EL ÚLTIMO TREN DE GUN HILL

Intro.
 
Un viaje a lo desconocido y en búsqueda de una condena. Un viaje que marca un antes y un después en la vida de un hombre. ¿Cómo corrresponde ello ante actos que nos mantiene entre la ley y nuestros sentimientos? ¿Qué es una amistad ante el sufrimiento humano?

Cuerpo.
 
En 1957, la película Duelo en el corral OK fue todo un éxito de taquilla. La fórmula se buscaría repetir dos años después con El último tren de Gun Hill. Ambos filmes serían producidos por Hal B. Wallis para Paramount Pictures y dirigidos por John Sturges.  El encargado de la música memorable en estos dos westerns sería Dimitri Tiomkin. En los roles se trabajaría con algunos elementos similares como Kirk Douglas y Earl Holliman. Como mucho de los westerns de Sturges se trabaja en la psicología de los personajes, buscando mostrar una profundidad inusitada en el género que logra promover una entrega diferente con una buena historia.

John Sturges es un director que se divide en su mejor época en film noirs y westerns, para posteriormente estar más vinculado al cine de intriga. Sus películas más reconocidas serían Los siete magníficos (1960) y El gran escape (1963). Previo a ello tuvo un número de westerns muy particulares, buscando siempre esa profundidad en sus personajes, interiorizando en sus motivaciones y la razón de por qué deben seguir o desafiar las normas impuestas, dependiendo de cada caso. Para El último tren de Gun Hill busca contrastar a dos figuras dominantes como Douglas y Quinn.

Kirk Douglas es cine en muchos sentidos. Un actor, productor, innovador y luchador de causas perdidas, pareciere que lo hubiera hecho todo. En cuanto a la actuación la imagen de hombre duro, la presencia incontrastable de un rostro único es historia del cine. La historia promueve que la cámara busque a ese rostro y nos haga partícipe de sus acciones. Por otro lado, encontramos a Anthony Quinn, un actor de gran presencia que supo siempre sacar lo mejor de cada uno de sus personajes. Siendo parte de muchos géneros, el western no le fue esquivo y su técnica apoyaba mucho a las ideas de Sturges.

La historia nos presenta un conflicto interesante entre la idea de la aplicación de la ley tal cual y la imposición de una fuerza que se opone a ella. La esposa del personaje de Kirk es violada y asesinada por el hijo de un viejo amigo de él. Antes ambos eran de una misma idea y ahora se encuentran en lados opuestos de la ley. Si bien el filme, y teniendo en cuenta la filmografía de Sturges, busca demostrarnos qué es lo correcto, el camino para lograrlo muestra muchos vacíos sobre lo que es llevar la ley al extremo de situaciones que ponen en peligro inclusive a nuestro protagonista. Obviamente no estamos ante un simple de relato de hacer cumplir la ley, estamos ante una situación de hacer lo correcto llevado al extremo. Sturges nos presenta la visión de muchos personajes sobre el hecho y cómo a pesar de tener un punto firme, prácticamente nadie apoya al protagonista, ya sea porque reconocen que no tiene la entereza o porque no pueden enfrentarse a un poder que contradice su moral.

Datos.
 
Título Original: Last train from Gun Hill
Dirección: John Sturges
Año: 1959
País: Estados Unidos
Intérpretes: Kirk Douglas, Anthony Quinn, Carolyn Jones, Earl Holliman, Brad Dexter, Brian G. Hutton, Ziva Rodann, Bing Russell, Val Avery, Walter Sande
Duración: 90 min.

 

EL HOMBRE QUE LE DISPARÓ A LIBERTY VALANCE

Intro.

El pasado nos muestra jóvenes luchadores con sus armas de fuego tratando de forjar un nuevo Oeste. El pasado nos muestra valentía, coraje y desafío ante el mal común. Y todos aquellos que sudaron sangre para construirlo son ahora simples monumentos para un tiempo que nadie recuerda. Las balas siguen sonando en sus cabezas pero ya nadie sabe utilizarlas, ya a nadie le importa reconstruir el mundo con sangre. Ahora todo se ha entregado y nadie es responsable de lo que pueda suceder. Pero en esas cabezas siguen sonando las balas y nadie parece detenerlas.

 

Cuerpo.

 

Para finales de los cincuenta, Ford había logrado prácticamente todo. Un héroe en el western, había pasado del cine mudo al hablado con gran confianza, logrando distintivas entregas, colocando a John Wayne en el centro de su universo y creando dramas de gran calidad, siendo venerado como uno de los grandes directores de todos los tiempos. El Hombre que le Disparó a Liberty Valance sería su último gran western y la primera película de dos gigantes juntos: John Wayne y James Stewart.

La película, basada en un cuento de Dorothy M. Johnson, era una visión nostálgica del viejo Oeste, algo que Ford ya había tratado de capturar en sus últimas entregas y la cual nos muestra un capítulo en la vida de nuestros protagonistas vista como un recuerdo aislado en la memoria de pocos y que es algo muy importante para el desarrollo de la historia. La filmación sería bastante difícil, teniendo el carácter impositivo de Ford, algo que se incrementaría con los años y su poca afición por algunos actores. La película tendría variadas dificultades, comenzando por un presupuesto bajo y un cambio de perspectiva a lo que Ford trató de hacer inicialmente, teniendo en cuenta otro tipo de apoyo económico por parte de la compañía.

Uno de los grandes atractivos del filme era su reparto. A la cabeza la representación máxima del western, el gran John Wayne. Una leyenda bajo propio mérito, el gran actor no era uno con su yo político y era algo que Ford tomaba como un punto necesario a picotear. Junto a Wayne se encontraba el gran James Stewart. La avanzada edad de ambos, de 54 y 53 respectivamente, era una crítica, sobre todo cuando parecían que los roles eran para actores más jóvenes. A su lado, una versátil Vera Miles completa un trío de grandes actuaciones, lo cual será el punto fuerte junto a una gran historia. En los roles secundarios una gran labor por parte de Lee Marvin como Liberty Valance, Andy Devine como el rol cómico y en otros roles, John Carradine, Woody Strode, Edmond O’Brien y Lee Van Cleef.

La idea de nostalgia hacia un mundo perdido se basa desde una gran cinematografía en blanco y negro, y de una puesta de escena basada en los detalles. Junto a  una actuación metódica y una historia que no busca presentar grandes misterios, la película se desarrolla sin vértigo pero con una complacencia bastante sensible, cubriendo la historia por partes y develando la simpleza de algo que no queremos aceptar: el paso del tiempo y la caída del viejo Oeste. Con una idea de romances fallidos y de concepciones erróneas, la película desarrolla una contradicción en las entregas de Ford. Primero como un filme de baja calidad, a pasar como una entrega nostálgica fallida hasta convertirse en un clásico debido a la diferenciación con sus primeras entregas y que terminaría en convertirse en un clásico total y una de sus películas más memorables, aunque aún con cierta discusión sobre si está a la misma altura que otras obras.

En un principio, El Hombre que le Disparó a Liberty Valance sería un gran éxito y una de las películas más populares en su estreno. La película tiene ciertos honores fuera de su director y sus intérpretes, basado en su vestuario y su composición musical. La disputa posterior sobre su calidad se debatía en los grandes directores admirándola y algunos críticos no entendiendo la pasividad del filme. La película es sin duda un atípico western para Ford pero es una gran conclusión a sus épicas aventuras. Una apuesta junto a dos grandes monstruos del cine es la estrategia perfecta para una despedida. Ford todavía tendría unas cuantas películas bajo su brazo pero como la despedida de muchos grandes directores sus últimas entregas no tendrían tanto brillo pero su despedida ya estaba entregada con este filme.

Datos.

Título Original: The Man who Shot Liberty Valance
Dirección: John Ford
Año: 1962
País: Estados Unidos
Intérpretes: John Wayne, James Stewart, Vera Miles, Lee Marvin, Edmond O’Brien, Andy Devine, Ken Murray, John Carradine, Jeanette Nolan, John Qualen, Willis Bouchey, Carleton Young, Woody Strode, Denver Pyle, Strother Martin, Lee Van Cleef, Robert F. Simon

Duración: 123 min.

EL BUENO, EL MALO Y EL FEO

Intro.

Blondie prepara una vez más la mira. Blondie dispara y todo empieza… una vez más. Las balas, los ruidos y los silencios. La rapidez para jalar el gatillo, la puntería para entender que los cuerpos deben dejar de moverse. La recompensa, la complicación y el duelo. Necesariamente debe haber un duelo y mientras Blondie observa calculando el siguiente movimiento, un feo rostro se pregunta hacia donde debería disparar.

Cuerpo.

Sergio Leone había logrado el éxito con Un Puñado de Dólares (1964) y Unos Dólares de Más (1965), fortaleciendo el género del spaghetti western. Al querer inciar una nueva entrega que cerraría con lo que se conocía como la Trilogía de los Dólares o la Trilogía del Hombre sin Nombre (por el personaje interpretado por Clint Eastwood), Leone debía encarar ciertas dificultades en el mercado, sobre todo el de Estados Unidos. Para el tiempo en que decide realizar El Bueno, el Malo y el Feo, las dos previas películas no habían sido estrenadas en suelo norteamericano y el spaghetti western era mal visto, era una especie de subgénero de mal gusto debido a la cruda violencia y a las exageraciones tomadas como humor negro. Mientras que en Europa el nombre de Leone y del spaghetti western adquirían mayores adeptos, Estados Unidos se mantenía en la demostración de su western clásico, del hombre del Oeste como el de la ley de la justicia, aunque desde los años cincuenta diferentes realizadores empezaron a cuestionar esta posición.

Estas desavenencias llevaron a la problemática de no contar con Clint Eastwood para esta tercera entrega. El actor americano no era muy afín a las técnicas de Leone y exigiría un mejor salario, aunque esto era una estrategia pues no tenía mayores roles principales y su participación en la serie Rawhide, que duró ocho temporadas, había acabado. Eastwood trató de sacarle mayor provecho al asunto asegurándose un alto porcentaje y beneficios. Leone volvió a llamar a Lee Van Cleef pues adoraba la interpretación del actor (a pesar que quería a Charles Bronson en un inicio) y dudó sobre el personaje cómico. Una primera idea era Gian Maria Volonté, pero necesitaba a alguien con mayor comicidad. Después de ver La Conquista del Oeste (1962) se decidió por Eli Wallach. El actor de origen polaco y el director italiano compartían el mismo sentido de humor sórdido y rápidamente se hicieron amigos, teniendo el actor la potestad de variar a su personaje para una mejor caracterización.

El reparto en sí es una galería de estrellas en sus tres protagonistas. Clint Eastwood se convertiría en una estrella internacional con este tipo de filmes y lograría expandir su carrera a dramas, comedias y otros géneros, incluyendo su posterior rol como director. Lee Van Cleef tuvo una carrera difícil desde comienzo de los años cincuenta donde era relegado a roles menores de villanos. Ante la indecisión de seguir actuando, fue llamado por Leone para Unos Dólares de Más y a partir de allí logró el estrellato, siendo un rostro muy reconocido en muchos spaghetti westerns. Eli Wallach fue un gran actor de carácter en el teatro y el cine, siendo reconocido por sus personajes bufonescos, que tenían su indudable marca. Junto a este trío, se encontrarían muchos actores colaboradores de Leone y reconocidos por sus incursiones en el western. Debido a que era un reparto internacional, muchos actuaban en su idioma natal y ya después se doblaban las voces. Esta técnica era muy usual en Italia en esos tiempos y en muchos casos los directores no se preocupaban por la sincronización puesto que priorizaban otros aspectos de los filmes.

El Bueno, el Malo y el Feo sería producida por Alberto Grimaldi bajo un guion construido por Leone, con la colaboración de Luciano Vincenzoni, Agenore Incrocci y Furio Scarpelli (estos dos últimos conocidos en el cine como Age & Scarpelli). La cinematografía corrió a cargo de Tonino Delli Colli y la música estuvo a cargo del maestro Ennio Morricone. Toda una institución en el medio, Morricone es tan artífice del éxito de ciertas películas y algunos spaghetti westerns en su haber, siendo las sinfonías creadas para esta película como una de las más influyentes y populares de todos los tiempos. Con más de cuatrocientas composiciones en cine y televisión, es esta trilogía de Leone con la cual alcanzó la fama internacional. El filme no sería bien recibido en un principio, sobre todo en Estados Unidos donde las tres películas fueron estrenadas con retraso en un mismo año, 1967. Pero esto ocurrió sobre todo por la poca simpatía que tenía el spaghetti western en su momento. El Bueno, el Malo y el Feo se ha convertido en la película central de Leone y en una gran influencia para un gran número de realizadores.

El Bueno, el Malo y el Feo (cuya traducción correcta debería ser El Bueno, el Feo y el Malo) tiene todos los elementos de una realización de Leone. Los silencios, los extendidos close-ups, así como el uso del plano general del espacio, además del aprovechamiento del widescreen. El uso de la música, que específicamente encierra a los personajes con un tema específico y como también busca crear tensión y melancolía, se une con la rigurosidad del director italiano por perfeccionar al milímetro las escenas. Este sería el motivo por lo cual Eastwood decidió no volver a trabajar con Leone, a pesar de ofrecerle el rol principal de su ópera prima Érase una vez en el Oeste (1968). Leone también mostraba una violencia desmedida puesto que entendía que esta era un fórmula frecuente en el Oeste y por su necesidad de mostrar un realismo camuflado, la exageración y el humor negro eran parte también de sus intereses, de lo cual solo nos demuestra su maestría, ya que sería gracias a él que este subgénero sería tomado en cuenta y revalorado como una fuente para algunas de las películas más grandes de todos los tiempos.

Datos.

Título Original: Il Buono, il Brutto, il Cattivo

Dirección: Sergio Leone

Año: 1966

País: Italia

Intérpretes: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Mario Brega, Luigi Pastilli, Al Mulock, Antonio Casas, Antonio Casale, Antonio Molino Rojo, Rada Rassimov, Enzo Petito, Chelo Alonso, Claudio Scarchilli, John Bartha, Livio Lorenzon, Sandro Scarchilli, Benito Stefanelli

Duración: 177 min.