EL ESTUDIANTE DE PRAGA

Intro.

¿Qué darías por tu comodidad? A veces pensamos que pequeños detalles son insulsos acompañantes y por lo tanto, podemos deshacernos de ellos. Pero, cuidado, no tenemos en cuenta todo lo que puede significar el sacrificio y menos aun podemos entender como los sacrificios volverán a nosotros como condenas. ¿Es necesario ser y estar? O tal vez simplemente somos títeres tratando de entender un punto sin solución: nuestros actos no pueden ser deshechos.

Cuerpo.

El Estudiante de Praga es la obra maestra de Henrik Galeen. El actor, guionista y director austriaco comenzó como asistente del gran productor teatral Max Reinhardt, del cual aprendió muchas de las labores de este medio artístico. Seguidamente, Galeen se convirtió en actor, lo cual le dio cierta popularidad. Sería recién en 1913 cuando se vio envuelto en el mundo del cine como guionista, pero muchas de sus primeras colaboraciones no llevarían su nombre. Entendiendo el rol de guionista y actor, y aprendiendo a partir de colaborar en diferentes aspectos, Galeen se aventuró a escribir, dirigir y actuar en su primer gran proyecto: El Golem de 1914. La película y posteriores contribuciones muestran la gran influencia de Galeen al expresionismo alemán en donde también demostraría sus dotes, siendo una de sus mejores colaboraciones como guionista de Nosferatu (1922) y Figuras en Cera (1924).

Con una influencia faustiana, El Estudiante de Praga nos muestra la eterna batalla entre el ser humano y el diablo. La película es un remake de su homónima de 1913 dirigida por Paul Wegener y Stellan Rye. Lo que la diferencia de su primera versión es el grado de experimentación así como los motivos utilizados en el expresionismo alemán y la pericia de Galeen al entender mucho de los aspectos creativos del filme. Para ello también se unió a nombres importantes del cine alemán. La cinematografía corre a cargo de Günther Krampf, un creador poco reconocido pero que fue parte del cine alemán en su etapa muda, siendo representante del naturalismo. El director artístico sería Hermann Warm, otro gran contribuyente del expresionismo alemán quien trabajaría con directores como Lang, Dreyer y Wiene.

Dentro del reparto nombres muy importantes surge. El rol protagónico está a cargo de Conrad Veidt. Uno de los actores alemanes más importantes del cine mudo, Veidt es una fuerza innegable dentro del expresionismo y un actor exquisito. Ya sea como el fantasma Cesare en El Gabinete del Doctor Caligari, el deformado Gwynplaine en El Hombre que Ríe, el desquiciado Paul Orlac en Las Manos de Orlac o como Ivan El Terrible en El Hombre de las Figuras en Cera, Veidt es un actor colosal siendo en su tiempo uno de los actores alemanes mejores pagados. La ascensión del nazismo cortó su carrera, huyendo de Alemania junto a su esposa judía, tratando de rehacer su carrera en Inglaterra y posteriormente en Estados Unidos. Debido a problemas con el lenguaje y estereotipos, Veidt sería un actor interesante en roles secundarios como en Casablanca (1942).

Junto a Veidt, el gran actor Werner Krauss es parte de El Estudiante de Praga. Otro colaborador de Max Reinhardt, Krauss se convirtió en una leyenda en los teatros y comenzó a desarrollar su carrera cinematográfica a mediados de los años diez. Su dedicación en el campo actoral se fijó en interpretar personajes malévolos, algo por lo cual sería muy aclamado. Pero ante la llegada de la guerra, Krauss se mostró pronazi y fue promocionado como el mejor actor del régimen, siendo el protagonista de la película representativa del Third Reich, El Judío Sub. Muy aclamada en Alemania, los efectos después de la guerra no se hicieron esperar. Krauss desaparecería del medio siendo desterrado a Austria e incluido en un programa contra las ideas antisemitas.

El Estudiante de Praga sería exitosa en resaltar aún más a sus participantes, ya que muchos de ellos eran rostros conocidos y aclamados del cine. La actriz rumana Elizza La Porta se haría una celebridad y a muchos de ellos les esperarían interesantes proyectos. La película es una muestra de arte en cuanto a construir la fatalidad de un hombre con ciertas habilidades pero sin los medios necesarios para ser alguien en el mundo. Un trato con el diablo simplemente concretará su ruina, como suele suceder en estos tipos de negocios. Después la lucha interna y su némesis a través de su reflejo simplemente nos acercan a lo inevitable. Como Galeen maneja los momentos, el juego de cámaras, los efectos especiales es de una tónica magistral. Veidt nos muestra todos los tormentos de su personaje así como su alegría y ciertos descensos a la locura. Krauss no necesita mucho tiempo en pantalla para ser lo suficientemente amenazador como Scapinelli. La película es un gran ejemplo del horror en el cine mudo.

Datos.

Título Original: Der Student von Prag

Dirección: Henrik Galeen

Año: 1926

País: Alemania

Intérpretes: Conrad Veidt, Werner Krauss, Elizza La Porta, Agnes Esterhazy, Fritz Alberti, Ferdinand von Alten, Erich Kober, Max Maximilian, Sylvia Torf, Marian Alma, Adolf Peter Hoffmann

Duración: 91 min.

EL HOMBRE DE LAS FIGURAS DE CERA

Intro.

La falta de movimiento. La constante monotonía. El ambiente sin vida. Pero a pesar de ello sus miradas se mantienen en ti, como si quisieran contarte una historia, como si quisieran mostrarte el pasado pero en realidad todo ha sido olvidado. Los rostros, los personajes, la vestimenta, todo… y cera. Todo lo que conoces se ha convertido en cera…

Cuerpo.

En los años veinte en Alemania el expresionismo buscó influenciar a diferentes artistas y medios artísticos, siendo considerado como uno de los movimientos más genuinos dentro del mundo del cine. La calidad de presentaciones permitió a muchas estrellas, fuera y dentro de la pantalla, a emigrar a Hollywood y expandir su fama mundialmente. Muchos grandes artistas ya sea a mediados de los veinte o después de los problemas políticos en Alemania, llegaron a Estados Unidos con diferentes suertes. Dietrich, Von Sternberg, Lang, Pabst, Garbo (quien trabajaba en Alemania), Veidt, Dieterle, Siodmak, entre tantos otros.

Paul Leni sería conocido dentro del expresionismo alemán gracias a ciertas colaboraciones con otros directores, algunos cortos pero sobre todo por su trabajo en El hombre de las figuras de cera (1924). Esto lo llevaría a Hollywood a dirigir un número de películas bastante celebradas, resaltando su debut, El Legado Tenebroso (The Cat and the Canary, 1927) y al año siguiente con su célebre El Hombre que Ríe (The Man Who Laughs). Al año siguiente se realizó una segunda parte de El hombre de las figuras en cera titulada La Última Advertencia (The Last Warning, 1929), pero el director alemán moriría meses después de esta última presentación a los 44 años debido a sepsis, una infección en la sangre debido a un problema dental no tratado.

El hombre de las figuras de cera es una suerte de filme antológico que nos mostrará historias combinadas con fantasía y horror de personajes malévolos del contexto histórico, unidos por la narración de un escritor que tendrá que realizar historias para atraer a la gente al museo de cera. La idea inicial del filme era presentar a cuatro personajes: Harun al-Rashid, Ivan El Terrible, Jack el Destripador y Rinaldo Rinaldini. Pero a medida que avanzaban, el presupuesto de la película se agotó y debieron dejar de lado la última historia, así mismo la historia sobre Jack el Destripador fue muy corta. Para dar vida a estos personajes se eligieron nombres importantes del cine alemán en interpretaciones que serían muy celebradas.

El futuro gran director William Dieterle interpreta al escritor que dará vida a las historias fantásticas. Además de este papel, Dieterle interpretará al héroe de cada una de estas historias. Su carrera de director empezaría en Alemania pero llegaría a Hollywood en los años treinta donde tendría grandes triunfos como el Oscar a mejor película en 1937 por La Vida de Emile Zola. El gran Emil Jannings, uno de los mejores actores alemanes de todos los tiempos, rompe su molde de roles dramáticos para dar una suerte de interpretación paródica de su personaje, pero con su solvencia reconocida. Jannings debido a su simpatía nazi no tendría mayor influencia después de la guerra. Por su parte, Conrad Veidt seria una de las grandes imágenes del expresionismo alemán apareciendo en El Gabinete del Doctor Caligari (1920) y teniendo su mejor performance en otro filme de Leni, El Hombre que Ríe (1928). Llegaría Hollywood apareciendo en diferentes filmes como Casablanca pero siempre estaría estereotipado. Finalmente, Werner Krauss fue también uno de los grandes actores alemanes de su tiempo colaborando con directores de alto nivel (El Gabinete del Doctor Caligari, Varieté, El Estudiante de Praga), pero se vería posteriormente perjudicado por su relación con el nazismo.

La película cuenta con algunos de los puntos del expresionismo alemán: el juego entre luces y sombras, el uso de exageraciones, las antirealistas escenografías y las histriónicas interpretaciones que serían también de influencia. El director soviético Sergei Eisenstein tomaría la interpretación de Conrad Veidt sobre Ivan El Terrible para crear su famosa trilogía sobre el zar. Debido a la complejidad de la historia se ha tomado a El hombre de las figuras de cera como una película de terror, antológica o de fantasía, pero fuera de estas categorías es parte del expresionismo alemán. En la dirección, Paul Leni tuvo el apoyo de Leo Birinski, un peculiar director y guionista soviético que trabajó en numerosas producciones pero que siempre se mantuvo en segundo plano pero con muchas leyendas acerca de su vida y su trabajo debido a la falta de información.

Datos.

Título Original: Das Wachsfigurenkabinett

Dirección: Paul Leni

Año: 1924

País: Alemania

Intérpretes: Emil Jannings, Conrad Veidt, Werner Krauss, William Dieterle, John Gottowt, Olga Belajeff, Georg John, Ernst Legal

Duración: 84 min.

BAJO LA MÁSCARA DEL PLACER

Intro.

Mientras estemos silentes no necesitamos máscaras. Nuestros actos hablan por nosotros y cada uno tiene un nombre propio. Somos lujuria. Somos decadencia. Somos codicia. Somos placer. Y entre tantos grandes defectos no podemos más que engañarnos y llamarnos virtudes, como si estuviéramos empezando una sencilla y humilde historia.

Cuerpo.

El gran director Georg Wilhelm Pabst no era solamente uno de los grandes renovadores del cine alemán durante su etapa muda sino fue también un gran director de grandes actrices y “descubridor” en cierto aspecto de estas divas, dándoles algunos de los roles más importantes y destacados de su carrera. Mundialmente conocido por su trabajo con Louise Brooks, convirtiéndola en un ícono para futuras generaciones, Pabst también se destacó por sus filmes a comienzos de los años treinta haciendo buen uso del cine sonoro y creando destacadas entregas en filmes bélicos, musicales y dramas. Dentro de su etapa con actrices reconocidas, Pabst tendría el honor de darle un papel principal a una de las futuras estrellas del séptimo arte: Greta Garbo.

Greta Garbo había conseguido su primer papel protagónico un año antes con La Saga de Gosta Berling de la mano de Mauritz Stiller, lo cual comenzaría a crear un interés denotado en la actriz sueca. Pabst culminaría la labor de Garbo en Alemania con Bajo la Máscara del Placer por la cual sería aún más aclamada y lo que la llevaría meses después a Estados Unidos forjando la leyenda que conocemos ahora. Una de las estrellas más enigmáticas, uno de los rostros más bellos en pantalla, Garbo capturaría el imaginario popular de la dama inalcanzable, del ser indomable y de la inmortal Garbo en pantalla. Tanto como su triunfo sería su ruina al no encontrar una diasociación de este ser que había creado y su persona. Garbo sería una estrella latente durante dos décadas y después como uno de los grandes misterios de Hollywood desaparecería en la oscuridad.

Bajo la Máscara del Placer también presentaría una de las divas más grandes de los años diez: Asta Nielsen. Llamada simplemente Die Asta (La Asta) por su increíble popularidad, el magnetismo y sexualidad de esta actriz danesa la coronaría como la primera estrella internacional del cine, haciendo de ella una de los rostros más reconocidos de Europa durante su época. Su llamativa sexualidad en pantalla fue la causa por la cual Nielsen no fue conocida en Estados Unidos, siendo sus películas censuradas y no teniendo cabida en Hollywood. Aún así, Nielsen a medida de los años fue descartando el cine e inclinándose más por el teatro, a pesar de poseer una voz gruesa y sensual para la llegada del cine hablado, pero consciente también del paso de los años prefirió alejarse de la pantalla grande. La incursión nazi también tendría efecto en ella. Habiendo desarrollado su carrera de actriz mayoritariamente en Alemania tuvo que volver a su país, evitando asociaciones políticas, incluso ante la exigencia de Hitler por verla de vuelta haciendo filmes de propaganda. Nielsen era considerada una actriz natural en pantalla, influenciando decididamente los futuros prototipos de actrices durante los siguientes años.

Bajo la Máscara del Placer nos encuentra con dos momentos: el comienzo de una leyenda y el ocaso de otra. Greta Garbo a punto de comenzar su odisea en Estados Unidos y Asta Nielsen en uno de sus últimos roles importantes en el cine. A ellas se les une el gran Werner Krauss, actor alemán de gran trascendencia en el cine mudo pero cuya asociación con el partido nazi terminaría su carrera. Todo ello envuelto en el talento de Pabst, quien también era relativamente nuevo en la dirección pero un gran talento y una gran capacidad para dirigir actrices, propuso un drama humano en donde la condición humana se ve en sus más bajos estratos y en donde la tragedia parece la simple concatenación de seres humanos incapaces de ayudarse unos a otros. Aún así, siempre en sus entregas, de formas a veces extrañas, una perspectiva de esperanza es parte también del proceso, para entender también que el sacrificio humano desprendido es también parte del proceso de vida y que es posible cambiar siempre que se encuentre un propósito.

Datos.

Título Original: Die Freudlose Gasse

Dirección: G. W. Pabst

Año: 1925

País: Alemania

Intérpretes: Asta Nielsen, Greta Garbo, Agnes Esterhazy, Werner Krauss, Henry Stuart, Einar Hanson, Gregori Chmara, Karl Etlinger, Ilka Grüning, Jaro Fürth
Duración: 142 min.

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI

 

 

Intro.

Un hombre sin voz se levanta como una sombra en extraños lugares. No reconoces el ambiente pero sabes que el aire está enrarecido. Los colores son peculiares y las formas de las calles, las puertas, los puentes y ventanas no son aquellos que estás acostumbrado a ver. Todo difiere, queriendo alterar tu realidad. Pero ello no importa. No importa porque tu preocupación está en ese fantasma de rostro pálido que parece seguirte, que pareces seguir en una interminable danza de lo extraño. Alguien está cerca de alguien y tú no sabes como detenerlo o detenerte, solo sabes que pronto llegará el final de alguno de los dos.

 

 

Cuerpo.

El Gabinete del Doctor Caligari es la película más influyente del expresionismo alemán. La influencia de este medio y su bien elaborado guión hicieron de la película el más resaltante ejemplo de la corriente, llegando a ser visto como el primero en provocar las futuras respuestas de maestros como Lang, Murnau, May, entre otros. La película ha seguido influenciando a artistas de todas las décadas y se ha mantenido como un producto genuino, gracias a diferentes factores como la musicalización, los efectos del expresionismo, el final original desestimado y sus icónicos personajes, al igual que escenas memorables repetidas por diversos artistas en sus respectivos medios. La película sería dirigida por Robert Wiene, de ardua labor durante los años diez y veinte y que encontraría en El Gabinete del Doctor Caligari su mejor producto. Tuvo varios triunfos en el cine mudo, como Raskolnikow (1923) y Las Manos de Orlac (1924), y trató en los años treinta hacer una secuela de Caligari junto a Jean Cocteau, pero el proyecto nunca llegó a concretarse.
 

 

La película comenzó a partir de un proyecto conjunto entre los escritores Hans Janowitz y Carl Mayer. Ambos encontraron en el nuevo medio del cine una forma de conjunción de diferentes artes y la experimentación en contraposición a artes establecidas que no buscaban variar su contenido. Entusiasmados por el director Paul Wegener y sus múltiples filmes de terror, decidieron adentrarse en dicho género y crear a partir de experiencias propias un complejo relato que abarcaría el misterio, los asesinatos y la psicología. En seis semanas contaban con un guión y se lo entregaron a Erich Pommer, productor de los estudios Decla-Bioscop. A pesar de primeras negativas, Pommer terminó leyendo el guión y lo compró inmediatamente, accediendo que la mejor forma de presentación sería a través de las tendencias expresionistas. Pommer quería a Fritz Lang como director, pero su agenda estaba ocupada filmando Las Arañas, así que se decidió por Robert Wiene.

 

 

 

El diseñador Hermann Warm y los pintores Walter Reimann y Walter Röhrig serían los encargados de darle vida a la escenografía y al ambiente de Caligari. Las técnicas de pintado en las paredes y de distorsiones de puertas, escaleras y demás pusieron dudas en Pommer, pero cuando vio los primeros diseños quedó impresionado dejando que los artistas desplegaran toda su creatividad. Los resultados serían impresionantes. Todo se mostraba favorable dentro de la producción, pero existía una duda. Para Pommer y Rudolf Meinert, los productores, el final de la película era demasiado tenebroso y querían un cambio. Janowitz y Mayer querían quedarse con la historia de un asesino en serie. Los productores tuvieron la última palabra y gracias a ello, Caligari se transformó en la primera película en representar la alteración mental como una enfermedad. La película se estrenaría el 26 de febrero de 1920.

 

 

El personaje de Cesare sería interpretado por Conrad Veidt, una de las estrellas más grandes del cine mudo alemán. Su interpretación en Caligari y otras entregas lo hicieron famoso internacionalmente pero el comienzo de la guerra lo obligó a huir junto a su esposa judía. Convirtiéndose en ciudadano británico, alternó producciones inglesas y americanas, interpretando en su mayoría a alemanes en el proceso de la guerra. Su más grande interpretación en dichos roles llegaría en Casablanca como el Mayor Heinrich Strasser. El personaje del doctor Caligari sería interpretado por Werner Krauss. Krauss fue un prolífico actor de teatro y de cine, caracterizado por sus personajes maquiavélicos, lo cual le ganó el apodo de “el hombre de las mil caras”. A diferencia de Veidt, Krauss era un simpatizante del nazismo y  se mantuvo en Alemania haciendo películas para este régimen. Su fama creció en el país, siendo nombrado embajador cultural por Hitler. Después de la guerra, Krauss tuvo que pasar por un proceso de desnazificación y reinsertado en la sociedad donde posteriormente sería invitado a diferentes festivales cinematográficos.

El Gabinete del Doctor Caligari ha sido visto como un producto pionero dentro de la creatividad en el cine. Es considerado uno de los productos más genuinos del terror, así como una influencia decisiva del film noir americano de los años cuarenta y cincuenta. Dentro de otros medios, Caligari ha mostrado ser una creciente influencia para diversos directores, músicos y artistas en general. Muchas veces se trató de hacer una secuela de la película, pero no se pudo. En los años treinta, Wiene habló con Jean Cocteau para hacer una versión hablada pero no se concretó. En 1936, Bela Lugosi fue designado para hacer el papel de Cesare en una producción británica pero no hubo mayor evolución. En los cuarenta el escritor Hans Janowitz quiso vender los derechos para una nueva película, Caligari II, siendo Fritz Lang el director, pero no se llegó a ningún tipo de acuerdo. Aún así, hay bastantes películas en honor a Caligari, que de alguna manera buscan implantar la temática o hacen referencia a alguno de los personajes, como un homenaje al gran proyecto del expresionismo alemán.

 

 

Datos.

Título Original: Das Kabinett des Doktor Caligari

Dirección: Robert Wiene

Año: 1920

País: Alemania

Intérpretes: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Fehér, Lil Dagover, Hans Heinrich von Twardowski, Rudolf Lettinger

Duración: 71 min.