EL HÉROE DEL RÍO

 

Intro.
 
Que hermoso es tener un hijo que es todo lo que deseas… que hermoso es tener un hijo del cual uno se pueda sentir orgulloso… pero cuando tienes un hijo como Buster, debes pasar antes por mil aprietos para que te des cuenta de ello.

Cuerpo.
 
Dentro del cine mudo, y sobre todo la comedia, una rivalidad muy conocida puso a dos de los más grandes intérpretes cara a cara: Charles Chaplin y Buster Keaton. Fuera de ellos, una gran comunidad de comediantes con diferentes técnicas alumbraba la pantalla grande y creaba producciones para todo el público. Fatty Arbuckle o Harold Lloyd, entre otros, se dedicaban a hacer cortos de humor cuya popularidad los haría explotar en largometrajes. Eso sucedería con Chaplin y Keaton, convirtiéndose en leyendas paulatinamente. Comenzando a finales de los años diez, Keaton encontraría su esplendor a mediados de los veinte con entregas como Sherlock Jr. y El Navegante, ambas de 1924.

Para 1928, el debate sobre la transición del cine mudo al cine hablado llenaba a muchos talentos con escepticismo. Algunos como Chaplin y Keaton se resistían a la llamada del progreso y mantuvieron, mientras pudieron, sus proyectos inspirados en el cine mudo. No solamente ello, Keaton se vería forzado también a dejar United Artists, siendo este su último proyecto bajo su total control y una de sus últimas joyas cinematográficas. El tiempo y su siguiente productora, Metro-Goldwyn-Mayer, fueron crueles con Keaton, menospreciando su última gran entrega, El Camarógrafo, la cual sería ante todo contratiempo un éxito de taquilla. Keaton reconocería que firmar el contrato con su nueva productora fue el peor error de su vida.

Tomando en cuenta todas sus extravagancias, técnicas y presupuestos altísimos debido a su estatus de artista, Keaton buscó crear Steamboat Bill Jr. como uno de sus mejores entregas. Los detalles de las locaciones y sus peligrosas acrobacias eran el fuerte de sus filmes, logrando crear un ambiente totalmente armonizado al tiempo y la situación que Keaton deseaba. Es así como se preocupaban mucho de sus bromas ya que Keaton demostraba tendencias suicidas solo para lograr su cometido. Son muy documentados los actos en diferentes películas con heridas, golpes, incluso una fractura de cuello. Keaton se arriesgaba demasiado en sus acrobacias y algunos reportes indicaban cierta adicción al alcohol o incluso una forma de abaratar los costos de producciones debido a problemas financieros. Cualquiera fuera la razón, Keaton no escatimaba en los riesgos y esto hacía en algunos casos, perfectas situaciones cómicas sin ningún miramiento al peligro.

La película sería recibida tibiamente por público y crítica. Iniciado el filme ya se sabía de la disolución de la productora de Keaton y su siguiente paso en la industria. Era atípico que una producción de Keaton fuera mal recibida, pero Steamboat Bill Jr. sobreviviría a lo inesperado, convirtiéndose en otra joya más del actor estadounidense años después. La película también sería reconocida por tener uno de los momentos más icónicos de la carrera de Keaton, en donde una casa se desploma sobre él, saliendo ileso gracias a que justo se encontraba parado en donde estaría el hueco de la ventana. Muchas veces se ha contemplado el hecho que esta broma se hizo con una precisión calculado, siendo por muy poco el margen por el cual Keaton no salió lastimado. Así también numerosas escenas en los botes imprimirían su talento clásico, siendo un tiempista para el desarrollo de su comedia y de su genio.

Datos.
 
Título Original: Steamboat Bill Jr.
Dirección: Charles Reisner/Buster Keaton
Año: 1928
País: Estados Unidos
Intérpretes: Buster Keaton, Ernest Torrence, Marion Byron, Tom McGuire, Tom Lewis, Joe Keaton
Duración: 70 min.

 
UN LADRÓN EN LA ALCOBA

Intro.
 
Robar, estafar, delinquir. Palabras no asociadas con el amor sino con la escoria de nuestro planeta. Esa fascinación enfermiza por adoptar caretas y engañar a cualquier extraño cuyo nombre y rostro pertenecen a un lugar inexistente pero que lleva muchas sonrisas en el camino. Es esa necedad del ser humano por dejarse llevar ante cualquier historia que vislumbre ser romántica, aún más si está acomapañada de un bello rostro. Al final del día, ladrones serán ladrones… pero ladrón que roba a ladrón, tiene mil años de perdón.

Cuerpo.
 
Ernst Lubitsch había labrado su carrera en el cine mudo a través de cortos de comedias de alcobas y relaciones de parejas. Esta inusual presentación lo llevaría a Hollywood, donde mantendría esta tónica combinándola con dramas románticos. Este peculiar acercamiento a las relaciones humanas rodeada de un sarcasmo inusual lo encumbrarían como obras de autor, en donde un toque particular definiría su estilo y a partir de 1932 con la exhibición de Un Ladrón en la Alcoba se empezaría a hablar de lo que se conoce como el toque Lubistch.

Un Ladrón en la Alcoba sería el comienzo de una serie de películas románticas en donde las relaciones de pareja no se apegan a reglas o cuestiones morales, sino que se dejan llevar por un aspecto sexual, el cual para estas fechas era delineado de manera muy subjetiva, llegando a límites permitidos y con bastante innuendo de aquello que se podía transmitir. En este sentido, Lubitsch era muy inteligente de lo que quería mostrar y si bien sus películas sufrirían posteriormente por la censura cuando el código moralista tuviera fuerza en Hollywood, era una muestra diferente la creación de comedias inteligentes, atrevidas y de convenciones morales creadas solamente en la cabeza de su director. Entregas como Una Mujer para Dos (1932), Ninothcka (1939), El Bazar de las Sorpresas (1940), Ser o no Ser (1942) o El Diablo dijo No (1943), son ejemplos de la pericia de Lubitsch para mostrar situaciones atípicas, picantes y de gran valor que solo funcionan en el tipo de ficción que nos quería mostrar.

En el reparto tenemos un trío excepcional. Los años treinta serían para Miriam Hopkins los más destacados de su carrera. Con producciones atrevidas y un gran dominio de pantalla, Hopkins dominó la década con dramas y comedias de gran nivel rodeándose de grandes directores y coprotagonistas. Su talento estuvo rodeado de alguna controversia ya que los roles que tomaba eran bastante arriesgados, sobre todo en la muestra de la sexualidad de la mujer. Su coprotagonista sería el siempre funcional Herbert Marshall. El actor inglés que en un comienzo destacaría en el teatro y en el cine, gozaría de una fama en comedias y dramas románticos durante los años treinta. Habiendo sido herido en la Primera Guerra Mundial, Marshall contaba con una sola pierna pero esto no le impidió ser parte de producciones junto a Greta Garbo, Marlene Dietrich, Bette Davis, entre otras.

Cerrando el trío se encuentra Kay Francis. Otra de las luminarias de los años treinta, Francis sería la reina de los estudios Warner. Su versatilidad y carisma la llevaron a múltiples producciones donde resaltaba totalmente, siendo también un rostro conocido en revistas, entrevistas y la vida social de Hollywood. Su estrella estuvo presente en los años treinta pero se fue diluyendo hasta su último filme en 1946. A notar entre las actuaciones secundarias al gran C. Aubrey Smith, un actor británico que empezó su carrera en los años diez y al siempre entretenido Edward Everett Horton, un gran referente en las comedias de enredo y una figura recurrente en más de tres décadas.

El éxito de Un Ladrón en la Alcoba la colocaría como una de las mejores películas de 1932. Lamentablemente se vería afectada por el código moral de Hollywood que en 1935 no aprobaría la exhibición del filme y esta no se volvería a ver hasta 1968. Aún así y en su momento, el filme fue un triunfo en toda medida para sus participantes. Lubitsch empezaría a destacar con su propia técnica y lanzaría las carreras de sus divas, tanto de Hopkins y Francis, al mismo tiempo que le daría a Marshall la posibilidad de ser el galán de películas románticas de gran nivel, siendo reconocidos en Estados Unidos como grandes representantes de dramas y comedias durante los subsiguientes años.

Datos.
 
Título Original: Trouble in Paradise
Dirección: Ernst Lubitsch
Año: 1932
País: Estados Unidos
Intérpretes: Miriam Hopkins, Kay Francis, Herbert Marshall, Charles Ruggles, Edward Everett Horton, C. Aubrey Smith, Robert Greig
Duración: 83 min.

EL MAQUINISTA DE LA GENERAL

Intro.
 
La historia de una máquina. La historia de una máquina y su conductor. La historia dentro de la historia de un país. La historia de un hombre junto a la película de sus sueños y cómo estos fueron destruidos. La historia de una reivindicación y su lugar indicado dentro del mundo del cine. Una historia de ingenio dentro de la mente del gran Buster Keaton.

Cuerpo.
 
En 1926, Clyde Bruckman, colaborador del comediante Buster Keaton, le enseñó una historia particular titulada, La gran persecución en locomotora. Esta historia relataba una operación militar de 1862 durante la Guerra de Secesión. La idea de crear una película cómica basada en hechos históricos era muy atrayente para Keaton, algo para lo cual él consideraría que podría ser su ópera prima y su orgullo personal. Su amor por las locomotoras también sería un impulso mayor para realizar el filme pero debido a diferentes factores, La Maquinista del General terminaría siendo un fracaso, a tal punto que Keaton perdería muchos de los privilegios de los cuales gozaba.

Realizar una película sobre locomotoras desde un punto de vista histórico conllevaría problemas tanto de locaciones como de recursos. Pero la reputación de Keaton y su visión le daban carta abierta y es así como Joseph Schenck, productor de MGM le dio un presupuesto de 400 mil dólares. Esto le permitió a Keaton adquirir tres trenes y filmar en Oregon, después de pasar algunos inconvenientes. Pero el presupuesto iría subiendo debido al traslado de la producción y reparto, contado con 500 extras, accidentes en locación, construcciones bastante elaboradas decididas por Keaton, incendios, demandas, etc. Solamente la escena de la destrucción del tren costaría 42 mil dólares, siendo la escena más cara en todo el cine mudo.

Schenck se encontraba muy molesto con Keaton y en un momento determinado le cortó mayores ingresos a la producción. Al final, la película costaría 750 mil dólares. Se esperaba mucho del filme. El Maquinista de la General se estrenaría primero en Japón en 1926 y después en Estados Unidos al año siguiente. Una de las problemáticas que tuvo el estreno sería la demora debido al éxito de El Demonio y la Carne, la película de Greta Garbo y John Gilbert incendió las pantallas manteniéndose más semanas en cartelera. Pero pasar de un romance de época a una comedia histórica bastante elaborada no complació al público y sería un frac aso en la taquilla. Esto llevaría a que la relación laboral de Keaton con MGM cambiara, siéndole revocado todos sus beneficios a partir de un contrato más estricto. Su independencia creativa fue coaccionada y con la llegada del cine hablado su estrella iría desapareciendo.

La película sería protagonizada por Keaton como era ya un entendido por el cómico en todas sus producciones. Algo que lo destacaba en sus películas era la comedia física, por lo cual se encontraba muy orgulloso pero que en algunas medidas no escatimaba en cuanto al peligro. Se ha dicho muchas veces que las acrobacias del comediante norteamericano pudieron costarle la vida si es que por cuestión de segundos no lograba su cometido. En la película, Keaton terminó incosnciente tras un golpe y tuvieron que retrasar la producción y en otros casos incluso ha sufrido rotura de cuello, entre otras lesiones. Su acompañante de turno sería Marion Mack, una actriz que comenzaría su carrera bajo la tutela de Mack Sennett y este sería su rol más importante, encontrando el mundo del cine muy estresante y retirándose dos años después.

La falta de comprensión hacia la obra hizo de El Maquinista de la General una obra olvidada. Para Keaton fue una decepción total pues sentía que esta era su obra más destacada. En 1954 no se renovaron los derechos del filme y esto hizo que fuera de dominio público. Ello llevó a una nueva óptica hacia el filme, lo cual llevaría a numerosos halagos y distinciones por parte de realizadores y críticos. La película ahora se entiende como una de los grandes productos del cine mudo, como la mejor película de Buster Keaton y una de las grandes obras del séptimo arte. Keaton no sobreviviría para ver el renacer de su película pero El Maquinista de la General se mantiene como una obra impedecedera, siendo parte en 1989 del primer grupo de películas seleccionadas para preservar en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos junto a obras como Lo que el Viento se Llevó, Casablanca, El Ciudadano Kane, Bailando Bajo la Lluvia, entre otras.

Datos.
 
Título Original: The General
Dirección: Clyde Bruckman/Buster Keaton
Año: 1927
País: Estados Unidos
Intérpretes: Buster Keaton, Marion Mack, Glen Cavender, Jim Farley, Frederick Vroom, Charles Smith, Frank Barnes, Joe Keaton, Mike Donlin, Tom Nawn
Duración: 75 min.

 

SABRINA

Intro.

El amor es en esencia un misterio. Recorrer el mundo pensando en un único ser cuando uno menos llamativo puede convertirse en un idílico romance es muchas veces parte de las historias amorosas de todos los entornos. Encontrar personalidad, encanto y simpatía en un ser el cual no te has dado cuenta que existe, es la sensibilidad que nos permite entender que nada está designado como lo planteamos y que nuestros corazones no siempre laten de la forma que más queremos mandar. Oui, la vie en rose.

 

Cuerpo.

Un maestro tanto en la comedia como en el drama, Billy Wilder fue uno de los tantos talentos que tuvo que huir de Alemania durante la toma del poder por parte de los nazis y que brillaría en Estados Unidos como director. Sus diferentes trabajos en los años cuarenta demostraban una gran capacidad, sobre todo en el film noir, lo cual lo catapultaría a la siguiente década como uno de los más grandes representantes del cine. Una interesante lista de éxitos comenzaría en 1950 con la mítica Sunset Boulevard, seguida un año después con El Gran Carnaval, Stalag 17 (1953) y Sabrina en 1954. Wilder seguiría entregando grandes producciones durante los años cincuenta y sesenta.

Para Sabrina, Wilder contaría con un grupo interesante de actores. William Holden comenzaría una relación especial con Wilder, con el cual se convertiría en una estrella. Sería nominado por su actuación en Sunset Boulevard y ganaría el Oscar con Stalag 17. Por su parte, Audrey Hepburn sería reconocida mundialmente un año antes por su actuación en Roman Holiday. Esto la llevaría a una carrera y a un uso de su imagen la cual la haría un ícono de la moda, pero que para 1954 todavía estaba cementando su rol en el cine. El tercer miembro de esta comedia romántica sería el gran Humphrey Bogart. Con una prolífica carrera desde los años treinta, Boggie es un actor a toda medida, siendo su especialidad los dramas y el film noir.

Wilder destacaría en la comedia previamente con El Mayor y la Menor (1942) y A Foreign Affair (1948). Sabrina sería adaptado de la obra teatral Sabrina Fair, la cual había sido aclamada en Broadway y que contaba en su reparto con Joseph Cotten y Margaret Sullavan. La producción tuvo ciertas dificultades, como el amorío entre Holden y la joven Hepburn, teniendo que mantenerse como un secreto a voces ya que el actor estaba casado y tenía problemas con el alcohol. Por otro lado, Bogart tenía muchas críticas con respecto a la película. Por una parte, se sentía extraño en el rol de una comedia romántica para la cual no había sido la primera opción, ya que Wilder le había ofrecido el rol a Cary Grant, quien lo rechazó. Además de ello, Bogart quería a su esposa Lauren Bacall en el papel de Sabrina, pero Wilder tuvo a Hepburn como primera opción. La inexperiencia de Hepburn también fue algo que no le hacía fácil las grabaciones a Bogart. Fuera de todo ello y después del éxito del filme, Bogart se disculparía con Wilder por su carácter durante la filmación.

Sabrina es una de las grandes comedias románticas de todos los tiempos. Si bien, la elección de Bogart puede sentirse anticlimática, tanto por su imagen como actor dramático o de film noir y por su edad (Bogart tenía 54 y Hepburn, 24), el gran Boggie compensa estos hechos con su capacidad para envolverse en sus personajes y dejarle su sello personal, algo que recaería bien con el frío y calculador personaje de Linus Larrabee. El guion permite una sinfonía de escenas orquestadas a un buen tenor, cumpliendo los roles secundarios a gran cabalidad y proponiendo una interpretación sublime. Wilder se apoya en su experiencia con personajes simpáticos y antipáticos, de estos últimos sacaba grandes actuaciones de sus actores y con una gran visión para los momentos cómicos obtenía un gran panorama donde podía imponer su control, al mismo tiempo que conducía a los actores a interpretaciones galardonadas.

Datos.

Título Original: Sabrina
Dirección: Billy Wilder
Año: 1954
País: Estados Unidos
Intérpretes: Audrey Hepburn, Humphrey Bogart, William Holden, John Williams, Walter Hampden, Nella Walker, Martha Hyer, Marcel Dalio, Marcel Hillaire, Ellen Corby, Francis X. Bushman, Joan Vohs, Nancy Kulp

Duración: 113 min.