MACARIO

Intro.
 
En muchas partes del mundo sucesos terribles empiezan a tejerse. No sabemos cómo controlarlos o cómo dirigirnos a ellos sin salir dañados. Simplemente buscamos la sensatez en nuestras mentes y esperar que cada decisión sea la indicada. Pero detrás de cada sombra existe el aliento de lo que entendemos como desconocido y ante ello somos mundanos seres humanos sintiendo cómo nuestras tripas suenan.

Cuerpo.
 
Calificada como una de las más grandes películas en español de todos los tiempos, Macario es una producción mexicana dirigida por Roberto Gavaldón con las estelares actuaciones de Ignacio López Tarso y Pina Pellicer. La película de manera particular fue estrenada primero en el Festival de Cannes en mayo de 1960 para posteriormente ser estrenada en junio en México. Sería la primera película de este país en ser nominada al Oscar y cosecharía muchas aclamaciones tanto de crítica como de público.

Macario fue adaptada a partir del cuento El Tercer Invitado de B. Traven. Este seudónimo es lo único que se sabe del escritor, ya que muchos aspectos de su vida son desconocidos y se tienen algunas pistas de su paradero en algunos países. Un hecho que se conoce es que vivió buena parte de su vida en México, donde su libro adaptado más importante es El Tesoro de la Sierra Madre (1927). El Tercer Invitado sería también derivado de otra historia, El Padrino Muerte de los hermanos Grimm. El guion sería trabajado por el director Roberto Gavaldón y Emilio Carbadillo. Gavaldón fue un director de la época de oro del cine mexicano y empezaría a brillar a mediados de los años cuarenta con cintas como La Barraca (1945), La Otra (1946) o La Diosa Arrodillada (1947). Esto lo llevaría a mantener una regularidad en la siguiente década, empezando los sesenta con el estreno de Macario.

El filme nos muestra en el papel estelar al gran Ignacio López Tarso. Actor de teatro, cine y televisión, su incursión en el séptimo arte ocurre a mediados de los años cincuenta y se extiende hasta sus últimas apariciones en el 2021. Durante diferentes épocas, sobre todo en los sesenta, López Tarso demuestra una versatilidad asociada con sus personajes taciturnos, en algunos casos costumbristas, en otros simplemente funcional, con muchas interpretaciones que se quedan en el imaginario de la gente, por la dedicación de un hombre que no es un galán fabricado pero sí un trabajador consistente. A su lado, se encuentra Pina Pellicer, la trágica actriz solamente tendría cinco películas en su haber, siendo Macario la primera y la segunda El Rostro Impenetrable (1961), la única película dirigida por Marlon Brando. Se suicidaría en 1964 a los 30 años.

El filme sorprende por su tono fantástico. Es una lucha del hombre común, Macario, contra poderes sobrenaturales, los cuales trata de evitar pero termina siendo seducido debido a sus placeres terrenales. La película nos muestra con sencillez una historia fantástica, que no necesita de efectos especiales rebuscados para sobrellevarnos a una especie de otro mundo, sino que utiliza de manera sencilla e inteligente el uso de los escenarios, iluminación y trabajo técnico para poder colocarnos en este contexto exquisito. Los actores principales y secundarios ayudan a mostrarnos una época antigua, asociado también con una época del cine mexicano en donde el buen manejo del detalle permitió el triunfo de muchas de estas producciones. Macario une bien el contexto de un país transportado a un contexto imaginario, de forma que no solamente estamos ante la credibilidad de la historia que se nos presenta, sino también con un cierre creativo que nos da a entender que la mejor manera de explotar el arte es ante el sencillo ejercicio de la imaginación. Macario no es la única producción mexicana que funciona como un producto cinematográfico genuino, pero se encuentra en un momento de transición, ante la conclusión de la época de oro, las últimas películas de Buñuel en México y la llegada de nuevos directores jóvenes con una visión diferente del cine en su país.

Datos.
 
Título Original: Macario
Dirección: Roberto Gavaldón
Año: 1960
País: México
Intérpretes: Ignacio López Tarso, Pina Pellicer, Enrique Lucero, Mario Alberto Rodríguez, Enrique García Álvarez, Eduardo Fajardo, José Gálvez, José Luis Jiménez
Duración: 90 min.

RÍO ESCONDIDO

Intro.

Dentro de las fuerzas que mueven nuestras vidas, existe la manera de gobernar que oculta los nombres y cuyos lugares se pierden el el polvo de la memoria. Entender cómo hemos llegado a esto es un simple acto de inconciencia creado por las generaciones y antes que podamos llegar a entenderlo hemos sido arrastrados por la ola de nuestra creciente ancianidad.

Cuerpo.

Emilio Fernández. María Félix. Hay ciertas combinaciones en el mundo del cine que no se dan muy a menudo pero que representan lo mejor de sus participantes. Es cierto que tanto el director como la actriz han tenido otras colaboraciones de gran relieve y que han cimentado sus propias leyendas, pero el inevitable encuentro entre ambos (dejando cinco producciones), nos dio el gusto de ver a la más grande actriz del cine mexicano con uno de los más grandes directores de este país. Un encuentro previo se había dado en la clásica e impresionante Enamorada y un año después nos sorprenderían con una entrega menos íntima y más social, siendo una película clave de la época de oro mexicano.

Para 1947, María Félix ya se había destacado en varios largometrajes y su imagen de mujer de carácter, tanto dentro como fuera de la pantalla, ya se estaba cimentando. Su papel en Doña Bárbara (1943) había logrado captar la atención popular y eso solo sería el comienzo. La Doña, como sería conocida durante toda su carrera, cautivaría los ojos de México y sería el centro de la época dorada del cine mexicano. Pero su despliegue internacional sería de la mano de El Indio Fernández, quien gracias a tres papeles relevantes pondría a María Félix en boca de todos. Su extraordinaria belleza se vería resaltada en Enamorada (1946), Río Escondido (1947) y Maclovia (1948). A través de múltiple entregas en su país, Hollywood y Europa, María Félix sería una de las bellezas de la pantalla grande pero destacaba más aún por su papel de mujer fiera y decidida que siempre imprimió en pantalla y en su vida.

Por su parte, Emilio Fernández sería también una de las grandes figuras de la época dorada del cine mexicano. Desde sus primeros inicios en Estados Unidos debido a un exilio, la influencia de Eisenstein y su deseo de hace cine, Emilio Fernández encontraría rápidamente su forma particular de hacer cine y eso comenzaría con Flor Silvestre (1943). Ya sea a partir de Gabriel Figueroa, Dolores del Río, Pedro Armendariz, Columba Domínguez o María Félix, entre otros, el director azteca logró imprimir una fuerza y una fotografía muy particular en sus obras, creando dramas poderosos e irrepetibles. La estética de los filmes de El Indio lo harían un director único en una época única, algo que se vería también reforzado al no poder reeditar sus triunfos de los años cuarenta y cincuenta.

La película tiene una fuerza social inigualable, comenzando con un sentido patriótico que revela la fuerza del tiempo y sus héroes. Este homenaje a su país se vería acompañado de una feroz realidad en donde la protagonista debe luchar en contra de todos los obstáculos en un lugar lejano donde hasta la esperanza parece haber muerto. Junto a la estética de las imágenes se encuentra la increíble presencia de María Félix, cuyos close-ups están enmarcados por la fiereza de un rostro incólume, cuyo dramatismo nos demuestra todo el talento de La Doña. Río Escondido también nos muestra a Carlos López Moctezuma en el papel del vil y nauseabundo Regino Sandoval, dando la talla en esta producción. Además en roles menores tenemos a Domingo Soler, Fernando Fernández y a la hermosísima Columba Domínguez, quien en pocos minutos imprime la imagen de esa alma perdida debido a un contexto catastrófico.

Siendo dos figuras representante de esta época y de su país, Emilio Fernández y María Félix lograrían captar ese nacionalismo inherente en estas producciones, algo aprendido por el director gracias a su intervención en la revolución mexicana, así como las grandes influencias en su tiempo en Hollywood para crear guiones. El Indio había entendido que la historia debía ser importante para ser contada y la mejor forma era mostrar una humanidad palpante que pudiera calar en cualquier ambiente. A través de ese conducto colocaría a actores de inmensas capacidades que podrían brillar a través de su mano y al mismo tiempo darle un toque personal a sus interpretaciones.

Datos.

Título Original: Río Escondido

Dirección: Emilio Fernández

Año: 1947

País: México

Intérpretes: María Félix, Carlos López Moctezuma, Fernando Fernández, Columba Domínguez, Roberto Cañedo, Domingo Soler, Agustín Isunza, Manuel Dondé, Eduardo Arozamena, Arturo Soto Rangel

Duración: 110 min.

LOS OLVIDADOS

Intro.

Todos los nombres están borrados. Sus rostros los puedes recordar, pero de alguna manera escapan de tu memoria. Eran niños y seguirán siendo niños cada vez que no puedas observar la violencia en las calles, cada vez que no descubras la máscara en tu rostro y no trates de removerla.

Cuerpo.

Buñuel siempre tendría muchos problemas de censura en su carrera, debido a la temática y a ciertos extremos que se permitía en sus producciones. La búsqueda de originalidad y arte en sus producciones lo aislaron de Francia por L’Age d’Or (1930), una película que “atacaba” a la religión y las buenas costumbres, y que sería prohibida por más de cuarenta años. Después, Las Hurdes: Tierra sin pan (1933) sería duramente criticada y prohibida en España por las muestras de pobreza, siendo considerada antirevolucionaria. Todos estos problemas y la falta de adaptación a los modelos hollywoodenses hicieron que Buñuel terminara en México, en donde permanecería el resto de su vida.

México se encontraba en la llamada era dorada del cine, en donde la industria era una de las más rentables del país, contando con estrellas de todo calibre y se abría paso al cine internacional. Buñuel estaba en contactos con el productor ruso Óscar Dancigers para hacer su primera película en México. El resultado sería Gran Casino (1947) y a pesar de contar con las estrellas de Libertad Lamarque y Jorge Negrete sería un fracaso de taquilla. El siguiente proyecto fue El Gran Calavera de 1949 y sería exitosa, probando mayor credibilidad al director español y dándole la ventaja de escoger su siguiente proyecto con cierta libertad. El resultado sería la polémica Los Olvidados.

Dancigers estaba buscando crear una película sobre la pobreza en México pero de una perspectiva seria y critica. Buñuel accedió a ello, a pesar de tener otras ideas en mente, y junto a Jesús Camacho idearon un guion para un drama realista, pero que también contenía mucho de las temáticas de Buñuel, sobre todo el surrealismo. Como era usual en el director del español, las convenciones de como crear un drama no se ajustaban a las usuales y esto también formaría parte de controversia. La película no sería muy bien tomada desde un inicio. Varias personas conectadas con el filme tuvieron que ser separadas o renunciaron debido a que entendieron que Buñuel mostraba un México pobre y ruin, y ello no proyectaba los valores o la mejor faceta del país. Al momento de su estreno, muchos detestaron lo que vieron en pantalla e incluso hubo intentos de agresión en contra de Buñuel. Este continuo malestar provocó que Dancigers sacara la película de circulación tras tres días de exhibición.

Uno de los más grandes admiradores de Los Olvidados sería el escritor Octavio Paz y sería gracias a él que la película obtendría mayor exposición, logrando que fuera admitida como selección de México para el Festival de Cannes en 1951. Su incesante labor logró que muchos surrealistas y artistas europeos vuelvan su mirada hacia el proyecto de Buñuel, convirtiéndolo en una celebridad y restaurando su calidad y confianza en México. Buñuel sería galardonado como mejor director en Cannes y con el Premio Internacional de los Críticos del Fipresci. La película sería un ejemplo de la desolación y la crueldad provocada por la pobreza, siendo en el 2003 una de las películas, junto a Metropolis, en ser elegida como parte del Programa Memoria del Mundo de la Unesco al ser considerada patrimonio histórico mundial.

Los Olvidados nos centra en la realidad de niños en las calles siendo parte de la miseria. Debido a la falta de roles paternos ideales y de la arraigada pobreza que afecta a las familias de cada uno, si es que cuentan con una, estos seres humanos simplemente responden a sus instintos primarios y a convertirse en parte de una jungla que entiende que el más fuerte o el más astuto debe sobrevivir a costas de los demás. Esta ejemplificación nos muestra grupos definidos pero nada funcionales en cuanto a soluciones se trata: están aquellos que quieren ayudar pero que no son suficientes, aquellos que tratan de cambiar pero el medio no se los permite y aquellos cuyos actos erróneos no pueden ser enmendados y peor aún, se multiplican cada vez más. Si bien parecemos estar ante un filme sin esperanza, nos encontramos sobre todo ante un filme de reflexión. El ser humano es víctima porque su sociedad es víctima al no buscar la solución totalitaria. Ante esta incomprensión por desarrollarse como conjunto muestra carencias individuales cuyas desigualdades existen debido a una realidad inamovible: el ser humano en muchas de sus variantes no se permite coexistir con su par. Ese es exactamente el dilema. Ernesto Alonso sería parte de la película con una voz en off que nos remite a un final devastador, algo que trataron de corregir con un “final feliz”, pero que se mantendría más como anécdota que como parte del resultado final. Buñuel se mantendría en México explotando sus temáticas y paulatinamente el mercado internacional también formaría parte de sus futuros logros.

Datos.

Título Original: Los Olvidados

Dirección: Luis Buñuel

Año: 1950

País: México

Intérpretes: Stella Inda, Miguel Inclán, Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina, Jesús Navarro, Efraín Arauz, Jorge Pérez, Javier Amézcua, Mário Rámirez

Duración: 80 min.

EL ANGEL EXTERMINADOR

Intro.

Dentro de nosotros reside una persona decente. Aunque muchos de nosotros sabemos que somos el sucio polvo de nuestros zapatos. Esa persona decente nos representa ante cada desafío que busque limitar nuestros valores. Ese polvo y esa pestilencia cuando hemos residido en caminos borrascosos. Ahora es nuestro deber mantenernos tan limpios como en el primer momento. Esos zapatos que dejarán su marca y su hedor en cada puerta donde penetremos. Cada vez es más difícil mantener una línea y una idea, sobretodo cuando todos aprietan para ver como tu herida se abre y desangras. Ahora eres un paria y un ser asqueroso, ni siquiera digno ante nuestros escupitajos. ¿Cómo provocar una respuesta positiva cuando la lujuria, el atropello humano, el robo y el asesinato rondan en nuestras pequeñas cabezas como caprichos de niños traviesos?

Cuerpo.

Debido a sus ideas extremistas y a su experimentación en cuanto a sus realizaciones cinematográficas, al igual que a la guerra civil en España, Luis Buñuel sería exiliado de su país. Tras cortos períodos en Francia y Estados Unidos, Buñuel arribaría a México en 1946. Tras un fracaso en taquilla en Gran Casino (1947), y un esmerado triunfo en El Gran Calavera (1949), Buñuel dirigiría Los Olvidados de 1950. Esta película sería su reivindicación total, logrando el éxito internacional y permitiéndole crear mayores triunfos en México. Las películas creadas en México gozarían de un nivel respetado, siendo siempre invitadas a festivales internacionales y condecoradas. Buñuel empezaría así también su vuelta a España, a partir de su proyecto de 1961, Viridiana.

La asociación más fructífera que permitió la libertad artística de Buñuel sería con el productor Gustavo Alatriste quien, junto a su esposa y actriz Silvia Pinal, crearían una trilogía de productor, director y actriz de bastante respeto. Viridiana (1961), El Ángel Exterminador (1962) y Simón del Desierto (1965) son estas tres películas únicas en la filmografía de Buñuel. Si bien Viridiana lo devolvería a su exilio de España debido a la crítica radical a la religión y la sociedad, pudo paulatinamente volver al mercado internacional, sobretodo en Francia y también en diferentes países compartiendo producciones. A pesar de ello, Alatriste siempre fue un productor que entendía las necesidades de Buñuel en cuanto a los aspectos creativos. El financiamiento moderado hicieron de estas producciones un singular manejo de obras basadas en su calidad artística por encima de todo, calculando también la creatividad a partir de los pocos recursos, sosteniéndose así en juegos de cámara, luminosidad e interpretación.

El Ángel Exterminador ganaría el premio FIPRESCI en el Festival de Cannes en 1962. Viridiana le había permitido abrir puertas en el aspecto artístico pero en cuanto a la política y moral en algunos países estaba aún muy distante. Es por ello que El Ángel Extermiandor sería una producción netamente mexicana. Con el título original de Los Naúfragos de la Calle Providencia, tomado del libro de José Bergamín, la película de Buñuel toma diferentes referencias, como las películas de desastre y la temática social pero transformadas en el peculiar estilo del director español con el sarcasmo y el surrealismo como sus mejores aliados. Buñuel lamentaría no contar con un mayor presupuesto a la vez que no llegó a a empujar el guión a términos más extremos, procurando de alguna manera, mantener la idea original con la cual había comenzado y subsanar los temas de escenografía y vestuario a partir de cualquier recurso posible.

La temática de El Ángel Exterminador aún es muy comentada. Las razones que encontramos en cuanto a un grupo de la alta sociedad encerrados en un cuarto propone ideas muy dispares en cuanto a dicho cautiverio. La lógica de la escena y de los personajes queda de lado y ante un hecho imposible nos preparamos a mayores retos. La exploración de los personajes y sus insuficientes esfuerzos por mantener sus dotes de etiqueta van desconfigurando la realidad y proponiéndonos entrar en un espacio sin dominio, sin reglas y sin leyes, de lo cual podemos esperar cualquier motivo irracional o cualquier reacción inexplicable. Así, la película encuentra una mejor asociación con sus primeros trabajos surrealistas, como El Perro Andaluz y La Edad de Oro. Buñuel invita a la reflexión y a la crítica embebido por su propio sentido artístico y su experimentación. Uno de estos particulares motivos del director español se puede ver claramente en la repetición. Muchos críticos pensaron en un comienzo que la doble exposición de un mismo acto, como sucede en el comienzo donde los invitados entran a la casa era un error de edición. Pero es Buñuel quien encuentra en la repetición un sentido diferente a lo que se presenta, una perspectiva no explorada dentro de la imagen, proponiendo así desde el principio la intención de un mundo alterno, que es la deformación de aquello que creemos conocer.

Datos.

Título Original: El Ángel Exterminador

Dirección: Luis Buñuel

Año: 1962

País: México

Intérpretes: Silvia Pinal, Enrique Rambal, Claudio Brook, José Baviera, Augusto Benedico, Antonio Bravo, Jacqueline Andere, César del Campo, Rosa Elena Durgel, Lucy Gallardo, Enrique García Álvarez, Ofelia Guilmáin, Nadia Haro Oliva, Tito Junco, Xavier Loyá, Xavier Massé

Duración: 93 min.