UN PERRO ANDALUZ

Intro.
 
Un momento complicado. Ser sagaz. Ir en contra de lo establecido e inundarnos de arte y de sangre. Salir a caminar una mañana en búsqueda de preguntas. Tener el mejor traje del lugar y entender que el lodo en tus pies sigue subiendo. ¿Cómo quieres explicar en palabras lo que se manifiesta numéricamente? Incrusta tu mirada en todo aquello que se mueve de forma sincronizada. Ahora destrúyelo.

Cuerpo.

 
Hablar del movimiento surrealista, de Luis Buñuel y de Un Perro Andaluz es un tema complejo en cuanto al arte, su intencionalidad y su funcionalidad. El surrealismo como movimiento cultural busca impactar al espectador a partir de presentaciones inusuales o ilógicas que están relacionados con el lado inconsciente de la persona, en muchos casos como deseos reprimidos o en búsqueda de ir en contra de lo establecido. Comandados por André Breton, el surrealismo es una manera diferente de percibir la realidad y en caso de la mayoría de estos artistas se busca crear un impacto que en muchos casos es rechazado por la sociedad. Buñuel como director sería un representante fiel del movimiento.

Con una duración de solo 21 minutos, música de Wagner y escrita por Buñuel y el pintor Salvador Dalí, Un Perro Andaluz se encuentra repleta de simbolismos que han llevado a numerosos análisis y estudios al respecto. Encontraremos de entrada la icónica escena del mismo Buñuel observando como una nube corta la luna para después hacer lo mismo con una navaja y el ojo de una mujer. Después un joven en su bicicleta vestido de monja se estrella con la acera. La mujer de la primera escena arregla la ropa del joven en la cama mientras este le muestra un agujero en su mano de donde salen hormigas. Una imagen de una axila femenina unida a otras en donde una mujer recoge una mano que se encuentra en la calle mientras diversos carros pasan junto a ella hasta ser atropellada. El joven que observa el incidente comienza a manosear los senos de una mujer y se detiene para arrastrar a partir de cuerdas dos pianos con cabezas de burros y padres arrastrándose, siendo uno de ellos, Dalí. Nos encontramos en otra etapa en donde dos hombres se confunden entre ellos hasta la muerte de uno y después de ciertas imágenes perturbadoras la mujer se queda con el primer hombre.

La idea de Buñuel es no seguir una historia lineal y dejarse llevar por sus obsesiones y perversiones. Colaborando con Dalí en el guion, Buñuel construye su historia a partir de sueños y van formando un constructo que no se inscriba en lógicas o explicaciones definitivas. Asociado al psicoanálisis, ambos artistas buscan penetrar en el inconsciente humano dejando de lado las convenciones morales o las historias estructurales, llevando su producto a terrenos insospechados e inaceptables para la sociedad de su tiempo.

Ante la sorpresa de Buñuel, la presentación del filme fue más que aceptable. Tanto los surrealistas como otros artistas tomaron la presentación como algo nuevo, moderno y necesario. Claro está que el público en general no aceptó la película y buscó diferentes maneras de que sea prohibida, sin mayor logro. Este sería el comienzo de la controversia contra Buñuel durante toda su vida. Sus representaciones solamente tentarían la paciencia del público a partir de sus ataques contra la religión, la moralidad y lo admisible. Un director comprometido con su arte, Buñuel buscaría imponer sus ideas pero sería prohibido en muchos lugares, con muchos recortes y en ciertos exilios. Su filmografía de alguna forma es la muestra de un artista condenado por la ideología de su país pero encontrando los métodos para librarse de ese yugo.

Datos.
 
Título Original: Un Chien Andalou
Dirección: Luis Buñuel
Año: 1929
País: Francia
Intérpretes: Simone Mareuil, Pierre Batcheff, Luis Buñuel, Salvador Dalí, Robert Hommet, Kieran Agterberg, Fano Messan, Jaime Miravilles
Duración: 21 min.

LA EDAD DE ORO

Intro.

Un día caminando sin sentido. Lastimando sin sentido. El amor es aquello que se vislumbra en blanco y negro sobre los televisores pero cuando trato de imitarlo es una acción totalmente diferente. Y me siento incómodo cuando mi reflejo señala actos de los cuales no tengo mayor habilidad pero allí estoy yo, creando formas y estímulos a los cuales seguidamente les daré nombre. Mientras saco pedazos de piano de mis bolsillos, unos niños empiezan a construir el instrumento musical, solamente para quemarlo en épocas de guerra. Yo sigo sin entender cómo resolver la interrogante de la música mientras arranco mi pierna izquierda para escribir un poema.

Cuerpo.

El movimiento surrealista buscaba explicar o dar forma a la combinación entre lo que era la realidad y los sueños, y así, crear una nueva realidad o una especie de hiperrealidad. Esto llevaba a técnicas muy particulares en las diferentes formas artísticas a inicios del siglo XX. Si bien es Breton la cabeza del movimiento, en España surge un trío de artistas que con el devenir de los años se convertirán en una fuerza total y representativa de su tiempo. Con Luis Buñuel en la dirección, Salvador Dalí en la pintura y Federico García Lorca en la literatura, España contaría con representantes llevados a lo exceso y a la excelencia del movimiento, convirtiéndose cada uno en artistas de altísima calidad.

Buñuel fue un provocador de aquellos estamentos que en su país no se debían cuestionaban. Un ser en contra de la religión católica y la decencia, sobre todo con el tema sexual, el director español desarrollaría temáticas surrealistas y formas de representarlo en pantalla que lo harían único en su medio. Comenzaría como asistente de dirección para el gran Jean Epstein y en 1929 debutaría con su corto El Perro Andaluz. Escrita junto a Salvador Dalí, el cortometraje les abriría las puertas al movimiento surrealista y a la libertad de crear fuera de estos círculos, debido a las temáticas cada vez más extremas. Aclamados por el mundo intelectual pero despreciados por el público en general, ambos se embarcarían en su siguiente proyecto.

La Edad de Oro fue idealizado como un cortometraje financiado por el vizconde Charles de Noailles y su esposa Marie-Laure. Ambos eran patrones del arte y financiaron a diferentes personalidades como Jean Cocteau, Man Ray, Francis Poulenc, Baothus, entre otros. Fascinados por El Perro Andaluz decidieron que Buñuel repita su hazaña. Cuando el proyecto devino en un largometraje, se le permitió a Buñuel continuar. Durante el proceso, Buñuel y Dalí no pudieron sobrellevar ciertas diferencias políticas y Dalí saldría del proyecto acusando a Buñuel de ir en contra de la religión, lo cual terminaría causándole problemas. Buñuel ante la falta de experiencia técnica firmaría todo secuencial, utilizando cada porción de metraje que le fue proporcionado.

El filme cuenta con ciertos personajes de renombre. Gaston Modot sería un actor desde comienzos de siglo en el cine mudo llegando a trabajar con una diversidad increíble de directores de gran calidad como Buñuel, Carné, Renoir, Gance, entre tantos otros, en una carrera que duraría siete décadas. Su coprotagonista, la actriz alemana Lya Lys tendría en esta su mejor performance, por el cual sería reconocida pero no llegaría a brillar posteriormente en Hollywood. Junto a ellos encontramos a la prolífica artista Max Ernst, al artista en cerámica y colaborador de Joan Miró, Josep Llorens Artigas, y a la poetiza surrealista Valentien Penrose. La Edad de Oro se estrenaría en París pero grupos extremistas bloquearían el estreno y la prensa también jugaría un rol importante en una comunidad de influencia católica. Charles de Noailles debió retirar la película de circulación debido a las amenazas y a su reputación. La película no volvería a ver la luz hasta 1979.

La Edad de Oro es una experiencia eminentemente surrealista. Bajo el concepto de rechazar la lógica y abrazar lo inadmisible, Buñuel se vuelve en esta figura provocativa buscando relatar la historia de amor menos convencional, la cual está guiada por las pasiones carnales y los fetiches. Las referencias en cuanto a la burla contra la sociedad burguesa y todo lo que representa inspira en Buñuel a colocar imágenes poco usuales como una pareja imitando relaciones sexuales en el barro, golpes a animales, fetichismo sexual al chupar el dedo del pie de una estatua, la relación temática entre Jesús y el marqués de Sade, entre otras tantas, buscando escandalizar a una sociedad que el director español considera hipócrita y que merece aceptar el filme como tal. La fama y carrera de Buñuel contaría con muchísimos tropiezos y privaciones pero lo llevarían a convertirse en uno de los directores más originales y propios de todos los tiempos.

Datos.

Título Original: L’Age d’Or

Dirección: Luis Buñuel

Año: 1930

País: Francia

Intérpretes: Gaston Modot, Lya Lys, Caridad de Laberdesque, Max Ernst, Josep Llorens Artigas, Lionel Salem, Germaine Noizet, Duchange, Valentine Penrose

Duración: 63 min.

EL ESTUDIANTE DE PRAGA

Intro.

¿Qué darías por tu comodidad? A veces pensamos que pequeños detalles son insulsos acompañantes y por lo tanto, podemos deshacernos de ellos. Pero, cuidado, no tenemos en cuenta todo lo que puede significar el sacrificio y menos aun podemos entender como los sacrificios volverán a nosotros como condenas. ¿Es necesario ser y estar? O tal vez simplemente somos títeres tratando de entender un punto sin solución: nuestros actos no pueden ser deshechos.

Cuerpo.

El Estudiante de Praga es la obra maestra de Henrik Galeen. El actor, guionista y director austriaco comenzó como asistente del gran productor teatral Max Reinhardt, del cual aprendió muchas de las labores de este medio artístico. Seguidamente, Galeen se convirtió en actor, lo cual le dio cierta popularidad. Sería recién en 1913 cuando se vio envuelto en el mundo del cine como guionista, pero muchas de sus primeras colaboraciones no llevarían su nombre. Entendiendo el rol de guionista y actor, y aprendiendo a partir de colaborar en diferentes aspectos, Galeen se aventuró a escribir, dirigir y actuar en su primer gran proyecto: El Golem de 1914. La película y posteriores contribuciones muestran la gran influencia de Galeen al expresionismo alemán en donde también demostraría sus dotes, siendo una de sus mejores colaboraciones como guionista de Nosferatu (1922) y Figuras en Cera (1924).

Con una influencia faustiana, El Estudiante de Praga nos muestra la eterna batalla entre el ser humano y el diablo. La película es un remake de su homónima de 1913 dirigida por Paul Wegener y Stellan Rye. Lo que la diferencia de su primera versión es el grado de experimentación así como los motivos utilizados en el expresionismo alemán y la pericia de Galeen al entender mucho de los aspectos creativos del filme. Para ello también se unió a nombres importantes del cine alemán. La cinematografía corre a cargo de Günther Krampf, un creador poco reconocido pero que fue parte del cine alemán en su etapa muda, siendo representante del naturalismo. El director artístico sería Hermann Warm, otro gran contribuyente del expresionismo alemán quien trabajaría con directores como Lang, Dreyer y Wiene.

Dentro del reparto nombres muy importantes surge. El rol protagónico está a cargo de Conrad Veidt. Uno de los actores alemanes más importantes del cine mudo, Veidt es una fuerza innegable dentro del expresionismo y un actor exquisito. Ya sea como el fantasma Cesare en El Gabinete del Doctor Caligari, el deformado Gwynplaine en El Hombre que Ríe, el desquiciado Paul Orlac en Las Manos de Orlac o como Ivan El Terrible en El Hombre de las Figuras en Cera, Veidt es un actor colosal siendo en su tiempo uno de los actores alemanes mejores pagados. La ascensión del nazismo cortó su carrera, huyendo de Alemania junto a su esposa judía, tratando de rehacer su carrera en Inglaterra y posteriormente en Estados Unidos. Debido a problemas con el lenguaje y estereotipos, Veidt sería un actor interesante en roles secundarios como en Casablanca (1942).

Junto a Veidt, el gran actor Werner Krauss es parte de El Estudiante de Praga. Otro colaborador de Max Reinhardt, Krauss se convirtió en una leyenda en los teatros y comenzó a desarrollar su carrera cinematográfica a mediados de los años diez. Su dedicación en el campo actoral se fijó en interpretar personajes malévolos, algo por lo cual sería muy aclamado. Pero ante la llegada de la guerra, Krauss se mostró pronazi y fue promocionado como el mejor actor del régimen, siendo el protagonista de la película representativa del Third Reich, El Judío Sub. Muy aclamada en Alemania, los efectos después de la guerra no se hicieron esperar. Krauss desaparecería del medio siendo desterrado a Austria e incluido en un programa contra las ideas antisemitas.

El Estudiante de Praga sería exitosa en resaltar aún más a sus participantes, ya que muchos de ellos eran rostros conocidos y aclamados del cine. La actriz rumana Elizza La Porta se haría una celebridad y a muchos de ellos les esperarían interesantes proyectos. La película es una muestra de arte en cuanto a construir la fatalidad de un hombre con ciertas habilidades pero sin los medios necesarios para ser alguien en el mundo. Un trato con el diablo simplemente concretará su ruina, como suele suceder en estos tipos de negocios. Después la lucha interna y su némesis a través de su reflejo simplemente nos acercan a lo inevitable. Como Galeen maneja los momentos, el juego de cámaras, los efectos especiales es de una tónica magistral. Veidt nos muestra todos los tormentos de su personaje así como su alegría y ciertos descensos a la locura. Krauss no necesita mucho tiempo en pantalla para ser lo suficientemente amenazador como Scapinelli. La película es un gran ejemplo del horror en el cine mudo.

Datos.

Título Original: Der Student von Prag

Dirección: Henrik Galeen

Año: 1926

País: Alemania

Intérpretes: Conrad Veidt, Werner Krauss, Elizza La Porta, Agnes Esterhazy, Fritz Alberti, Ferdinand von Alten, Erich Kober, Max Maximilian, Sylvia Torf, Marian Alma, Adolf Peter Hoffmann

Duración: 91 min.

LOS OLVIDADOS

Intro.

Todos los nombres están borrados. Sus rostros los puedes recordar, pero de alguna manera escapan de tu memoria. Eran niños y seguirán siendo niños cada vez que no puedas observar la violencia en las calles, cada vez que no descubras la máscara en tu rostro y no trates de removerla.

Cuerpo.

Buñuel siempre tendría muchos problemas de censura en su carrera, debido a la temática y a ciertos extremos que se permitía en sus producciones. La búsqueda de originalidad y arte en sus producciones lo aislaron de Francia por L’Age d’Or (1930), una película que “atacaba” a la religión y las buenas costumbres, y que sería prohibida por más de cuarenta años. Después, Las Hurdes: Tierra sin pan (1933) sería duramente criticada y prohibida en España por las muestras de pobreza, siendo considerada antirevolucionaria. Todos estos problemas y la falta de adaptación a los modelos hollywoodenses hicieron que Buñuel terminara en México, en donde permanecería el resto de su vida.

México se encontraba en la llamada era dorada del cine, en donde la industria era una de las más rentables del país, contando con estrellas de todo calibre y se abría paso al cine internacional. Buñuel estaba en contactos con el productor ruso Óscar Dancigers para hacer su primera película en México. El resultado sería Gran Casino (1947) y a pesar de contar con las estrellas de Libertad Lamarque y Jorge Negrete sería un fracaso de taquilla. El siguiente proyecto fue El Gran Calavera de 1949 y sería exitosa, probando mayor credibilidad al director español y dándole la ventaja de escoger su siguiente proyecto con cierta libertad. El resultado sería la polémica Los Olvidados.

Dancigers estaba buscando crear una película sobre la pobreza en México pero de una perspectiva seria y critica. Buñuel accedió a ello, a pesar de tener otras ideas en mente, y junto a Jesús Camacho idearon un guion para un drama realista, pero que también contenía mucho de las temáticas de Buñuel, sobre todo el surrealismo. Como era usual en el director del español, las convenciones de como crear un drama no se ajustaban a las usuales y esto también formaría parte de controversia. La película no sería muy bien tomada desde un inicio. Varias personas conectadas con el filme tuvieron que ser separadas o renunciaron debido a que entendieron que Buñuel mostraba un México pobre y ruin, y ello no proyectaba los valores o la mejor faceta del país. Al momento de su estreno, muchos detestaron lo que vieron en pantalla e incluso hubo intentos de agresión en contra de Buñuel. Este continuo malestar provocó que Dancigers sacara la película de circulación tras tres días de exhibición.

Uno de los más grandes admiradores de Los Olvidados sería el escritor Octavio Paz y sería gracias a él que la película obtendría mayor exposición, logrando que fuera admitida como selección de México para el Festival de Cannes en 1951. Su incesante labor logró que muchos surrealistas y artistas europeos vuelvan su mirada hacia el proyecto de Buñuel, convirtiéndolo en una celebridad y restaurando su calidad y confianza en México. Buñuel sería galardonado como mejor director en Cannes y con el Premio Internacional de los Críticos del Fipresci. La película sería un ejemplo de la desolación y la crueldad provocada por la pobreza, siendo en el 2003 una de las películas, junto a Metropolis, en ser elegida como parte del Programa Memoria del Mundo de la Unesco al ser considerada patrimonio histórico mundial.

Los Olvidados nos centra en la realidad de niños en las calles siendo parte de la miseria. Debido a la falta de roles paternos ideales y de la arraigada pobreza que afecta a las familias de cada uno, si es que cuentan con una, estos seres humanos simplemente responden a sus instintos primarios y a convertirse en parte de una jungla que entiende que el más fuerte o el más astuto debe sobrevivir a costas de los demás. Esta ejemplificación nos muestra grupos definidos pero nada funcionales en cuanto a soluciones se trata: están aquellos que quieren ayudar pero que no son suficientes, aquellos que tratan de cambiar pero el medio no se los permite y aquellos cuyos actos erróneos no pueden ser enmendados y peor aún, se multiplican cada vez más. Si bien parecemos estar ante un filme sin esperanza, nos encontramos sobre todo ante un filme de reflexión. El ser humano es víctima porque su sociedad es víctima al no buscar la solución totalitaria. Ante esta incomprensión por desarrollarse como conjunto muestra carencias individuales cuyas desigualdades existen debido a una realidad inamovible: el ser humano en muchas de sus variantes no se permite coexistir con su par. Ese es exactamente el dilema. Ernesto Alonso sería parte de la película con una voz en off que nos remite a un final devastador, algo que trataron de corregir con un “final feliz”, pero que se mantendría más como anécdota que como parte del resultado final. Buñuel se mantendría en México explotando sus temáticas y paulatinamente el mercado internacional también formaría parte de sus futuros logros.

Datos.

Título Original: Los Olvidados

Dirección: Luis Buñuel

Año: 1950

País: México

Intérpretes: Stella Inda, Miguel Inclán, Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina, Jesús Navarro, Efraín Arauz, Jorge Pérez, Javier Amézcua, Mário Rámirez

Duración: 80 min.