EL SALÓN DE MÚSICA

Intro.
 
Los sonidos armónicos que nos persiguen dibujan frente a nosotros panoramas de riqueza y abundancia. Tan solo dejarnos llevar por la música nos propone alternativas no antes exploradas en donde el tiempo parece detenerse y nada cambia. Aquello que nos sensibiliza al extremo no nos permite reconocer cómo envejecemos y cómo los lugares sagrados se transforman en arena.

Cuerpo.
 
Satyajit Ray introdujo el cine de la India al mundo con La Canción del Camino en 1959. La primera película de su trilogía de Apu sería un despertar importante para el director quien, gracias al apoyo de ciertos directores, sobre todo Jean Renoir, podría tener un mejor entendimiento de la industria y el filme sería galardoneado múltiples veces en diferentes convenciones. Un año después crearía su segunda parte, Aparajito, y si bien sería muy laureada por los críticos no sería un éxito comercial como la primera parte, para lo cual Ray tuvo que recurrir a otros filmes para poder compensar los gastos. Esto lo llevaría a crear dos películas en 1958, la comedia La Piedra Filosofal y el drama El Salón de Música.

Basado en el cuento del aclamado escritor Tarasankar Bandyopadhyay, El Salón de Música nos muestra los últimos días y la reminiscencia de la vida de Biswambhar Roy, un hombre poderoso y amante de la música que protege su prestigio por sobre todas las cosas. Para este rol se contó con Chhabi Biswas. Sus éxitos a mediados de los años treinta lo catapultaron al estrellato, pero lo encasillaría en el rol que mejor supo desarrollar: el de patriarca.  Es así como de alguna forma sería ideal para la película y esto le llevaría a colaborar en dos filmes más con Ray.

El Salón de Música sería una producción algo compleja. Ray introduce por primera vez de manera extensa e importante la música bengalí. Para ello se asociaría con Vilayat Khan, un músico clásico de sitar. El compositor propuso diferentes artistas para que sean parte del filme, algunos muy populares en la cultura india, tanto en la danza como en la música. Encontrar las locaciones necesarias para filmar se convirtió también en un problema pues se necesitaba un palacio ideal para sus propósitos. Las coincidencias le favorecerían y Ray lograría su cometido, aunque por razones de majestuosidad tuvo que recrear el salón de música en un estudio.

El Salón de Música no lograría el objetivo de Ray en cuanto a un resurgimiento comercial e incluso el público no la tendría a bien vista a pesar de ganar un premio importante en su país. La película se mostraría algo desaparecida, siendo en parte eclipsada por la Trilogía de Apu, pero el tiempo le daría la razón a Satyajit Ray. El detalle, el factor costumbrista y las representaciones artísticas convertirían al filme en uno de los más importantes de su país y en el cine mundial. Es necesario entender que en cuanto a las películas de la India el retraso era considerable al momento de ser estrenadas en los mercados de Europa y Estados Unidos. Su reconocimiento sería posterior ya que la película solamente estaría al alcance de un grupo seleccionado de críticos y realizadores. Por mencionar un caso, el éxito en Francia sería en 1981 cuando se estrenara por primera vez, teniendo un record de ventas para una película de la India en el país galo.

Datos.

 
Título Original: Jalsaghar
Dirección: Satyajit Ray
Año: 1958
País: India
Intérpretes: Chhabi Biswas, Padma Devi, Pinaki Sen Gupta, Gangapada Bose, Tulsi Lahiri, Kali Sarkar, Ustad Waheed Khan, Roshan Kumari, Begun Akhtar
Duración: 95 min.

 
LA CARTA QUE NUNCA FUE ENVIADA

Intro.
 
La búsqueda del ser humano por riquezas no conoce lógica ni razonamiento. Los seres humanos por muy bien entrenados y preparados no pueden conocer su propia humanidad ante elementos que no reconocen. Entre gritos y caminatas prolongadas, el deseo humano no parece disminuir ante nada y aquella que pensamos como una casualidad o un breve encuentro termina convirtiéndose en una obsesión.

Cuerpo.

 
Después del enorme éxito de Cuando Pasan las Grullas, el director Mikhail Kalatozov buscaría continuar su senda con La Carta que Nunca fue Enviada. A pesar de su envolvimiento con el cine desde los años treinta, Kalatozov dirigiría solo veinte películas, siendo internacionalmente reconocido en su etapa posterior. Sus últimas cuatro películas son por las cuales ha sido muy laureado y cuyo impacto tiene su firma personal. Cuando Pasan las Grullas (1957) abriría las puertas a La Carta que Nunca fue Enviada (1959), después a la olvidada por razones políticas y redescubierta como un hito décadas después, Yo Soy Cuba (1964) y a la experimental La Tienda Roja (1969).

La Carta que Nunca fue Enviada contaría con la presencia de Tatiana Samojlova. La heroína de Cuando Pasan las Grullas tuvo un gran impacto en el cine debido a esta película y seguiría trabajando con Kalatozov y otras producciones, pero lamentablemente las políticas de la Unión Soviética no le permitirían crecer internacionalmente y poco a poco iría desapareciendo de la pantalla grande. También como parte del reparto encontramos a Innokenty Smoktunovsky, un actor a toda medida brillando en diferentes producciones, sobre todo en la versión de Hamlet (1964) de Grigori Kozintsev y en El Tío Vanya (1970) de Andrei Konchalovsky. Por su parte, Vasily Livanov provenía de una familia de actores y su debut sería en esta película. Punto peculiar sería el hecho que debido a las cuestiones climáticas perdería su voz por dos semanas y al volverle tendría un tono muy particular, lo cual sería influyente en su carrera. Cerrando el cuarteto tenemos a Yevgeni Urbansky, actor bastante prolífico siendo esta y La Balada del Soldado (1959), sus películas más aclamadas. Moriría tristemente a los 33 años filmando una escena de riesgo.

La Carta que Nunca fue Enviada cuenta con muchas de las tendencias de Kalatozov que lo hicieron popular con su previa entrega. Su asociación con el director de fotografía Sergei Urusevsky fue primordial para su trabajo. Tanto en esta como en Cuando Pasan las Grullas y Yo Soy Cuba, la idea de Urusevsky era mostrar planos totalmente diferentes, sobre todo en aquellos en los cuales se muestra tensión, sin importar la coherencia dentro de la toma. Influenciado por Eduard Tisse, hizo famosa la escena de Samoilova corriendo en los campos y donde la imagen parece difuminarse ante la rapidez de la acción. Ello lo repetiría en las siguientes entregas con Kalatozov.

La Carta que Nunca fue Enviada no tendría la popularidad de su predecesora, pero ello no indica una entrega contundente por parte del director, colocándonos en una situación extrema y la muestra de la necesidad humana por sobrevivencia. La película buscaba repetir el éxito de Cuando Pasan las Grullas y sería presentada en el festival de Cannes pero cambios en los últimos momentos por parte del director ante descontentos con la producción final hicieron que el filme no sea presentado.

Datos.
 
Título Original: Neotpravlennoye Pismo
Dirección: Mikhail Kalatozov
Año: 1959
País: Unión Soviética
Intérpretes: Innokenty Smoktunovsky, Tatiana Samojlova, Vasily Livanov, Yevgeni Urbansky, Galina Kozhakina
Duración: 97 min.

 
ÁNGELES SIN BRILLO

Intro.
 
La obsesión y terquedad de un hombre llevada a los límites podría destruir a todo un conjunto de personas. La magnificiencia de un acto coloca a los hombres en ciertos pináculos para la admiración de propios y extraños. Pero nadie nombra cuánto cuesta mantener esa postura de héroe inmortal, nadie parece darse cuenta de que el mundo en un solo par de hombros es la destrucción inevitable del ícono.

Cuerpo.

 
Los mediados de los años cincuenta constituyeron la etapa más sublime para el director Douglas Sirk. Fue en este período en el cual pudo crear sus melodramas más memorables, aunque la gloria sería reconocida mucho después, puesto que dichas obras eran vistos como dramas de hogar enfatizando al personaje femenino y sin ninguna profundidad al respecto, cuando en realidad Sirk demostraba un ataque a la sociedad alta, sus maneras, su hipocresía y cómo el subconsciente de sus personajes se veía afectado por las decisiones de una clase que no primordiaba el aspecto humano. Es así como Sirk reinventa su cine a través de títulos como Sublime Obsesión (1954), Solo el Cielo lo Sabe (1955), Escrito en el Viento (1956), Ángeles sin Brillo (1957), Tiempo de Amar, Tiempo de Morir (1958) e Imitación a la Vida (1959).

Con el éxito de Escrito en el Viento, Sirk reunió al trío de actores que habían logrado una gran química: Rock Hudson, Robert Stack y Dorothy Malone. Hudson sería el actor fetiche de Sirk antes que este se convirtiera en un éxito de las comedias junto a Doris Day. En realidad, su participación en Sublime Obsesión lo catapultaría como un gran actor de dramas románticos colaborando con siete producciones bajo la dirección de Sirk. La presencia de Hudson es siempre sinónimo de importancia y emblema, brindando a sus personajes de una profundidad necesaria en estos filmes de Sirk, que se construyen bajo la psicología de sus personajes.

Como contraparte se encontraba Robert Stack, un actor conocido en diferentes épocas por roles específicos. En un principio por los dramas, a comienzo de los años sesenta como el rol principal de la serie Los Intocables y a comienzo de los ochenta como actor cómico en películas como ¿Y Dónde Está el Piloto? Pero bajo el mando de Sirk, Stack es el personaje cansado y traumatizado por experiencias previas que no le han permitido desarrollarse como él hubiera querido. El triángulo lo completa la sensual Dorothy Malone, quien tras su cambio a rubia y ganar un Oscar en la producción de Escrito en el Viento , se convertiría en una estrella.

La película estaría basada en el libro Pilón de William Faulker, quien señalaría al filme como la mejor adaptación de una obra suya en el cine. Las comparativas con Escrito en el Viento parecen inevitables ya que contamos con el mismo director, el mismo trío de actores principales y el mismo productor, Albert Zugsmith. Si bien el ritmo de la película nos prepara para el juego psicoanalítico de los personajes de Sirk, la fuerza impresa no parece desatar mayor complejidad con la composición de los personajes, lo que no indica que la película tenga una fuerza a partir de los mensajes ocultos. Decisión de Sirk fue dejar de lado también sus colores pasteles reconocidos y cambiarlos por el blanco y negro en una búsqueda de la sensación de la época descrita. Como se ha señalado, la admiración por Sirk sería posterior y gracias a los intelectuales franceses de los sesenta encumbrando todo el grupo de dramas de mediados de los cincuenta de Sirk como una crítica ácida a una sociedad destructora del individuo.

Datos.
 
Título Original: The Tarnished Angels
Dirección: Douglas Sirk
Año: 1957
País: Estados Unidos
Intérpretes: Rock Hudson, Robert Stack, Dorothy Malone, Jack Carson, Robert Middleton, Alan Reed, Alexander Lockwood, Chris Olsen, Robert J, Wilke, Troy Donahue, Wilima Schalert, Eugene Borden
Duración: 91 min.

 
UN PERRO ANDALUZ

Intro.
 
Un momento complicado. Ser sagaz. Ir en contra de lo establecido e inundarnos de arte y de sangre. Salir a caminar una mañana en búsqueda de preguntas. Tener el mejor traje del lugar y entender que el lodo en tus pies sigue subiendo. ¿Cómo quieres explicar en palabras lo que se manifiesta numéricamente? Incrusta tu mirada en todo aquello que se mueve de forma sincronizada. Ahora destrúyelo.

Cuerpo.

 
Hablar del movimiento surrealista, de Luis Buñuel y de Un Perro Andaluz es un tema complejo en cuanto al arte, su intencionalidad y su funcionalidad. El surrealismo como movimiento cultural busca impactar al espectador a partir de presentaciones inusuales o ilógicas que están relacionados con el lado inconsciente de la persona, en muchos casos como deseos reprimidos o en búsqueda de ir en contra de lo establecido. Comandados por André Breton, el surrealismo es una manera diferente de percibir la realidad y en caso de la mayoría de estos artistas se busca crear un impacto que en muchos casos es rechazado por la sociedad. Buñuel como director sería un representante fiel del movimiento.

Con una duración de solo 21 minutos, música de Wagner y escrita por Buñuel y el pintor Salvador Dalí, Un Perro Andaluz se encuentra repleta de simbolismos que han llevado a numerosos análisis y estudios al respecto. Encontraremos de entrada la icónica escena del mismo Buñuel observando como una nube corta la luna para después hacer lo mismo con una navaja y el ojo de una mujer. Después un joven en su bicicleta vestido de monja se estrella con la acera. La mujer de la primera escena arregla la ropa del joven en la cama mientras este le muestra un agujero en su mano de donde salen hormigas. Una imagen de una axila femenina unida a otras en donde una mujer recoge una mano que se encuentra en la calle mientras diversos carros pasan junto a ella hasta ser atropellada. El joven que observa el incidente comienza a manosear los senos de una mujer y se detiene para arrastrar a partir de cuerdas dos pianos con cabezas de burros y padres arrastrándose, siendo uno de ellos, Dalí. Nos encontramos en otra etapa en donde dos hombres se confunden entre ellos hasta la muerte de uno y después de ciertas imágenes perturbadoras la mujer se queda con el primer hombre.

La idea de Buñuel es no seguir una historia lineal y dejarse llevar por sus obsesiones y perversiones. Colaborando con Dalí en el guion, Buñuel construye su historia a partir de sueños y van formando un constructo que no se inscriba en lógicas o explicaciones definitivas. Asociado al psicoanálisis, ambos artistas buscan penetrar en el inconsciente humano dejando de lado las convenciones morales o las historias estructurales, llevando su producto a terrenos insospechados e inaceptables para la sociedad de su tiempo.

Ante la sorpresa de Buñuel, la presentación del filme fue más que aceptable. Tanto los surrealistas como otros artistas tomaron la presentación como algo nuevo, moderno y necesario. Claro está que el público en general no aceptó la película y buscó diferentes maneras de que sea prohibida, sin mayor logro. Este sería el comienzo de la controversia contra Buñuel durante toda su vida. Sus representaciones solamente tentarían la paciencia del público a partir de sus ataques contra la religión, la moralidad y lo admisible. Un director comprometido con su arte, Buñuel buscaría imponer sus ideas pero sería prohibido en muchos lugares, con muchos recortes y en ciertos exilios. Su filmografía de alguna forma es la muestra de un artista condenado por la ideología de su país pero encontrando los métodos para librarse de ese yugo.

Datos.
 
Título Original: Un Chien Andalou
Dirección: Luis Buñuel
Año: 1929
País: Francia
Intérpretes: Simone Mareuil, Pierre Batcheff, Luis Buñuel, Salvador Dalí, Robert Hommet, Kieran Agterberg, Fano Messan, Jaime Miravilles
Duración: 21 min.