EL PERRO RABIOSO

Intro.
 
Un arma en nuestra mente, en nuestra culpa. Una persecución constante para mantener la integridad. Los resultados funestos de un simple error y la corrección del tiempo a partir de las sabias palabras de nuestros mayores contrastada con la impulsividad de la juventud.

Cuerpo.
 
Antes de Rashomon y de Los siete samurai, Kurosawa ya penetraba el imaginario popular al presentar obras que formaban una imagen crítica de Japón de posguerra. Comenzando como asistente de dirección a mediados de los años treinta y como director a comienzo de los años cuarenta, Kurosawa comenzaría como un cuidadoso narrador de historias particulares, algunas sobre problemas sociales y otras sobre dramas de época. Para ello debemos contextualizar que la tradición del cine japonés viene desde la etapa muda y muchas influencias, entre ellas Ozu y Mizoguchi, han sido parte de la juventud de Kurosawa.

Sin mayor exposición al mercado internacional, Kurosawa lentamente empieza a crear un estilo propio y si bien tuvo pequeños triunfos en su debut y otras realizaciones a finales de los cuarenta ya tendría dos pequeñas joyas que llamarían bastante la atención del público: El ángel ebrio (1948) y El perro rabioso (1949). La idea era mostrar el ambiente de posguerra en el país, con una imagen algo deporable debido a la desmoralización del resultado del conflicto bélico, pero a la vez demostrar personajes en la lucha de todo el debastamiento, hombres que aún mantienen el honor ante un público deprimido. Para ello contaría como figura central a Toshiro Mifune.

Toshiro Mifune había logrado el reconocimiento gracias a El ángel ebrio, su primera de dieciséis colaboraciones con Kurosawa, y se encumbraría en las siguientes décadas como una de las colaboraciones más fructíferas del cine mundial. En su segunda entrega, encontramos a un Mifune mucho más cuajado, demostrando su capacidad para roles profundos y encontrándose a un solo año del gran acontecimiento que sería Rashomon (1950). Junto a Mifune encontramos a otro de los recurrentes de Kurosawa, Takashi Shimura. El experimentado actor sería uno de los mayores colaboradores de Kurosawa, protagonizando 21 de las 30 películas del director japonés. Un actor paciente, mesurado y sin demasiados brillos, logra un cuerpo de identidades notable, sobre todo ante un perfeccionista como Kurosawa.

La historia de un policía perdiendo su arma y tratando de recuperarla para evitar que con esta no se cometan más crímenes, es el punto de partida para la muestra de una sociedad hostil y desequilibrada, donde dos policías con diferentes aproximaciones y sentimientos deben acoplarse para lidiar con una sociedad que se rehusa y que no les parece dar respuestas suficientes para encontrar a su malhechor. Kurosawa mencionaría a La ciudad desnuda de Jules Dassin como una influencia directa para este filme y a pesar que durante mucho tiempo señaló no haber quedado conforme con el resultado final, lograría tener una simpatía por sus personajes. Posteriormente, Kurosawa comenzaría los años cincuenta con su magnífica Rashomon, siendo el principio de una década irrepetible para el cine japonés.

Datos.
 
Título Original: Nora inu
Dirección: Akira Kurosawa
Año: 1949
País: Japón
Intérpretes: Toshiro Mifune, Takashi Shimura, Keiko Akawi, Eiko Miyoshi, Noriko Honma, Isao Kimura, Minoru Chiaki, Ichiro Sugai, Gen Shimizu, Reikichi Kawamura, Noriko Sengoku
Duración: 122 min.

 
LA LLAVE DE CRISTAL

Intro.
 
Los antihéroes no son formados por el amor, son simplemente la extraña coincidencia de encontrarse en un mundo rodeado de maldad y en donde, con ciertas habilidades y atractivo, pueden caminar libremente sabiendo que su aptitud ambivalente no debe responder a nada en general. Es un alam libre sin tener que responder a nadie. Y ahora, Veronica Lake.

Cuerpo.
 
Dashiell Hammett fue un autor muy popular de novelas detectivescas a inicio de los años treinta. Hammett había comenzado su periplo literario a través de historias cortas en diferentes publicaciones, lo cual le fue ganando cierta reputación. Si bien sus novelas serían bien vistas, fue en el momento cuando sus obras se convirtieron enadaptaciones fílmicas cuando su nombre alcanzó el pico de popularidad. Varias de sus obras fueron llevadas a la pantalla grande, El Halcón Maltés tuvo adaptaciones en 1931y 1936, mientras que La Llave de Cristal fue adaptada en 1935. Pero la tercera adaptación de El Halcón Maltés en 1941 cambió todo. La película dirigida por John Huston con Humphrey Bogart, Mary Astor, Sydney Greenstreet y Peter Lorre se convirtió en un hito y en una película de culto. A partir de esta, Hammett se volvió más popular, siendo sus obras revisitadas para futuras adaptaciones.

Es así como en 1942 se hace una segunda adaptación de La Llave de Cristal. Ya en 1935 con la figura de George Raft como protagonista se había logrado un muy popular filme, pero era más un conducto para las habilidades de Raft que otra cosa. Esta segunda versión buscaba resaltar más el impulso creado por la película de Huston y poner a pantalla a talentos destacados. El filme también serviría para reunir a un par muy renombrado: Alan Ladd y Veronica Lake. La famosa pareja de actores compartiría pantalla solamente en cuatro oportunidades, siendo esta la segunda. Ladd y Lake tenían una química en pantalla innegable, lo cual no se explotaría más ya que el talento de Lake fue muy anticipado. En realidad, al hacer los anuncios de la película Ladd partía como tercero a pesar de tener el papel protagónico, ya que tanto Donlevy como Lake ya eran estrellas reconocidas.

La película sería dirigida por Stuart Heisler, un director de estudio muy cumplidor caracterizado por diferentes noirs y westerns, aunque su fuerte terminarían siendo los dramas. En la cabeza de reparto se encontraba Brian Donlevy, un actor americano de fuertes interpretaciones muy llamado por personajes ruines o antihéroes. Sería nominado al Oscar por Beau Geste (1939). El reparto lo completa Bonita Granville, el reconocido actor de películas de ciencia ficción Richard Denning, Joseph Calleia, William Bendix (el cual sería un gran complemento de Ladd, con el cual haría diez películas), entre otros.

La Llave de Cristal sería importante para la carrera de Alan Ladd. Su carismático personaje elevó su condición de actor principal, la cual ya había comenzado con El Cuervo de ese mismo año y su primera asociación con Lake. Ladd sería muy popular en los cuarenta, pero debido a problemas personales le costó mucho mantenerla en la siguiente década y a pesar de roles importantes como en Shane de 1953, su figura ya no sería la misma. Ladd moriría a los 50 años en 1964 tras una mala combinación de alcohol y antidepresivos. Veronica Lake no tuvo mayor suerte. Su figura inmortalizada por su gran cabellera blonda cubriendo la mitad de su rostro se hizo muy popular al comienzo de su carrera. Los años cuarenta también fueron sus picos más altos de popularidad, pero problemas con los estudios y su alcoholismo la relegaron rápidamente a ser olvidada. Para comienzo de los años cincuenta ya no era contratada por los estudios.

Datos.
 
Título Original: The Glass Key
Dirección: Stuart Heisler
Año: 1942
País: Estados Unidos
Intérpretes: Brian Donlevy, Veronica Lake, Alan Ladd, Bonita Granville, Richard Denning, Joseph Calleia, William Bendix, Frances Gifford, Donald MacBride, Margaret Hayes
Duración: 85 min.

 
EL MINISTERIO DEL MIEDO

Intro.
 
¿Cuán fácil es determinar el peso de una torta? ¿Cambiará en algo nuestras vidas? ¿Será el premio tan delicioso como la espera? ¿O nos decepcionará? ¿Es un libro tan importante como su portada? ¿O todo nos conducirá al mismo resultado: estamos en el lugar equivocado en el momento equivocado?

Cuerpo.
 
Después de lo creado en el expresionismo durante la etapa muda y ante su inminente huida de Alemania por el régimen nazi, el talentoso Fritz Lang pasó por algunos países de Europa hasta recaer en Estados Unidos. En Hollywood, Lang comenzó a cimentarse en lo que él mismo había influenciado, el film noir. Tomando las sombras, la contraluz y sus malvados personajes como referencia, el realizador austriaco se metió de lleno en el género, creando algunas obras determinantes durante las etapas de los años cuarenta y cincuenta. Dentro de todas, El Ministerio del Miedo se puede considerar como una de sus primeras obras totalmente noir y que posteriormente enriquecería con La Mujer del Cuadro (1944), Perversidad (1945), Secreto tras la Puerta (1948), Encuentros en la Noche (1952), Los Sobornados (1953), entre otras.

Para este ejercicio artístico contaría con el siempre funcional y carismático Ray Milland. Asociado siempre con Días sin Huella (1945) por el cual ganó el premio a mejor actor tanto en Cannes como en los premios de la Academia, Milland siempre ha sido llamado para trabajos continuos de diferentes corrientes. Directores de la talla de Hitchcock, Lang, Billy Wilder o George Stevens, contaron con su profesionalismo, el cual había explotado en los años cuarenta luego de toda una década de pasar por todos los géneros posibles, desde el romance, la aventura, la comedia, el drama y otros más. Milland se mantendría activo hasta los años ochenta, cosechando muchos más géneros y destacadas performances a su nombre.

Su coprotagonista sería Marjorie Reynolds, que tendría pocos roles importantes en su carrera, teniendo su papel más recordado en Holiday Inn junto a Bing Crosby. Dentro del interés de los roles secundarios, algo por lo cual Lang siempre se preocupaba, encontramos a Dan Duryea, ya un habitual del director para entonces y que cumple su rol de manera perfecta. Duryea es uno de esos actores que destaca siempre a pesar de no ser el protagonista de la historia. Además, el actor norteamericano se convertiría en un elemento repetitivo en el film noir, logrando sus mejores cosechas en este género. A destacar la imagen de Hillary Brooke, que se quedó en el imaginario colectivo debido a algún poster creado para la película con su personaje de una vidente. Como anécdota, encontramos en un rol secundario a Alan Napier, el futuro Alfred Pennyworth en la serie de los sesenta de Batman.

Basada en la novela homónima de Graham Greene, la película se toma ciertas libertades para no ampliar más la trama o para simplificar algunas características de los personajes. El Ministerio del Miedo cumple como film noir de espías, en donde nos vemos conducidos con el personaje por una espiral que se va aclarando de a pocos, pero que cumple con su parte de suspenso e intriga. Debido a la adaptación de un libro de Greene, se le suele juzgar como una labor menor en comparación a otra novela adaptada como es la consagrada El Tercer Hombre del director Carol Reed, pero esto no quita el mérito de que Lang comienza a coquetear con el film noir promoviendo un estilo propio, el cual se irá desenmarañando en sus posteriores entregas.

Datos.
 
Título Original: Ministry of Fear
Dirección: Fritz Lang
Año: 1944
País: Estados Unidos
Intérpretes: Ray Milland, Marjorie Reynolds, Carl Esmond, Hillary Brooke, Percy Waram, Dan Duryea, Alan Napier, Erskine Sanford, Mary Field, Aminta Dyne
Duración: 87 min.

 
CAYO LARGO

Intro.
 
Tiempos tan impertinentes, tiempos tan salvajes rodeados de violencia. Mientras afuera un huracán destruye todo a su paso, almas en pena buscan redimir su pasado…

Cuerpo.

 
Key Largo es la tercera entrega del director John Huston dentro del género del film noir. Después de diversos trabajos como guionista, su debut en la dirección llegaría con la incontrastable El Halcón Maltés en 1941. Posteriormente su asociación en la guerra, ya sea como participante activo o como creador de documentales, lo llevaría a su segunda entrada en el género recién en 1948. El Tesoro de la Sierra Madre lo uniría una vez más con Humphrey Bogart y ese mismo año su tercera colaboración terminaría con Key Largo. Las expectativas eran altas y el par no solamente se nutrirían el uno del otro, sino que incluirían actores de gran peso, entre los que se encontraba la esposa de Bogart, Laureen Bacall.

La versatilidad en los filmes de Huston se debe a la fuerza de sus personajes, es por ello que siempre se rodeó de intérpretes de carácter, con una presencia total frente a la cámara. Dentro de Key Largo solamente encontramos grandes interpretaciones de actores relacionados con el género. El gran Edward G. Robinson en la madurez de sus personajes nos da una sublime caracterización de un gangster déspota, sin necesidad de actos decididamente violentos, pero con un manejo interesante del personaje. Siempre asociado con personajes malignos, esta es una de los mejores trabajos de Robinson. Otro personaje redondo se encuentra en Claire Trevor. Como una alcohólica, Trevor ganaría el Oscar como actriz de reparto. Al igual que Robinson, Trevor es una colección de personajes fuertes e interesantes impregnados con su propia firma para comprender el rol de femme fatale.

Otros roles importantes van para la leyenda Lionel Barrymore. Aun en silla de ruedas debido a la artritis, Barrymore demuestra su capacidad para llevar un rol. Un amante del séptimo arte desde sus inicios en el cine mudo, Barrymore fue un joven caracterizando héroes y villanos a la par, siendo muy capaz en demostrar seres perjudicados como en esta entrega, a la vez que interpretaba a alguien muy despiadado como Mr. Potter en Que Bello es Vivir (1946). Otras grandes propuestas vienen de Thomas Gomez y Marc Lawrence, como los usuales cómplices, manejando sus habituales roles.

Key Largo sería la última colaboración de la pareja Bogart y Bacall. Si bien la pareja era un éxito de taquilla, la diferencia de edad entre ellos era notoria en la pantalla. Ver a un hombre en romance con una mujer a la cual le lleva 25 años era cada vez menos atractivo y lógico para los estudios de cine, si bien el magnetismo de Bogart lo haría tener intereses románticos como en Sabrina (1954) con una muy joven Audrey Hepburn. La pareja decidió tomar proyectos separados, asociado también por la fuerte personalidad de Bogart, quien no se veía ligado solamente a una mujer fuera del amor profesado hacia Bacall. Fuera de futuros infiernos privados por parte de Bacall, su magnetismo en pantalla es innegable. Bogart y Bacall eran una pareja importante en Hollywood tanto dentro como fuera de la pantalla, logrando crear un mito que solo se tradujo en cuatro filmes.

La película fue adaptada de la obra teatral homónima de Maxwell Anderson. Huston fue una vez más el guionista, esta vez con la colaboración del futuro director Richard Brooks, el cual también hacía las veces de guionista. Key Largo comienza con una lenta puesta en escena que nos presenta una simple situación y nuestros primeros personajes hasta colocarnos en una situación sin salida, en donde las verdades intenciones y patologías de los personajes empiezan a aparecer. Bajo el talento de sus intérpretes y el manejo del guion nos encontramos ante un gran ejemplo del film noir. Personajes atormentados por su pasado, indecisos ante la situación planteada y enfrentando una conclusión que no será del gusto de todos sus participantes, Key Largo se suma a ese número de filmes que nos despiertan admiración y el cual necesita de varias visualizaciones para descubrir más de un encanto de sus intérpretes. Sumémosle los usuales personajes del género, el creativo trabajo de Karl Freund en cámara, al detallismo de Huston y una pequeña joya manejada por el compositor Max Steiner… y nos encontramos ante un clásico.

Datos.
 
Título Original: Key Largo
Dirección: John Huston
Año: 1948
País: Estados Unidos
Intérpretes: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Edward G. Robinson, Claire Trevor, Lionel Barrymore, Thomas Gomez, Harry Lewis, John Rodney, Marc Lawrence, Dan Seymour, Monte Blue, William Haade
Duración: 101 min.