UMBERTO D.

Intro.

Inmediatamente en un abrir y cerrar de ojos nos encontramos ancianos y débiles. Nuestros conocimientos acerca de la vida no parecen tan relevantes o tan poderosos como para poder seguir adelante. No tenemos respuestas. No entendemos más la diferencia entre el día y la noche. Aún así tratamos de protegernos, tratamos de imitar a alguien que se asemeje a nosotros, a nuestras esperanzas, a nuestros deseos. Un rostro definido por todas sus líneas de sabiduría.

Cuerpo.

Vittorio de Sica es uno de los grandes renovadores del cine italiano durante la etapa del neorrealismo. Durante este período creo algunos de los ejemplos más precisos del cine como arte, influenciado así por siempre la manera de crear y de ver el séptimo arte. De Sica variaría su trabajo entre la dirección y la actuación, bajo la consigna de actuar para poder financiar sus proyectos. Gracias a sus colaboradores impactó al mundo y junto a otros directores del género puso al cine italiano como uno de los grandes exponentes mundiales del cine.

Umberto D fue una colaboración en el guión entre De Sica y Cesare Zavattini. Zavattini fue uno de los grandes teóricos del cine, creando alrededor de ochenta películas en colaboración de los grandes directores de Italia. El dúo De Sica/Zavattini fue una de las colaboraciones más importantes del cine creando clásicos como Limpiabotas (1946) y Ladrón de Bicicletas (1948), entre otras. La dinámica entre estos dos grandes realizadores imprimió en sus películas la humanidad necesario para tocar al público y para demostrar la angustia del ser humano frente a la pobreza y a su realidad. Como parte del género, muchos de sus clásicos tenían como reparto a actores no profesionales, lo que también era un punto vital dentro del esquema de sus películas.

Umberto D es un homenaje del director hacia su padre. De Sica muestra la patética situación de un hombre viejo tratando de sobrevivir dentro de una sociedad que ya no lo necesita y cuya gente ya no desea apoyarlo. Siendo un magnífico ejemplo del neorrealismo, Umberto D no solo muestra la indiferencia de la sociedad frente al ser humano, sino también la enajenación misma del ser, quien enfrenta las respuestas vacías de los demás y sus propias inhibiciones que no le permiten salir de la situación en la que se encuentra. La película expone igualmente un toque de sensibilidad sobre el personaje, un entendimiento de la condición humana que es un toque personal del director italiano: la esperanza como uno de los males dentro de la Caja de Pandora y que se mantiene dentro de nosotros, recordándonos cuan fútiles somos ante la cruda realidad.

Datos.

Título Original: Umberto D.
Dirección: Vittorio de Sica
Año: 1952
País: Italia
Intérpretes: Carlo Battisti, Maria-Pia Casilio, Lina Gennari, Ileana Simova, Elena Rea, Memmo Carotenuto
Duración: 89 min.

LAS DAMAS DEL BOSQUE DE BOULOGNE

Intro.

Y cuando estés confundida, da un paseo por el bosque. Cuando estés afligida, deja pasar los minutos a través de tus pasos y lentamente déjate llevar por los senderos que evocan cualquier momento menos tus conflictos. Cuando estés enojada empieza a crear un bosque de intrigas y cuando desees tomar su cuello y destruirlo simplemente suéltalo, y procura que el tiempo sea un mejor asesino que tu propia venganza.

Cuerpo.

Las Damas del Bosque de Boulogne es el segundo largometraje de Bresson y el último en utilizar actores profesionales. A partir de este punto Bresson se convertiría en un director de culto, apoyado en sus temáticas realistas y religiosas, así como el uso de actores no profesionales y de técnicas de filmación básicas. Bresson es uno de esos directores con una firma propia, su estética para abordar una película es única, así como su incesante búsqueda de la perfección de sus ideas. Así también fue un director complicado y meticuloso cuya carrera se expandió en solo trece películas, muchas de las cuales son vistas ahora como obras maestras del cine.

Las Damas del Bosque de Boulogne es un ejemplo único de Bresson trabajando a partir de ciertos códigos dentro del cine que más tarde se extirparía. Esto en cierta manera no cobra el real calibre de la versatilidad de Bresson debido a su poco apego por trabajar con actores profesionales y a la aún no desarrollada técnica que lo convertiría años más tarde en un creador de culto. Aún así, es innegable el control del director en su obra, que en este caso se ve también apoyado por la excelente actuación de la actriz española María Casares. Casares actuó en el cine francés durante gran parte de su carrera y tendría una corta pero fructífera carrera en el cine trabajando al lado de Cocteau, Bresson, Carné y Christian-Jaque. Su carrera estuvo más ligada al teatro, siendo la primera extranjera en actuar en el teatro de la Comédie-Française.

Como futuros proyectos de Bresson, Las Damas del Bosque de Boulogne nos muestra a un director tomando un motivo y haciéndolo suyo. En este caso, nos encontramos ante una historia de venganza que paulatinamente empieza a crear toda una trama y toda una estrategia de calibrada calidad. Bresson propone los actos como la condición humana llevada por sus pasiones, así los actos de los protagonistas están basados por la razón, pero no pueden ser totalmente controlados cuando las sensaciones y los sentimientos se ven envueltos. La película es la placentera calma previa a los grandes eventos creados por el director. Sin sus obsesiones impregnadas sobre la existencia y la religión, podemos notar en Las Damas del Bosque de Boulogne los trazos que demarcarán sus futuras obras y un elemento muy particular de Bresson, el de mostrar la realidad como un conjunto de movimientos que parecen alejarse de la lógica humana pero que en realidad buscan motivar todo lo contrario: configurar al ser humano a partir de sus delirios, su problemática y su silencio.

Datos.

Título Original: Les Dames du Bois de Boulogne
Dirección: Robert Bresson
Año: 1945
País: Francia
Intérpretes: María Casares, Paul Bernard, Elina Labourdette, Lucienne Bogaert
Duración: 84 min.

SINFONÍA DE LA VIDA

Intro.

Nuestra vida es un secreto solamente compartido con el tiempo. Nuestros momentos quedan marcados como el inmortal viento observando futuras y futuras generaciones. En breves segundos observarás tu vida pasar y te preguntarás que pudiste cambiar, que decisión pudo haber sido diferente y cuantas veces debiste haber dicho te amo. En contados segundos todo aquello estará en ti como gotas de lluvia y cuando haya acabado sentirás tu existencia como la noción más extraña del mundo: todas las concepciones que pudiste reconocer en tu vida se definen en simples palabras.

Cuerpo.

Sam Wood fue un director que se desarrolló desde los comienzos del cine mudo siendo asistente de Cecil B. DeMille y tomando las riendas de la dirección en 1919. Wood tendría una carrera fructífera en diferentes estudios dirigiendo siempre a las grandes estrellas del momento y realizando películas destacadas que ya son parte del imaginario de Hollywood.

La fórmula de los melodramas expone una trama simple pero efectiva. Las emociones y la nostalgia son las principales fuentes de donde se nutre el estilo hollywoodense y que se ve caracterizada por la personalidad de su director. Así, Hollywood nos ha brindado momentos memorables dentro de la historia del cine, creando una infinidad de razones por las cuales la predominancia de talentos puede brindar resultados totalmente aceptados por el público y por los críticos. Los melodramas han mantenido su vigencia por esa asociación con una realidad muy particular, hombres simples y mujeres simples hacen frente a sus problemas y dentro de todo logran superarlos, con esfuerzos, con sacrificios e inclusive cuando el final feliz no es siempre esperado si es esperado aquello que hace del ser humano algo muy especial: su voluntad como su mayor insignia ante un mundo que no parece comprenderlo.

Sinfonía de una Vida es un sensible tratamiento sobre la vida de un pueblo, relatando sus vivencias de una manera poco ortodoxa, pero cuyo encanto reside en el tipo de narración, que es una copia fiel de la obra teatral de Thorton Wilder. La película sería nominada para diferentes Oscar, entre ellas a la de mejor película. Sinfonía de una Vida sería bien recibida y su construcción melancólica probaría ser un fuerte mensaje dentro del público. El reparto, entre los cuales se encuentra un joven William Holden, también sería parte importante de la película. Muchos de los actores tenían vasta experiencia dentro de Hollywood y sus rostros eran muy familiares para toda la audiencia. La armonía dentro de la película se ve resaltada por los elementos atípicos ante los cuales nos enfrentamos y que transcurren como parte del delicado tratamiento de una película que si bien mantiene todos los aspectos formales de un melodrama, imprime la fuerza de indagar en un nivel más sofisticado nuestras dudas con respecto al amor, la vida y la muerte.

Datos.

Título Original: Our Town
Dirección: Sam Wood
Año: 1940
País: Estados Unidos
Intérpretes: William Holden, Martha Scott, Fay Bainter, Beulah Bondi, Thomas Mitchell, Guy Kibbee, Stuart Erwin, Frank Craven, Doro Merande
Duración: 40 min.

EL NAVEGANTE

Intro.

Cuando estés navegando, ten cuidado que se hunda tu barco. Si se hunde tu barco, ten cuidado con ahogarte con una expresión tonta en tu rostro porque las fotografías no perdonan. Cuando tengas tu barco, considera en decir que no es tu barco y te verás navegando algo que no conoces y de repente el mar es más desconocido aún y tú eres una persona que ya me olvide su nombre. Antes de salir a tomar un paseo en tu barco solamente te digo algo: ten cuidado que te hundas… en grandes pensamientos.





Cuerpo.

Uno de los comediantes más grandes de Estados Unidos, Buster Keaton, fue también una de las grandes figuras del cine mudo. Es considerado el cómico más importante de esta etapa del cine después de Charles Chaplin. Su humor y su ingenio le valieron numerosos reconocimientos y su particular acercamiento a la comedia fue uno de los tantos logros del cine mudo. Keaton había desarrollado un personaje, al igual que Chaplin había hecho con el vagabundo, en el cual sus expresiones faciales eran mínimas o nulas en algunos casos. Sus historias derivaban de la simple fórmula del joven enamorado, o del hombre tratando de ser un héroe o venciendo las adversidades. Gracias a ello, y con la ayuda de diferentes directores, Keaton logro desarrollar un cuerpo de trabajo que sería esencial para la comedia física e intelectual.

Keaton siempre contó con el apoyo de diferentes realizadores y escritores que le ayudaron a crear sus películas. En el caso de El Navegante, el guión corre a cargo de Clyde Bruckman, uno de los más cercanos colaboradores de Keaton con quien trabajó en diferentes películas e inclusive codirigió El Maquinista de la General (1927). Bruckman tiene un extenso cuerpo de trabajo al lado también de El Gordo y el Flaco, Los Tres Chiflados, W. C. Fields, Abbott y Costello, y Harold Lloyd. El Navegante fue codirigida por Donald Crisp, uno de los actores más respetados de Hollywood cuya influencia era innegable en cuanto a la realización de muchos de los proyectos en los cuales estaba envuelto. Gracias a su colaboración con el genio del cine mudo, D. W. Griffith, aprendió las técnicas de dirección y rápidamente se desarrollo como director y actor. Crisp filmaría alrededor de setenta películas, ganaría un Oscar por mejor actor secundario y tendría un legado innegable dentro de Hollywood.

El Navegante es una comedia de enredos típica de Keaton, en donde nuestro “héroe”, ese hombre común y corriente, decide formalizar su compromiso con el amor de su vida, interpretada por Kathryn McGuire. McGuire sería una actriz que trabajaría en el cine mudo y cuyas dos películas más importantes vendrían de la mano de Keaton, siendo la segunda Sherlock Jr., también de 1924. Keaton y McGuire probarían ser una pareja interesante dentro de estas dos producciones y ambas serían alabadas por público y crítica. Keaton realizaría sus más elaboradas maniobras físicas en El Navegante disfrutando así su mejor éxito comercial y demostrando ser este su punto fuerte, ya que en cada producción Keaton exponía su físico a pruebas cada vez más arduas y audaces.

Datos.

Título Original: The Navigator
Dirección: Buster Keaton/Donald Crisp
Año: 1924
País: Estados Unidos
Intérpretes: Buster Keaton, Kathryn McGuire, Frederick Vroom, Clarence Burton, H. N. Clugston, Donald Crisp, Noble Johnson
Duración: 59 min.

MESAS SEPARADAS

Intro.

Nos conocemos de tanto tiempo y vivimos tan cercanos el uno del otro… pero no sé. Nuestras palabras, nuestros movimientos, todo parece responder a un exacto y preciso orden donde cada cual cumple una función y se mantiene en una línea… pero no sé. Últimamente me he estado preguntando qué sucede entre nosotros y tantas cosas más… pero no sé. Tal vez sea solo yo tratando de entender un poco más mi ambiente, o tratando de entender un poco más que sucede entre tú y yo.

Cuerpo.

Delbert Mann fue un director no fue uno de los grandes directores de Hollywood, pero contó con un gran éxito, Marty (1955). Aclamada tanto en Estados Unidos con el Oscar a la mejor película y en Europa con la Palma de Oro en Cannes, Marty probó ser su mejor película y la única de un éxito tan desmedido. Con pocas películas en su haber y con bastante trabajo en televisión, Delbert Mann contó con éxitos medianos de gran intensidad, pero fue opacado por su tiempo y por otra talla de directores. Aún así, Mann logró crear algunas películas muy queridas dentro de su tiempo y que obtuvieron cierto reconocimiento antes que su trabajo se concentrara sobre la televisión.

Mesas Separadas sería un éxito de taquilla y crítica. Realizada en 1958 y tomada de la obra de teatro de Terence Rattigan, sería nominada a siete Oscar ganando dos estatuillas en la actuación (Niven y Kerr). La película sería adaptada por el mismo Rattigan con colaboración de John Gay y John Michael Hayes. Esta sería una de las producciones de la formada asociación Hecht-Hill-Lancaster (HHL), quienes tendrían en su haber algunas importantes creaciones. Dicha asociación contaba en sus filas con Burt Lancaster que sería tanto actor como productor.

Mesas Separadas cuenta con un guión impecable impregnado de grandes actuaciones. Historias personales interconectadas a través de un espacio en común es la propuesta del director para manejar los hilos de la trama. Por un lado encontramos a Rita Hayworth en lo que parece ser uno de sus últimos roles de importancia. Con una difícil relación con los estudios, la carrera de Hayworth fue intermitente, basándose en fascinantes interpretaciones pero también en períodos de ausencia y roles designados por su estudio. En Mesas Separadas, Hayworth es una actriz de carácter que sabe tomar la pantalla y cederla a través de su personaje. Junto a ella, se encuentra el actor/productor Burt Lancaster. Con una carrera inigualable y aún más por demostrar (ganaría el Oscar en 1960 por Elmer Gantry), Lancaster es un icono americano que se mantuvo vigente durante varias décadas combinando su status en Hollywood con algunos filmes de gran relevancia en Europa y su rol de productor. Lancaster es un símbolo dentro de la industria del cine y el dominio de sus personajes puede ser palpable en la gran mayoría de sus películas.

Por su parte, Deborah Kerr también era una actriz consagrada. Desde sus comienzos en el Reino Unido, hasta su llegada a Hollywood, Kerr es una actriz tradicional con roles que desafían cualquier crítica. En Mesas Separadas logra una de sus mejores interpretaciones, con el reconocimiento de un Oscar a su trabajo. Así mismo, David Niven, otro actor proveniente de la península británica, fue galardonado con una estatuilla. Un actor que alternaba el drama con la comedia (y por lo cual su reconocimiento siempre alterna según la crítica), Niven tuvo grandes roles durante toda la extensión de su carrera y se mantuvo activo hasta comienzos de los años ochenta. En otros roles secundarios aparecen grandes actrices de teatro y cine inglés como Wendy Hiller y Gladys Cooper que simplemente dan más brillo a toda la producción. Un acierto y un manejo de dirección impecable hacen de Mesas Separadas un perfecto análisis del carácter humano y de la angustia que se encuentra en nuestro interior, esa angustia que no se demuestra con gritos y exabruptos, sino con ese silencio constante, aquel que consume todos nuestros años.

Datos.

Título Original: Separate Tables
Dirección: Delbert Mann
Año: 1958
País: Estados Unidos
Intérpretes: Burt Lancaster, Rita Hayworth, Deborah Kerr, David Niven, Wendy Hiller, Gladys Cooper, Cathleen Nesbitt, Felix Aylmer, Rod Taylor, Audrey Alton, May Hallatt, Priscilla Morgan
Duración: 100 min.

PIERROT EL LOCO

Intro.

No estoy loco, pero estoy hablando con una cámara. Porque yo me llamo Ferdinand, no Pierrot. Y no estoy loco, porque hay una mujer a mi lado que me recuerda que no estoy loco cada vez que dudo sobre mi locura. Pero en realidad, ¿cómo alguien puede estar loco cuando se pone primero las medias y después los zapatos? Yo tengo una pequeña línea en mi mano que es mi línea de suerte. Dime, mi amor, ¿en qué piensas?

Cuerpo.

Jean-Luc Godard es uno de los padres de la nouvelle vague. El movimiento se definía por una desligación total con anteriores períodos en el cine francés, sobretodo con el realismo poético de los años treinta. Los directores del movimiento comenzaron como críticos del cine en la revista Cahiers du Cinema, revalorando algunos clásicos directores de Hollywood como John Ford, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Nicholas Ray, entre otros. A partir de allí, diferentes directores comenzaron a crear sus obras a partir de sus edictos, como los temas existenciales en donde se rescata la angustia del hombre y sus contradicciones contra un mundo social y económico. Así mismo, la experimentación llevo a ciertas formas del absurdo, diálogos improvisados, tomas de larga duración, crítica social, entre tantos otros puntos. Este movimiento sería uno de los más aclamados en el cine y sería futura influencia en el cine americano a finales de los sesenta y comienzo de los setenta.

Pierrot el Loco es uno de los más accesibles trabajos de Godard dentro de la segunda etapa de los años sesenta. Basada en el libro Obsesión de Lionel White, Godard quiso hacer una historia de amor poco convencional. La idea original era juntar a la cantante Sylvie Vartan con Richard Burton. El agente de Vartan declinó la oferta y Godard decidió no contar con Burton debido a su estilo cada vez más apegado a Hollywood. Para esos momentos, Godard estaba casado con la actriz danesa Anna Karina, con la cual ya había trabajado y decidió ponerla en el rol. Su coprotagonista sería Jean-Paul Belmondo, un actor francés de creciente popularidad y con el cual Godard ya había trabajado en anteriores oportunidades. Si bien esta no era su idea primordial, la pareja de actores demostró cumplir con los roles a cabalidad y Godard se mantendría satisfecho con el resultado.

El contenido de la película abarca mucho de los elementos del pop art, además de estar asociado con el postmodernismo y con las múltiples referencias que Godard hace en el transcurso del filme. Desde la guerra de Vietnam y la guerra de Algeria a referencias literarias, películas de Hollywood, influencias de los comics, juego de colores, intervenciones cortas de gente como Samuel Fuller y Jean-Pierre Léaud, Godard utiliza todos los elementos a disposición para presentar una película atípica. Hay quebramientos de estructura en donde los personajes hablan directamente al espectador, bailes improvisados, además de los continuos diálogos que no parecen contener sentido y en otros casos, donde el sentido es múltiple haciendo referencia no solo a la cultura y la sociedad, sino también a la vida privada de Godard, su mujer y sus actores. La película es una de las más aclamadas de Godard, contemplando en cierta manera el final de la nouvelle vague y mostrando la futura tendencia de Godard con las películas políticas y la crítica a la guerra. 

Datos. 

Título Original: Pierrot le Fou 

Dirección: Jean-Luc Godard 

Año: 1965 

País: Francia 

Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Graziella Galvani, Aicha Abadir, Samuel Fuller, Jean-Pierre Léaud 

Duración: 110 min.