UNA CABAÑA EN DARTMOOR

Intro.

El amor se torna en obsesión cuando no podemos entender nuestro contexto que nos señala que no todos vivimos para todos. Y de repente, una mirada no es la inocencia de pétalos cayendo, no es un mundo girando armónicamente… es un mundo lleno de enfermedades y simplemente estamos escogiendo con cuál queremos quedarnos. Todo en silencio. Todo en blanco y negro. Y sonidos.

Cuerpo.

Uno de los directores más representativos de Inglaterra responde al nombre de Anthony Asquith. Este creador británico logró hacerse de una gran popularidad durante la etapa hablada gracias a ciertas comedias y algunos dramas típicos ingleses, diferenciando así de sus pares en Estados Unidos y logrando una gran aceptación, lo que lo llevaría a producir películas con las grandes estrellas de Hollywood a finales de los años cincuenta. Parte de su éxito se debe a una asociación particular con el escritor Terence Rattigan y con el productor Anatole de Grunwald. Si bien es conocido internacionalmente a partir de los finales de los años treinta, sobre todo con Pigmalion de 1938, Asquith empezaría su fama en la etapa muda.

Asquith tenía una visión muy particular sobre el cine mudo, en donde solamente dirigiría cuatro filmes pero en esta pequeña etapa de finales de los años veinte fue escalando su posición como director. De una visión artística muy particular, su asociación con el cine aún se discute, pero dentro de su gusto por el cine silente logra alcanzar una primera etapa de fama con la última de estas producciones: Una cabaña en Dartmoor de 1929.

La película nos muestra un trío particular de actores, los cuales tuvieron una carrera más representativa en el cine mudo. La actriz principal, la inglesa Norah Baring se destacó en algunas entregas de Asquith, siendo esta su más conocida, y algunas otras colaboraciones con directores de la talla de Molander o Dupont, siendo recordada por su participación en la película muda Asesinato de Alfred Hitchcock. Por su parte, Uno Henning, un actor sueco de carácter se encontraba más apegado al teatro que al cine, siendo esta su única producción inglesa. Por último, Hans Adalbert Schlettow fue un actor de buen recorrido hasta entrados los años cuarenta, teniendo participaciones destacadas para directores como Asquith, Lang, entre otros. Esta también sería su única producción inglesa.

Una cabaña en Dartmoor es una muestra de la habilidad y experimentación de Asquith sobre como manejar una historia llena de intriga. Contada en flashback, el filme nos presenta un triángulo amoroso devenido en obsesión y fatalidad. El tratamiento sobre las relaciones humanas para lo que es el cine mudo, algo ya demostrado en entregas como Underground, busca configurar el tono escalante de la historia. El encuentro casual, las rápidas asociaciones, el desentendimiento, la ira y la pérdida de cierto toque con la realidad solamente demuestran lo que después Asquith transformaría de mejor manera en la etapa hablada. El director sería conocido por su especial tratamiento con los actores, a los cuales sabía moldear buscando así su mejor performance.

Datos.

Título Original: A Cottage on Dartmoor

Dirección: Anthony Asquith

Año: 1929

País: Reino Unido

Intérpretes: Norah Baring, Uno Henning, Hans Adalbert Schlettow

Duración: 77 min.

LA HUELGA

Intro.

La lucha del trabajador es constante. La necesidad de llevar el pan a la casa y poder mantener a una familia se hace cada vez más angustiante. ¿Qué se puede pedir del hombre que trabaja y su esfuerzo es equivalente a unas ridículas monedas? ¿Cómo puede ese hombre levantarse del fango?

Cuerpo.

El experimental Sergei Eisenstein fue un teórico del cine y buscó impulsar sus tratamientos sobre el montaje y el cine en cada una de sus entregas. La magnificencia de Eisenstein a través de filmes como El Acorozado Potemkin, Alexander Nevsky o las dos partes de Iván el Terrible son solamente ejemplos de un gran director exaltando el sétimo arte, al mismo tiempo que debía combatir con las rigurosidades de la política soviética de esos tiempos. La Huelga es el comienzo de sus largometrajes y el difícil camino de sobrellevar la censura en su país, al mismo tiempo que creaba obras irrepetibles e influyentes.

En su juventud, Eisenstein tendría diversas influencias, sobre todo del teatro y de la cultura japonesa. El director soviético utiliza todas estas formas artísticas para poder incursionar en el ambiente fílmico de su país y para demostrar ciertas teorías, que para ese tiempo escribía como ensayos en algunas publicaciones. Envuelto en el teatro, su primer intento en el cine sería el cortometraje El Diario de Glumov, de 1923, marcando su transición del cine al teatro. A partir de ello también comenzaría su asociación con diferentes personalidades del cine soviético y una mayor comprensión con las autoridades.

Debido a la asociación del cine soviético con la propaganda política, los directores componían sus obras a partir de los lindes revolucionarios y valiéndose de ello, Eisenstein lograría su propio estilo, al aplicar sus teorías y “cumplir” con el deseo de mostrar una Unión Soviética unida a través del proletariado. 1925 sería un año especial para el realizador, ya que no solamente sería la presentación de su primer largometraje, sino también los que muchos consideran su obra maestra, El Acorazado Potemkin. Dos años después crearía Octubre y su reconocimiento internacional no se haría esperar.

La Huelga nos presenta la lucha del trabajador contra los poderes que lo suprimen. No faltó de problemáticas, la obra quería mostrar una serie de filmes sobre el proletariado, pero quedaría en una sola entrega. El filme estaría dividido en seis partes en donde rápidamente se nos muestra las condiciones laborales en una fábrica, lo que llevará a la huelga de los bolcheviques y su consiguiente supresión. Una de las primeras reglas que Eisenstein imprimiría sería mostrar al grupo y no al individuo, promoviendo de esta manera la idea del proletariado y creando una imagen universal sobre la situación del obrero.

En La Huelga también veremos sus ideas de montaje, en donde utiliza imágenes diferenciadas pero asociadas según la situación, algo que también comienza a trabajar en la edición. Imágenes de animales, objetos resaltados según los momentos y un uso particular de la velocidad de las tomas cuando se trata del incendio o de la lucha final. La visión de Eisenstein sería aprobada y recompensada con la creación de su siguiente proyecto, lo cual le permitiría la mayor exposición de sus ideas del montaje, vanagloriadas y reconocidas por los grandes creadores y críticos del sétimo arte. Mediados de los años veinte es un momento clave para el cine soviético. La represión permitió a los creadores a buscar maneras de presentar sus obras sabiendo luchar con una situación política complicada, pero al final terminaría costándoles su libertad o sus diferentes expresiones artísticas. Eisenstein, Dziga Vertov, Alexander Dovzhenko, Vsevolod Pudovkin, Yakov Protazanov, entre otros, fueron sus grandes representantes pero en muchos casos las obras terminarían cortadas, mutiladas o censuradas, lo cual llevaría muchos años antes del reconocimiento internacional.

Datos.

Título Original: Stachka

Dirección: Sergei Eisenstein

Año: 1925

País: Unión Soviética

Intérpretes: Maksim Shtraukh, Grigori Aleksandrov, Mikhail Gomorov, I. Ivanov, Ivan Klyukvin, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer

Duración: 82 min.

CORAZÓN OLVIDADO

Intro.

Una tormenta entre el amor de dos personas. Una tormenta y una carta. Los caminos a elegir siempre son confusos y totalmente complejos… la humanidad decide su destino simplemente entre el silencio y la niebla.

Cuerpo.

Erich von Stroheim comenzaría su periplo en el cine siendo un actor de reparto para el gran director americano D. W. Griffith. Su insistencia y necesidad por ser parte creativa de este nuevo medio lo llevó a ser uno de los asistentes de dirección en la descomunal Intolerancia del mismo director. La idea de Stroheim era hacerse un mundo en el cine a partir de la creación de obras que tuvieran que ver tanto con la dirección así como con el guion y la producción. Después de casi una década alternando sobre todo como actor secundario, von Stroheim encontraría su oportunidad en 1919, dirigiendo su primera película, Corazón olvidado.

Llamada también Esposos ciegos (traducción literal del título en inglés), Corazón olvidado es la ambiciosa propuesta de von Stroheim quien es el director, guionista, productor y protagonista de este drama de enredos amorosos. Von Stroheim (quien sería conocido bajo el apelativo de “el hombre que adoras odiar”) interpreta al conocido exótico extranjero en busca de aventuras con damas casadas. Si bien este arquetipo de personaje sería una firma muy personal del director austriaco, esta es su primera entrega y vemos a un von Stroheim joven y cuya arrogancia en el filme aún no tiene ese poder que podrá imprimir en futuras obras. Sí nos encontramos con un director perfeccionista, que desde un primer momento demostrará cierto despotismo en el trato con sus actores.

El filme está rodeado de actores muy recurrentes en el cine mudo pero no tan destacados. Aunque entre ellos podemos destacar la presencia de Gibson Gowland, un actor recurrente de reparto y cuyo único rol estelar sería el del clásico Avaricia, la obra maestra de von Stroheim. Sam de Grasse, conocido villano del cine mudo, y Francelia Billington, quien tendría gran participación del cine silente pero cuya última gran obra sería esta película de von Stroheim, son lo más destacado del reparto. Esta actriz también se destacaría por ser una gran camarógrafa.

Basado en cierto código de moralidad, von Stroheim suele presentar sus dramas conyugales bajo la idea de la tentación y el pecado (o un supuesto pecado, en su defecto), para después demostrar la rectitud del ser humano en cuanto a reconocer sus errores y volver a la felicidad del matrimonio. Lo destacado de estas obras no solamente es el tema sino la configuración del personaje antagonista, que al ser interpretado por el mismo director, deben conllevar una fuerza peculiar. Tanto en esta, como en Esposas frívolas y su interrumpida El carrusel de la vida, la atracción no es solamente el juego de tentación sino también el descubrimiento de relaciones sentimentales sosas e ineficientes, lo que permite así una explicación casi racional de las decisiones erróneas de los personajes principales.

Pero esto es el comienzo de lo que será el maestro von Stroheim. Su bien podemos ver bosquejos de su refinada técnica, lo que más podemos resaltar es el uso de la temática, los simbolismos, los estereotipos como interesantes fórmulas de presentación, la seducción y el coraje de los personajes para aceptar y combatir los cambios. Faltarían todavía algunos años para depurar su genio, así como su conocida arrogancia y su lucha titánica con el productor Irving Thalberg, pero von Stroheim ya estaba cimentando su nombre en Hollywood, lo que lo convertiría en uno de los grandes directores del cine mudo.

Datos.

Título Original: Blind Husbands

Dirección: Erich von Stroheim

Año: 1919

País: Estados Unidos

Intérpretes: Erich von Stroheim, Sam de Grasse, Francelia Billington, Gibson Gowland, Fay Holderness, Ruby Kendrick, Valerie Germonprez, Jack Perrin, Richard Cummings, Louis Fitzroy, William de Vaull

Duración: 91 min.

NOCHE EN LA CIUDAD

Intro.

De los callejones oscuros, de las noches de gala, de un cuarto maloliente, de un palacio… de todos lados. De todos lados aquellos hombres dispuestos a todo por dinero y poder, salen en búsqueda de su presa. Engañar, estafar y robar es su lema. No importa cómo, no importa sobre quien. Y Harry Fabian lo sabe. Es solamente una cuestión de fe para él… fe y el momento oportuno. En un instante el pobre zángano empieza a dominar una ciudad y la noche cae sobre todos los pecadores.

Cuerpo.

Jules Dassin fue un director americano muy comprometido en los años cuarenta con lo que se conoció como film noir. Si bien el término no sería acuñado sino décadas después, las entregas de Dassin lo ayudaron a formar dramas de gran calibre con personajes incomprendidos en contextos bastante complicados. Fuerza bruta, La ciudad desnuda y Mercado de ladrones son muestra infalible de un realizador con sello único y que aspiraba aún a más grandes entregas. Pero la época de McCarthy y la lista negra en Hollywood complicarían este desarrollo.

Para esos momentos, Dassin estaba contratado para Twentieth Century Fox y Darryl F. Zanuck. Sabiendo de la censura en contra de su empleado, Zanuck instaría a Dassin a mantener su vínculo y crear más películas para el estudio. Es así como Dassin viajaría a Inglaterra y empezaría la elaboración de Noche en la Ciudad. Mantener esa asociación le permitiría contar con estrellas americanas y un presupuesto ideal. Los problemas vendrían después, ya que sin poder entrar a Estados Unidos no contaría con una palabra final en la edición y la musicalización del filme. Es así como se crearían dos versiones, la británica y la americana. Zanuck manejaría la versión americana y Dassin podría mantener su visión de la británica, aunque la película debido a muchas dificultades no llegó a tener la relevancia debida.

Para el filme, el actor principal sería el carismático Richard Widmark, quien había sorprendido en su debut con El Beso de la Muerte (1947) y quien era uno de los abanderados de Zanuck. A su lado estaría la bella Gene Tierney, quien había sorprendido a Hollywood con Laura (1944) y quien era otra protegida de Zanuck. Su inclusión en la película fue un pedido expreso del productor, quien estaba preocupado por la salud mental de su actriz y quería mantenerla trabajando. Googie Withers era una actriz bastante reconocida en Inglaterra y su adición en el filme elevaría la calidad de la producción, cumpliendo un rol algo atípico pero que demuestra las capacidades histriónicas de Withers. Otros roles fueron para Francis L. Sullivan como el magnate Phil Nosseross en una gran actuación y el luchador profesional retirado Stanislaus Zbyszko como Gregorius el Magnífico. A notar la gran lucha entre este último y Mike Mazurki como uno de los grandes aspectos técnicos de la película.

Noche en la Ciudad nos muestra las andanzas de la alimaña llamada Harry Fabian y todos los trucos utilizados para llegar a sus fines. Para ello arrastra a todos los que sean necesarios. La trama nos muestra un submundo de pandilleros, cuestionables “empresarios” y gente esperando estafar como el único medio para sobrevivir. Magistralmente filmada por Dassin, Noche en la Ciudad contaría con dos partituras que le darían tonos diferenciados al filme y una adición algo alterada, contando la versión inglesa con cinco minutos más de duración.

Noche en la Ciudad no fue tomada en consideración por la crítica de su tiempo. La asociación con Dassin como parte de la lista negra, así como la futura censura de los estudios americanos a sus distribuidoras internacionales hizo que la película pasará sin pena ni gloria. Pero en los años sesenta el film noir tendría otras retribuciones gracias a la nouvelle vague francesa, con Truffaut y Godard a la cabeza. El género se reinventaría mostrando sus grandes escalas y Noche en la Ciudad no sería excluida. Dassin, quien posteriormente tendría una carrera denotada en Europa y Grecia especialmente, revisitaría las anécdotas y dificultades sobre la creación del filme y su apreciación no solo llevaría a la búsqueda del filme, sino también de su contraparte americana, versión menos conocida y que Dassin tomaría como un alcance más propio de su idea original.

Datos.

Título Original: Night and the City

Dirección: Jules Dassin

Año: 1950

País: Reino Unido

Intérpretes: Richard Widmark, Gene Tierney, Googie Withers, Hugh Marlowe, Francis L. Sullivan, Herbert Lom, Stanislaus Zbyszko, Mike Mazurki, Ada Reeve, Charles Farrell, Ken Richmond, Edward Chapman

Duración: 101 min.