EL VIENTO

Intro.

Dejamos de lado todos los recuerdos porque estos van a ser llevados por el viento. Serán llevados por el viento y borrados de nuestra memoria. Nuestros propios nombres desaparecerán y el de todos nuestros hijos. El viento no perdona los pecados, menos aún a los pecadores. Somos simples seres presenciando la furia de un ser incontenible. Y no tenemos defensa contra la naturaleza.

Cuerpo.

El maestro sueco Victor Sjöström es considerado uno de los grandes directores europeos del cine mudo. Sus obras durante los años veinte, sobre todo El Carruaje Fantasma, llamarían la atención de Louis B. Mayer, quien lo invitaría para unirse a Hollywood. Su excursión duraría apenas seis años en donde entendería que el sistema de estudios en Estados Unidos era diferente. A pesar de ello, las diez películas realizadas en esta travesía dejarían asociaciones interesantes con ciertos actores, entre los que destaca la figura de Lillian Gish.

Conocida como la primera dama del cine americano, Lillian Gish se convirtió en un mito dentro del cine mudo. De la mano del pionero D. W. Griffith y con entregas como El Nacimiento de una Nación (1915), Intolerancia (1916) o Lirios Rotos (1918), Lilian Gish se hizo de un nombre demostrando su gran capacidad para las entregas silentes. Su incorporación en 1925 con MGM finalizó su asociación con Griffith dándole la oportunidad de diferentes colaboraciones, una de las cuales será con el director Victor Sjöström. El primer filme entre ambos sería La Letra Escarlata (1926) y sería un éxito a pesar de la negativa de Mayer por su protagonista principal.

Dos años después, Gish promovería la adaptación del libro El Viento (1925) de Dorothy Scarborough. Esta labor sería apoyada por el productor Irving Thalberg y Gish tendría libertad para elegir a sus colaboradores. Como director elegiría a Sjöström gracias a que le agradó su forma de dirigir en la  entrega anterior. Gish también admiraba a Lars Hanson al verlo en La Saga de Gosta Berling (1924) junto a Greta Garbo. La adaptación del filme estaría a cargo de la gran guionista Frances Marion. La ganadora de dos premios Oscar fue una pionera en el periodismo y logra ser una parte central como guionista en los años dorados de Hollywood.

La película nos muestra la llegada de nuestra heroína, Letty Mason (Gish) a Texas. Como parte esencial de la trama, el director Sjöström (conocido en los créditos del filme como Victor Seastrom) hace un pleno uso de efectos especiales con respecto al viento, logrando junto a Gish una sólida muestra de este thriller silente. Pero algo que tanto el director sueco como la actriz americana no pudieron evitar fue la modificación hecha por los productores de Hollywood. El final de la trama mostraba a Mason sucumbiendo a la locura debido a los actos del viento, pero este final no satisfacía los cánones de Hollywood con respecto al trato de su actriz principal. Con la negativa de Gish y Sjöström, se hizo un final “feliz” para la heroína.

El Viento tendría una demora en su estreno, siendo estrenada en los momentos en que el cine hablado estaba en sus primeras etapas y pese a una negativa inicial, la película se convertiría en uno de los últimos hitos del cine mudo. Teniendo cierta resistencia en Estados Unidos, la película sería aclamada en Europa, lo que colaboraría con su posterior redescubrimiento. La crítica resaltaría los trabajos de Sjöström y de Gish, cada uno en su medida. Destacaría para el director sueco como una de las tres obras maestras dirigidas en Estados Unidos, junto a La Letra Escarlata y El que recibe las bofetadas, y en cuanto a Gish sería su último triunfo en el medio que la vio nacer, el cine mudo.

El Viento es un estudio psicológico basado en el ambiente. Como muy pocas películas vemos el dominio del medio sobre sus personajes pero todo ello está focalizado gracias a la excelente actuación de Lillian Gish. En su último rol mudo, Gish demuestra toda su capacidad para encabezar el proyecto que ella misma inició. El director Sjöström, recordando ciertos toques de El Carruaje Fantasma, demuestra todo su enfoque en cuanto al tratamiento de los personajes y la historia. Con la gran dificultad de controlar el viento y la arena, Gish, el reparto y Sjöström no se molestaron en “ensuciarse” un poco las manos para lidiar con ello. La película es un clásico en toda su entereza, marcando un momento importante en el cine como el último bastión del cine mudo.

Datos.

Título Original: The Wind

Dirección: Victor Sjöström

Año: 1928

País: Estados Unidos

Intérpretes: Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love, Dorothy Cumming, Edward Earle, William Orlamond, Carmencita Johnson, Leon Janney. Billy Kent Schaefer

Duración: 95 min.

MÉNILMONTANT

Intro.

La tragedia envuelta en movimientos constantes, en la incapacidad de la mente por mantenerse en una sola línea y en la versatilidad del tiempo, que nos demuestra que la desgracia no es algo que ocurre una sola vez en la vida, sino que se consolida con los años para ir desfigurándonos.

Cuerpo.

Desde los inicios del cine con los proyectos de los hermanos Lumière y la incursión de Georges Méliès, las primeras dos décadas del siglo XX en Francia fueron muy fructíferas, llenas de experimentación en el cine. Pero la Primera Guerra Mundial pondría un alto a todo ello, al menos en el aspecto económico, afectando severamente al cine de los países europeos y provocando la mayor comercialización del cine de Estados Unidos, ya que los estudios no podían competir con la importación. Esto llevaría a un grupo de experimentales a crear obras de bajo presupuesto basándose en su capacidad artística y la fuerza de sus realizaciones.

Llamado cine impresionista o avant-garde, los directores de los años veinte florecieron en su etapa muda creando una gran fuerza en su país y pavimentando lo que sería el realismo poético en los años treinta. Entre estos directores se encontraban Marcel L’Herbier, Jean Vigo, Jean Epstein, Germaine Dulac, Louis Delluc, René Clair y un joven Jean Renoir. Entre ellos también se encontraban algunos directores internacionales de gran calibre como Luis Buñuel y otros, que serían populares durante este tiempo pero uno muy particular respondería al nombre de Dimitri Kirsanoff.

Kirsanoff fue un director célebre por crear películas con presupuesto mínimo bajo la base de contar con el menor número de hombres posibles, implicando que él haría gran parte del trabajo, utilizando técnicas novedosas que le ahorraban la dificultad de buscar especialistas o de contar con mejores equipos. A ello es parte de consideración el hecho de que su esposa, la actriz Nadia Sibirskaïa, fuera su intérprete fetiche en sus mejores entregas. Kirsanoff nunca trabajaría para un estudio de cine.

Su obra más destacada es, sin duda, su cortometraje Ménilmontant, nombre tomado de un barrio en Francia. El filme dura 38 minutos, en los cuales veremos la tragedia de dos hermanas y como esa tendencia prosigue, pero logra mantenerlas unidas. Para hacerlo de una dinámica más versátil, la película no cuenta con intertítulos, algo muy usual en el cine mudo, y Kirsanoff toma los roles de director, productor, guionista, editor y también colabora en la cinematografía.

Ménilmontant nos relata una escena brutal en donde dos hermanas pierden a sus padres y con el tiempo deben ver por ellas, hasta que el personaje interpretado por Sibirskaïa (una de las hermanas) se enamora, pero termina perdiendo al hombre que quiere por la seducción de su hermana y ella termina con un bebé solitaria. Al final la piedad, el perdón y el castigo prevalecen, dejándonos un final conciliador. Kirsanoff utilizará ciertos momentos describiéndonos la ciudad, utilizando planos, movimientos sucesivos de cámaras y la falta de diálogo o narración para una mayor compenetración con el espectador que a través de sutiles maniobras entenderá el desarrollo de la historia. La aclamada crítica de cine Pauline Kael consideraba Ménilmontant como su película favorita.

Datos.

Título Original: Ménilmontant

Dirección: Dimitri Kirsanoff

Año: 1926

País: Francia

Intérpretes: Nadia Sibirskaïa, Yolande Beaulieu, Guy Belmont, Jean Pasquier, M. Ardouin, Maurice Ronsard

Duración: 38 min.

LA CONDICIÓN HUMANA III

Intro.

A través de nuestra mirada, la vida humana se desarrolla entre los laberintos de la mente. ¿Cómo es posible que podamos crear miseria, violencia y destrucción de maneras tan fáciles como creamos un poema? Y en los confines del mundo el dolor humano parece no tener ningún receptor amable. Poco a poco vamos consumiendo la esperanza de un nuevo mañana porque simplemente el hoy es una muestra de sadismo y caos. No entendemos nuestra condición humana.

Cuerpo.

Masaki Kobayashi fue uno de los directores japoneses más respetados en los años sesenta pero paulatinamente su popularidad iría disminuyendo. Una de las razones, a diferencia de Kurosawa, Ozu o Mizoguchi, es el cuerpo de su trabajo. Con tan solo veinte filmes como director, Kobayashi tuvo que paulatinamente ir encontrando su ritmo, algo que fue bastante común en los directores de la segunda generación y que tuvieron como mentores a los grandes exponentes de los cuarenta y cincuenta. En el caso de Kobayashi, llegaría con Keisuke Kinoshita, que en su momento fue un director respetado en su país pero que no tendría muchas consideraciones en el exterior. Además, varios proyectos de Kobayashi no pudieron concretarse por cuestiones económicas y políticas, a ello se le suman otros proyectos como la creación de un grupo de directores para las nuevas generaciones.

La idea de Kobayashi para La Condición Humana era basarse en la novela homónima del escritor Junpei Gomikawa, quien la había publicado en 1958 y rápidamente se había convertido en un best seller. Pero la cuantiosa novela constaba de seis volúmenes, algo que Kobayashi quería plasmar con fidelidad y que terminaría trayendo este proyecto a casi las diez horas de duración, tomando en cuenta los tres filmes juntos. Hacer un filme de dicha magnitud y temática, creo problemas a Kobayashi con los estudios Shochiku, al punto que tuvo que amenazar con renunciar para que aprueben su proyecto. La película tardaría cuatro años para ser completada.

A pesar de las controversias en Japón, la película sería muy apreciada internacionalmente, convirtiendo a su director y a su actor principal en estrellas inmediatas. Para Kobayashi fue la razón de mejores producciones y de temáticas que él deseaba proyectar en pantalla. Para Tasuya Nakadai, quien se encontraba con su primer rol protagónico de mucha exigencia, significó roles más interesantes y prometedores, además de una asociación continua con Kobayashi. La cinematografía correría a cargo de Yoshio Miyajima, un veterano en el cine por el cual Kobayashi sentía una gran admiración y con el cual hizo sus mejores películas.

La tercera parte de la película, subtitulada La Plegaria de un Soldado, nos muestra el destino final de Kaji. Ya fuera del conflicto directo de la guerra, nuestro personaje principal se verá en la difícil situación de tomar decisiones que pueden perjudicar su futuro. En territorio de los chinos, evitando a los rusos y encontrando a ciudadanos ya armados tratando de defender sus tierras, Kaji ve arrastrando a un grupo de civiles y algunos soldados que ha ido recogiendo en el camino. Sin un plan en concreto irán tambaleando de un lugar a otro hasta ser secuestrados por los rusos y soportar los mismos abusos de antes, ahora a manos de sus compatriotas que trabajan para los extranjeros.

La Condición Humana nos muestra la cruenta y dura realidad de un hombre contra una sociedad, contra sus estereotipos, contra sus racismos, contra sus formas de vida en donde simplemente buscan posicionarse sobre otro. El personaje principal es un hombre idealista que como cualquier hombre honesto trata de vivir bajo sus principios respetando al prójimo y tratando que la sociedad cambie a partir de este pensamiento. Pero lo ideal es difícil plasmarlo en la realidad. Ese es el punto de la película: ¿Qué es necesario para que la realidad quiebre a un hombre? Continuamente veremos en esta trilogía los pesares de Kaji y cómo la felicidad va escapándose de sus manos y ante sus ideales, todos los que están a su alrededor sufren. Es la visión también de que una sola persona no puede cambiar al mundo, puede tratarlo, claro, pero no lo logrará si no tiene apoyo. La trilogía de Kobayashi se convirtió en un hito y en un legado trascendente de un autor esmerado a demostrar la fortaleza del ser humano pero también la necesaria reconstrucción de la sociedad para poder progresar.

Datos.

Título Original: Ningen no Joken V-VI

Dirección: Masaki Kobayashi

Año: 1961

País: Japón

Intérpretes: Tatsuya Nakadai, Michiyo Aratama, Tamao Nakamura, Yusuke Kawazu, Chishu Ryu, Taketoshi Naito, Kyoko Kishida, Ed Keene, Ronald Self, Tatsuya Ishiguro, Hiroshi Nihon’yanagi, Hideko Takamine, Reiko Hitomi

Duración: 190 min.