LOS NIBELUNGOS: SIGFRIDO

Intro.
 
Eres inmortal. Nada puede destruirte. O al menos piensas así. La leyenda dice que hay un pequeño espacio en tu cuerpo, y en tu mente, que es frágil como una hoja. Pero no lo consideras, no es parte de tu memoria ni de tu historia. Crees que puedes soportarlo todo y superar a todos… hasta que cae una hoja.

Cuerpo.
 
La pareja de Fritz Lang y Thea von Harbou crearon en 1924 las dos películas que conformarían Los Nibelungos. Para esta etapa, la pareja ya había sido parte de dos proyectos con las mismas características, y sabían que debían crear el suficiente metraje para dividir el filme en dos. Primero Lang creó en 1919 la película Las arañas que se presentó en dos partes y ya demostraba todas las temáticas utilizadas por el realizador austriaco. Ya en 1922 con apoyo de Von Harbou creo la mucho más compleja El doctor Mabuse, el jugador, la cual sería un gran avance en la forma que quería mostrar sus filmes épicos. El dúo también había realizado Destino en 1921 y tomó el proyecto de Los nibelungos como su próximo gran descubrimiento.

El proyecto estaba divido bajo dos títulos, siendo el primero Sigfrido y el segundo, La venganza de Krimilda. Von Harbou se basó en el poema clásico de Los nibelungos para crear la obra. Una de las razones para este proyecto era destacar el aspecto nacionalista al hacerlo de un poema clásico con personajes reconocidos, apoyándose en ámbitos técnicos y de una historia ancestral para crear un apasionante relato de las aventuras de Sigfrido. Los proyectos de Lang demandaban muchas horas en estudio y tiempo prolongado por parte de la producción y el reparto para lograr su objetivo.

La primera parte nos cuenta los comienzos de Sigfrido y el origen de su poder. Para ello no se escatimó en crear seres que llamen la atención, sobre todo la creación del dragón gigante que tendría que combatir con el protagonista. Para la época era un desarrollado mecanismo que necesitaba del apoyo de varios técnicos para su conducción. Ciertos efectos de edición, iluminación y decorado nos encuentra con una primera parte desde su origen hasta su muerte y el destino de su esposa Krimilda. Con una duración de más de dos horas la película tiene una figura central que destaca el heroísmo y los valores de Sigfrido.

El intérprete de nuestro héroe es Paul Richter, un actor que se haría popular a comienzo de los años veinte con La tumba india (1921) y El doctor Mabuse (1922), lo cual le daría la oportunidad para ser parte de otro filme épico de Lang. Un detalle ocurrido en la filmación es que el protagonista debía salir desnudo al momento de bañarse en la sangre del dragón. Ritcher lo rechazó en un principio, pero al ver su sustituto reclamó a Lang que la gente creería que ese era su cuerpo y prefirió hacer él mismo la escena. El papel de Krimilda recaería en Margarete Schön en su rol más destacado. A tener en cuenta al actor Rudolf Klein-Rogge, el primer esposo de Von Harbou, quien interpreta al rey Etzel y después sería una figura muy reconocida en los filmes de Lang.

Los nibelungos: Sigfrido sería todo un éxito colocando a la siguiente parte como un deseado producto a consumir. La primera parte se estrenaría el 14 de febrero y la segunda parte sería el 26 de abril. Con la experiencia de dos proyectos largos en sus espaldas, Lang no escatimó en recursos y la escenografía, decorados y vestimenta fueron algunos de los puntos altos de la producción, lo que ayudó a crear en el imaginario popular la figura del cantar, con el cual estaban familiarizados. La pareja de Lang y Von Harbou comenzaba a crear la historia del cine alemán y todo esto era experiencia para crear en 1927 una de las películas más exitosas del cine mundial: Metrópolis.

Datos.
 
Título Original: Die Nibelungen: Siegfried
Dirección: Fritz Lang
Año: 1924
País: Alemania
Intérpretes: Paul Richter, Margarete Schön, Hans Adalbert Schlettow, Theodor Loos, Hanna Ralph, Rudolf Klein-Rogge, Bernhard Goetzke, Rudolf Rittner, Georg John, Gertrud Arnold, Hans Carl Müller, Erwin Biswanger, Frtz Alberti, Georg August Koch, Annie Röttgen, Frida Richard, Georg Jurowski
Duración: 143 min.

 
EL ÚLTIMO TREN DE GUN HILL

Intro.
 
Un viaje a lo desconocido y en búsqueda de una condena. Un viaje que marca un antes y un después en la vida de un hombre. ¿Cómo corrresponde ello ante actos que nos mantiene entre la ley y nuestros sentimientos? ¿Qué es una amistad ante el sufrimiento humano?

Cuerpo.
 
En 1957, la película Duelo en el corral OK fue todo un éxito de taquilla. La fórmula se buscaría repetir dos años después con El último tren de Gun Hill. Ambos filmes serían producidos por Hal B. Wallis para Paramount Pictures y dirigidos por John Sturges.  El encargado de la música memorable en estos dos westerns sería Dimitri Tiomkin. En los roles se trabajaría con algunos elementos similares como Kirk Douglas y Earl Holliman. Como mucho de los westerns de Sturges se trabaja en la psicología de los personajes, buscando mostrar una profundidad inusitada en el género que logra promover una entrega diferente con una buena historia.

John Sturges es un director que se divide en su mejor época en film noirs y westerns, para posteriormente estar más vinculado al cine de intriga. Sus películas más reconocidas serían Los siete magníficos (1960) y El gran escape (1963). Previo a ello tuvo un número de westerns muy particulares, buscando siempre esa profundidad en sus personajes, interiorizando en sus motivaciones y la razón de por qué deben seguir o desafiar las normas impuestas, dependiendo de cada caso. Para El último tren de Gun Hill busca contrastar a dos figuras dominantes como Douglas y Quinn.

Kirk Douglas es cine en muchos sentidos. Un actor, productor, innovador y luchador de causas perdidas, pareciere que lo hubiera hecho todo. En cuanto a la actuación la imagen de hombre duro, la presencia incontrastable de un rostro único es historia del cine. La historia promueve que la cámara busque a ese rostro y nos haga partícipe de sus acciones. Por otro lado, encontramos a Anthony Quinn, un actor de gran presencia que supo siempre sacar lo mejor de cada uno de sus personajes. Siendo parte de muchos géneros, el western no le fue esquivo y su técnica apoyaba mucho a las ideas de Sturges.

La historia nos presenta un conflicto interesante entre la idea de la aplicación de la ley tal cual y la imposición de una fuerza que se opone a ella. La esposa del personaje de Kirk es violada y asesinada por el hijo de un viejo amigo de él. Antes ambos eran de una misma idea y ahora se encuentran en lados opuestos de la ley. Si bien el filme, y teniendo en cuenta la filmografía de Sturges, busca demostrarnos qué es lo correcto, el camino para lograrlo muestra muchos vacíos sobre lo que es llevar la ley al extremo de situaciones que ponen en peligro inclusive a nuestro protagonista. Obviamente no estamos ante un simple de relato de hacer cumplir la ley, estamos ante una situación de hacer lo correcto llevado al extremo. Sturges nos presenta la visión de muchos personajes sobre el hecho y cómo a pesar de tener un punto firme, prácticamente nadie apoya al protagonista, ya sea porque reconocen que no tiene la entereza o porque no pueden enfrentarse a un poder que contradice su moral.

Datos.
 
Título Original: Last train from Gun Hill
Dirección: John Sturges
Año: 1959
País: Estados Unidos
Intérpretes: Kirk Douglas, Anthony Quinn, Carolyn Jones, Earl Holliman, Brad Dexter, Brian G. Hutton, Ziva Rodann, Bing Russell, Val Avery, Walter Sande
Duración: 90 min.

 
LA GENTE EN DOMINGO

Intro.
 
Nuestra semana se divide en trabajar… y domingos a descansar. Pero en este descanso muchas actividades pueden ser elegidas. La idea es vivir y relajarse, pasar un buen tiempo y reír satisfechos porque estamos en domingo y la gente en domingo es feliz.

Cuerpo.
 
La gente en domingo es la unión de un grupo talentoso de creadores. La película fue dirigida por Robert Siodmak y Edgar G. Ulmer, el guion fue creado por Billy Wilder basado en una historia por Curt Siodmak, hermano de Robert. Además, la cinematografía fue realizada por Eugen Schüfftan y como su asistente estaba Fred Zinnemann. Esto se dio antes que los nombres de estos artistas fueron mundialmente conocidos en Hollywood, a excepción de Schüfftan, quien ya había trabajado con Fritz Lang en Los nibelungos (1924) y Metrópolis (1927), y con Abel Gance en Napoleón (1927). La película constituye una muestra interesante de la sociedad alemana antes de la llegada del nazismo y una visión de los alemanes antes que la política cambiara la imagen de las personas y los artistas del país.

La idea era efectivamente simple: mostrar cómo un grupo de personas que trabajaban en la semana se relajaban los domingos. Para ello, decidieron contar con gente común, sin actores profesionales en los roles protagónicos, para mostrar con mayor naturalidad el comportamiento y la imagen de la juventud alemana de 1930. Es así como nos encontramos con cinco personajes en busca de diversión y compartir momentos. Sus roles provenían de sus trabajos reales y solo algunos estarían asociados con el cine por corto tiempo. Los roles recayeron en un taxista, una vendedora de discos, un asistente de ventas de vinos, una extra en cines y una modelo.

La muestra de cómo se conducía la sociedad alemana en el período entre guerras es un hito único en el cine y si bien es una construcción creativa, funciona como un documento importante de una sociedad que cambiaría para siempre y que terminaría por alterar la vida de todos sus involucrados. En suma, el filme muestra el encuentro de cuatro jóvenes un domingo en su travesía por la playa y el parque. Esta inocente imagen carece de dramas o cambios drásticos, ya que busca ser un retrato de sociedad apoyado en la experimentación con las cámaras y ser lo más cercano a una realidad del Berlín de esa época.

Establecido Hitler en el poder, todo cambiaría. Wilder, Ulmer, los hermanos Siodmak, Schüfftan y Zinnemann huirían de Alemania debido a la persecución de los nazis, lo mismo pasaría con muchos otros artistas del país. Aquellos que por razones políticas se mantuvieron en Alemania sufrirían después del rechazo del cine mundial, no pudiendo encontrar trabajo en otros países. La gente en domingo se mantendría como un homenaje melancólico de una sociedad desaparecida, un retrato inocente de una juventud que no tenía idea de lo que se acercaba y que simplemente vivía un día domingo como cualquiera que busca desestresarse de muchos días de trabajo.

Datos.
 
Título Original: Menschen am Sonntag
Dirección: Robert Siodmak/Edgar G. Ulmer
Año: 1930
País: Alemania
Intérpretes: Erwin Splettstöber, Brigitte Borchert, Wolfgang von Waltershausen, Christl Ehlers, Annie Schreyer, Kurt Gerron, Valeska Gert, Heinrich Gretler, Ernö Verebes
Duración: 73 min.

 
EL PERRO RABIOSO

Intro.
 
Un arma en nuestra mente, en nuestra culpa. Una persecución constante para mantener la integridad. Los resultados funestos de un simple error y la corrección del tiempo a partir de las sabias palabras de nuestros mayores contrastada con la impulsividad de la juventud.

Cuerpo.
 
Antes de Rashomon y de Los siete samurai, Kurosawa ya penetraba el imaginario popular al presentar obras que formaban una imagen crítica de Japón de posguerra. Comenzando como asistente de dirección a mediados de los años treinta y como director a comienzo de los años cuarenta, Kurosawa comenzaría como un cuidadoso narrador de historias particulares, algunas sobre problemas sociales y otras sobre dramas de época. Para ello debemos contextualizar que la tradición del cine japonés viene desde la etapa muda y muchas influencias, entre ellas Ozu y Mizoguchi, han sido parte de la juventud de Kurosawa.

Sin mayor exposición al mercado internacional, Kurosawa lentamente empieza a crear un estilo propio y si bien tuvo pequeños triunfos en su debut y otras realizaciones a finales de los cuarenta ya tendría dos pequeñas joyas que llamarían bastante la atención del público: El ángel ebrio (1948) y El perro rabioso (1949). La idea era mostrar el ambiente de posguerra en el país, con una imagen algo deporable debido a la desmoralización del resultado del conflicto bélico, pero a la vez demostrar personajes en la lucha de todo el debastamiento, hombres que aún mantienen el honor ante un público deprimido. Para ello contaría como figura central a Toshiro Mifune.

Toshiro Mifune había logrado el reconocimiento gracias a El ángel ebrio, su primera de dieciséis colaboraciones con Kurosawa, y se encumbraría en las siguientes décadas como una de las colaboraciones más fructíferas del cine mundial. En su segunda entrega, encontramos a un Mifune mucho más cuajado, demostrando su capacidad para roles profundos y encontrándose a un solo año del gran acontecimiento que sería Rashomon (1950). Junto a Mifune encontramos a otro de los recurrentes de Kurosawa, Takashi Shimura. El experimentado actor sería uno de los mayores colaboradores de Kurosawa, protagonizando 21 de las 30 películas del director japonés. Un actor paciente, mesurado y sin demasiados brillos, logra un cuerpo de identidades notable, sobre todo ante un perfeccionista como Kurosawa.

La historia de un policía perdiendo su arma y tratando de recuperarla para evitar que con esta no se cometan más crímenes, es el punto de partida para la muestra de una sociedad hostil y desequilibrada, donde dos policías con diferentes aproximaciones y sentimientos deben acoplarse para lidiar con una sociedad que se rehusa y que no les parece dar respuestas suficientes para encontrar a su malhechor. Kurosawa mencionaría a La ciudad desnuda de Jules Dassin como una influencia directa para este filme y a pesar que durante mucho tiempo señaló no haber quedado conforme con el resultado final, lograría tener una simpatía por sus personajes. Posteriormente, Kurosawa comenzaría los años cincuenta con su magnífica Rashomon, siendo el principio de una década irrepetible para el cine japonés.

Datos.
 
Título Original: Nora inu
Dirección: Akira Kurosawa
Año: 1949
País: Japón
Intérpretes: Toshiro Mifune, Takashi Shimura, Keiko Akawi, Eiko Miyoshi, Noriko Honma, Isao Kimura, Minoru Chiaki, Ichiro Sugai, Gen Shimizu, Reikichi Kawamura, Noriko Sengoku
Duración: 122 min.