EURIDICE B. A. 2037

Intro.

Existen prisiones en todos lados. Existen prisiones en todas nuestras mentes. No podemos escapar. No queremos escapar. Estamos esperando un haz de luz. No lo estamos esperando. En cualquier caso las llaves que abren cada una de esas puertas están construidas bajo la imagen de nuestra mente y con solamente observar cuidadosamente podemos entender que significa estar en el infierno. Entendemos que significa no estarlo.

Cuerpo.

Uno de los directores más respetados de Grecia en los años setenta responde al nombre de Nikos Nikolaidis. El polifacético director es considerado uno de los representantes europeos de su época en cuanto al cine como arte y al surrealismo. Su primer largometraje, Euridice B. A. 2037, trajo controversia pero también fama internacional, lo cual le ayudaría para sus próximos proyectos. Su desarrollo como director nos ofrece pocas entregas pero su cuerpo de trabajo integral nos muestra su valor como productor, guionista, director de teatro y televisión, entre otras labores. Reconocido con varios laureles, Nikolaidis expandiría su carrera durante cuatro décadas.

Euridice B. A. 2037 es una libre adaptación del mito de Euridice y Orfeo, que en manos de Nikolaidis se vuelve un viaje surrealista y experimental que desentraña la visión caótica y enferma de lo que incluso se puede considerar un mundo futurista. Producida por Nikolaidis y los actores alemanes Vadim Glowna y Vera Tschechowa (quien es la actriz principal de este filme), Euridice B. A. 2037 presenta la cinematografía de Giorgos Panousopoulos en un impecable esfuerzo hacia la paranoia y la claustrofobia. La película tendría duras respuestas en un principio debido a tónicas altas para la audiencia, pero paulatinamente dejaría entrever el acto artístico propuesto por su director hasta llegar a ser apreciada en su país e internacionalmente.

La película nos muestra los personajes del drama épico pero nada es totalmente gratuito. Fuera de la adaptación de dicha historia, nos encontramos ante elementos ordinarios que confluyen en la soledad de una mujer y su confinamiento a un espacio cerrado. La relación de este personaje con su ambiente y sus peculiares características proponen la creación de un espacio original, de la búsqueda de una nueva forma de entender el cine. Un punto aparte es la bellísima Vera Tschechowa, actriz alemana de variada filmografía, quien destaca en algunas producciones italianas y francesas, pero que tiene en esta película su rol más destacado.

La película rompe con cualquier tipo de preconcepción y ello se debe a que su director simplemente coge la idea del mito y lo transforma totalmente. Los elementos y los personajes se encuentran pero estamos ante un terreno totalmente desconocido, nos encontramos ante la enajenación humana por ambas partes. Euridice B. A. 2037 nos presenta más un estudio sobre el carácter humano y sus deficiencias, y como nos aferramos a ciertos supuestos que terminan condenándonos. Euridice es la muestra de como no podemos entender nuestro medio, esa especie de modernismo que evoluciona aún así nosotros no seamos parte de ello. Existe la desconexión entre la mujer atrapada con su medio pero está sincronizado con la muestra patética de lo que es la mujer en un infierno, uno muy particular que no deja de aterrar y de enfatizar su condición humana. Nikolaidis nos presenta su obra de arte más sincera y demostrativa, pero a pesar de ello su manejo del cine cambiaría ya en su segundo largometraje, donde trataría más el tema de la alienación desde otras ópticas.

Datos.

Título Original: Evrydiki B. A. 2037

Dirección: Nikos Nikolaidis

Año: 1975

País: Grecia/Alemania

Intérpretes: Vera Tschechowa, John Moore, Niki Triantafillidi, Manolis Logiadis
Duración: 100 min.

EROS + MASACRE

Intro.

Gotas de lluvia sobre la vida y la muerte de una persona. Gotas de lluvia que simplemente quiebran las palabras. Después de ello parece que no existe nada más. ¿Conoces la vida de un hombre? ¿Existen triunfos y fracasos? No podemos llegar a ninguna conclusión cuando en realidad solo nos encontramos ante retazos de lo que una vez fue alguien y no lo conocemos de ninguna manera.

Cuerpo.

Kurosawa, Mizoguchi, Ozu y sus pares provocaron una ruptura en el cine japonés, colocando a su país en la mira internacional y estableciendo así un cine de calidad llamativo para Estados Unidos y Europa. Pero con los cambios de época y debido a las resoluciones de la guerra, Japón y sus representantes artísticos paulatinamente cambiarían esa visión de un país sumiso y tradicionalista, revelándose en contra de lo establecido y volviéndose radicales. La nueva ola del cine japonés empezaría a abrirse paso a finales de los cincuenta teniendo en la siguiente década su mayor resplandor y expandiéndose hasta finales de los años setenta. Los directores inscritos en este movimiento estarían asociados con los estudios pero posteriormente romperían con este sistema, creando sus mejores entregas como directores independientes en búsqueda de una nueva perspectiva para su cine. La controversia no se haría esperar.

Dentro de este gran rótulo de la nueva ola surgió también otro grupo más pequeño y específico al cual se le conocería como la nouvelle vague de Shochiku, en donde un joven Yoshishige Yoshida comenzaría su carrera bajo el estudio Shochiku, junto a Nagisa Oshima y Masahiro Shinoda. Al igual que la nueva ola, este grupo resentiría el control de los estudios y Yoshida lo abandonaría en 1964. Después de algunos años luchando por sus proyectos, Yoshida crearía en 1969 lo que se considera su película más representativa, Eros + Masacre. El filme se centra en la vida del anarquista Sakae Osugi, así como los temas del amor libre, el anarquismo y una estructurada visión que combina pasado, presente y futuro. La película sería parte de una trilogía sobre radicalismo japonés que se completan con Purgatorio Heroico (1970) y Golpe de Estado (1973).

Sakae Oguki era un anarquista pionero en Japón. Sería uno de los traductores del anarquismo de oeste para su distribución en Japón y también publicaría muchos panfletos y artículos sobre el tema. Así mismo, crearía el primer colegio esperanto en 1906. Envuelto en cuestiones sociales y políticas de su país, Oguki se tornaría en un enemigo público, llegando a ser arrestado en varias oportunidades. En 1923 y debido al gran terremoto que arrasó Kanto, el caos se apoderaría de la población y el gobierno declaró ley marcial llevando ello a un sinnúmero de asesinatos cruentos sobre aquellos que consideraban “probables” alborotadores y quebrantadores de la paz. Oguki junto a su novia Ito Noe y a su sobrino de seis años fueron arrestados y salvajemente golpeados hasta la muerte por la policía. Sus cuerpos serían arrojados a una fosa. Esto se conocería como el incidente Amakasu, despertando las críticas de la sociedad japonesa por la muerte de un niño y de conocidos anarquistas.

Eros + Masacre desarrolla mucha de las temáticas de Oguki así como periodos de su vida. La maestría de Yoshida proviene de combinar hechos históricos con cierto grado de manipulación en donde la fantasía, así como la interrelación de varios tiempos, nos dibuja un caleidoscopio de imágenes y momentos de fina estética. Las temáticas se dividen en el amor libre representado por la relación de Oguki con su esposa y sus amantes, sus ideas sobre anarquismo y socialismo, así como una visión de las diferentes sociedades en las cuales el personaje principal interactúa. Así también encontramos un quebramiento de la lógica temporal en donde existen interrelaciones entre personajes de un tiempo y otro. Yoshida rinde un homenaje fiel al autor, provocando una película de construcción original y de una capacidad de absorción tal que se convertiría en la película más representativa de la nueva ola japonesa.

Datos.

Título Original: Erosu Purasu Gyakusatsu

Dirección: Yoshishige Yoshida

Año: 1969

País: Japón

Intérpretes: Mariko Okada, Toshiyuki Hosokawa, Yuko Kusunoki, Toshiko Li, Daijiro Harada

Duración: 202 min.

VIVIR SU VIDA

Intro.

Durante muchos años puedes mantener tu nombre y tu apellido. Y vivir tu vida. Podemos sobrevivir en este mundo mientras realizamos nuestros sueños y lidiamos con la realidad existente. Y vivir tu vida. Nos desarrollamos, entendemos las tendencias laborales y la covivencia familiar. Y vivir tu vida. Ahora que ya somos maduros y tenemos un plano completo de lo que significa estar en este mundo… es en ese preciso momento que empiezas a vivir tu vida.

Cuerpo.

Jean-Luc Godard es sinónimo de experimentación y de cine de culto. Su incursión en los años sesenta como uno de los más grandes directores de la nouvelle vague francesa cambiaría las ópticas del cine creando un movimiento artístico determinante de su época y para futuras generaciones. Junto a François Truffaut y otros intelectuales franceses, Godard formaría parte de un grupo de críticos de la ahora revista de culto Cahiers du Cinéma, siendo radicales en contra de Hollywood pero rescatando algunas gemas y autores que considerarían claves (como Welles, Nicholas Ray, Wyler, entre otros), y haciendo lo mismo con sus pares franceses. Sus críticas en contra de algunos clásicos directores franceses los mostrarían como extremistas, algo que marcaría definitivamente una brecha entre el cine francés clásico y aquel que ya se estaba esculpiendo a finales de los años cincuenta.

Godard quebraría todo antecedente en 1960 con Sin Aliento. Su película se convertiría en un éxito internacional, dando cabida al movimiento y a sus próximos proyectos. El director francés haría de los sesenta su mejor respaldo para la creación de sus filmes más icónicos. Sin Aliento también representaría el primer intento de colaboración entre Godard y quien sería su musa y esposa, Anna Karina. Godard buscó que apareciera en su primer filme en un pequeño rol que involucraba un desnudo, el cual Karina rechazaría pero aún así, Godard terminaría considerándola para sus futuras películas, creando un vínculo importante entre la actriz y el director.

Es difícil no asociar a Anna Karina con Godard. Siendo parte de sus filmes más celebrados, Karina se convertiría en su esposa en 1961 y en cuanto a cuestiones artísticas, la actriz danesa sería una inspiración al mismo tiempo que una asociación limitada, ya que tras un difícil matrimonio y su divorcio en 1965, existe un cambio en las tendencias de Godard, algo que se vería reflejado aún más con su asociación con el grupo Dziga Vertov en 1968. Godard tendría esa habilidad de priorizar ciertos temas influenciados por su visión política, social y religiosa, algo que lo mantiene como director hasta nuestros días. Después de Sin Aliento, Godard tendría dos colaboraciones seguidas con Anna Karina, convirtiendo su tercera asociación en uno de sus filmes más aclamados.

Vivir su Vida (originalmente titulada Vivir su Vida: Una Película en Doce Escenas) es la historia de una prostituta, Nana, quien trata de abrirse camino en la vida. La película es un conjunto de influencias bastante marcadas en Godard y que parten del teatro, la literatura y el cine. La película está construida diferente a sus anteriores entregas, incluso desde un uso diferente de cámaras. Godard buscaba acercarse al cinéma verité y al documental, mostrando a través de 12 partes divididas por un intertítulo explicativo, algo tomado también del teatro y buscando cierta relación con él mismo: Brecht sería una de las influencias decisivas para ello. En cuanto a la literatura, Godard deja ver desde los mencionados intertítulos hasta otras referencias a través de los personajes, referencias a escritores como Montaigne, Baudelaire, Poe y Zola. Las referencias cinematográficas también son visibles: desde un cine presentando Jules y Jim de su amigo Truffaut, la protagonista llorando ante una escena de La Pasión de Juana de Arco de Dreyer hasta el corte de cabello de Nana en reminiscencia a Louise Brooks, la musa del cine mudo. Godard también toma en cuenta la música popular francesa de su tiempo.

Vivir su Vida sería todo un acontecimiento. Una película bastante apreciada por los críticos, nos presenta Godard en su maduración y a Anna Karina en su primer rol protagónico bajo la mirada de su esposo. El par es concreto y seguro. Karina es muestra de sensualidad y complejidad, mientras que Godard se ocupa de los detalles de secuencias, encargándose de hacer una película memorable y haciendo también que muchas escenas de la película queden en el imaginario de la gente, siendo en algunos casos solamente con un baile en donde podemos escuchar una pegajosa melodía o a una mujer llorando frente a una gran pantalla. La cinematografía de Raoul Coutard, colaborador usual de Godard, es también imprescindible para el proyecto. Su labor dentro de la nouvelle vague es muy reconocido, siendo los años sesenta esenciales en su carrera. Godard empezaría a liberar sus mejores entregas en lo sucesivo, teniendo en los sesenta y en Anna Karina sus mayores fortalezas, pero ambos terminarían disolviéndose, dejando de lado la corriente que lo hizo famoso y embarcándose a nuevas estrategias fílmicas.

Datos.

Título Original: Vivre sa Vie

Dirección: Jean-Luc Godard

Año: 1962

País: Francia

Intérpretes: Anna Karina, Sady Rebbot, André S. Labarthe, Guylaine Schlumberger, Gérard Hoffman, Monique Messine, Pauk Pavel, Dimitri Dineff, Peter Kassovitz, Eric Schlumberger, Brice Parain, Hebri Attal

Duración: 85 min.