los modales asesinos. Hay rostros que no podemos olvidar y que no pueden desaparecer. Las manos apretadas y los ojos incisivos nos demuestran que aún hay una nueva lucha y un nuevo desafío en cual embarcarse. Aquello que parecía estar muy lejano vuelve a nosotros y ese rostro duro vuelve a acorralarnos para siempre tenerlo en nuestra memoria.


Cuerpo.

James Cagney es un icono del séptimo arte. Durante su carrera las películas de gangsters le dieron un reconocimiento total por parte del público y de la crítica y fuera de la pantalla se constituyó como un trabajador en busca de sus derechos cuando se trataba de lidiar con el sistema de contrato de los estudios cinematográficos. James Cagney es, sin duda, una de las grandes figuras de esta empresa y su legado se mantiene vivo, gracias a esa capacidad actoral que lo llevó a grandes interpretaciones en géneros tan distantes.

 

Cuando Cagney decidió hacer Al Rojo Vivo, dirigida por Raoul Walsh, mucho había cambiado desde sus resonantes actuaciones como un gangster en los años 30. Ahora Cagney dejaría el glamour de sus actuaciones de adolescente para encarnar un personaje aún más oscuro. Esto marcaría su segunda vuelta a Warmer Brothers y en sí su regreso una vez más al estrellato. Walsh ya lo había dirigido y ambos concordaron que la óptica para tratar al personaje debía ser desde la locura. Un tipo obsesivo y vengativo con complejos era la misión para Cagney, quien hace un rol estupendo y que es considerado su mejor interpretación de su carrera.

 

La película se convertiría en un ejemplo perfecto del mundo de los gangsters y se convertiría en una película de culto debido a su realismo. La parte final de la película también sería tomada como una de las frases importantes dentro del mundo del cine y su influencia partiría de su intervención en el mundo popular. Muchos copiarían no solamente esta frase y esta interpretación de Cagney, sino sería un rol a seguir dentro de todas las películas tratadas sobre el género. Así, pues, Cagney es el tipo duro por excelencia. A tener mucho cuidado con él.

Datos.

Título Original: White Heat
Dirección: Raoul Walsh
Año: 1949
País: Estados Unidos
Intérpretes: James Cagney, Virginia Mayo, Edmond O’Brien, Margaret Wycherly, Steve Cochran, Ford Rainey, John Archer, Ian MacDonald
Duración: 114 min.